Испанское искусство XVII В.

«Золотым веком» испанской живописи является ХVI век, а точнее 80-е годы XVI — 80-е годы XVII столетия. Расцвет испанской культуры — литературы и театра (освященных именами Сервантеса и Лопе де Вега), а затем живописи — пришелся на время ослабления экономической и политической жизни страны и являлся следствием упадка официальной придворной культуры. Небывалый расцвет искусства был подготовлен всем ходом своего предшествующего развития. Характер его был обусловлен специфическим мировоззрением испанцев, особенностью черт национального характера, сложившихся в ходе многовековой (VIII—XV века) национально-освободительной борьбы (реконкисты) испанского народа с завоевателями-маврами, которая воспитала активный характер в народе, укрепила его национальную гордость, сформировала на­родную основу культуры, так как ее движущей силой были народные массы города, крестьянство, рано освобо­дившееся от крепостной зависимости и осознавшее свои гражданские и человеческие права.

Своеобразие испанской культуры XVII века, специфические черты национального искусства, его демократизм и утонченный интеллектуализм определялись соотношением классовых сил в обществе, состоявшем из могущественной аристократии, с одной стороны, и широких масс народа, крестьянства — с другой. Буржуазия, слабо сплоченная, почти не участвовала в культурной жизни страны. Это обусловило распространение реакционно-сословных, дворянских и религиозных представлений, подавляющих личность, и вместе с тем мощное выражение народного начала во всех областях культуры. Испанская интеллигенция не была чужда передовых идей эпохи. В политических трактатах появляются мысли о суверенитете народа, возникает большой интерес к естественным и точным наукам, делаются открытия в астрономии, физике, математике, географии. Ни в одном европейском театре того времени нельзя найти такого острого выражения социального протеста, как в «испанских драмах чести».

Для испанского искусства было характерно существование традиций, причем не классических, а средневековых, готических, а также привязанность к правде, к национально-бытовому колориту, страстные поиски прекрасно и возвышенного. Кроме того, испанское искусство, развивавшееся в условиях господства арабов в Испании, умело необычайно интересно переработать мавританские черты, сплавив их с истинно национальными.

В формировании испанской школы была очень велика роль церкви, в искусстве преобладали религиозные сюжеты. Однако религиозные идеи, которыми, по сути, освящено все испанское искусство, воспринимаются им очень конкретно, в рамках реальной действительности, чувственный мир удивительным образом уживается с религиозным идеализмом, а в мистический сюжет врывается народная, национальная стихия.

Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 году живописца Доменико Теотокопули (1541—1614), прозванного Эль Греко за его греческое происхождение, художника философского склада мышления и разностороннего дарования, гуманистической образованности, мятежных порывов.

Его творчество, аристократическое, утонченно интеллектуальное, отличают страстность, пылкая фантазия, доходящая до мистической экзальтации душевная неуравновешенность. В нем нашли отражение его чувство одиночества, настроения безверия и тревоги, вызванные обостренным восприятием современной ему жизни, кризиса гуманистических идеалов, который начался в Европе во второй половине XVI века. Отсюда трагизм образов, повышенная выразительность произведений Эль Греко.

Уже зрелым мастером Эль Греко, родившийся на Крите, попадает в Испанию по приглашению испанского короля, но не оцененный мадридским двором, он перебирается в Древний Толедо — город воинствующей веры и монастырей, надменной кастильской знати, враждебной королю. Именно здесь среди образованных людей, писателей, художников, музыкантов, понимавших противоречия современной Испании, искусство Эль Греко достигает расцвета. Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени. Это прежде всего религиозные сюжеты («Взятие под стражу», «Моление о чаше», «Святое Семейство»), чаще всего — алтарные образа («Погребение графа Оргаса», церковь Сан Томе, Толедо). Значительно реже он обращается к античным мифам («Лаокоон»). Он пишет много портретов и пейзажей, в основном виды Толедо.

Композиции его картин строятся на ритмическом соотношении беспокойных линий, произвольно смещающихся планов, смелых ракурсов, на контрастах света и тени, внося напряженную динамику и взволнованность. Сильно удлиненные по пропорциям фигуры в страстном порыве устремляются вверх, а низкий горизонт, применяемый обычно, увеличивает их масштабы. Кажущиеся живыми деревья, скалы, небо, облака и одежды точно повторяют в неистовом трепете ритм человеческих фигур. Весь мир предстает как единая одухотворенная бушующая стихия, с которой человек не в силах совладать. Нервный ритм усиливается беспокойными мазками, волнообразными линиями. Необычайно выпуклые формы словно находятся в непрерывном движении и изменении. Эль Греко — величайший мастер колорита. Но цвет для него не постоянный признак предмета. Он не стремится передать цветом подлинную его красоту, а старается выразить чувства, усиливая цветом состояние напряжения, устремления ввысь. Контрастные холодные и горячие краски точно находятся в состоянии напряженной борьбы.

Тонкая проницательность Эль Греко проявляется в его замечательных портретах трогательных детей, ученых, утонченных поэтов, писателей, суровых фанатически воинов с умными одухотворенными лицами, надменных бледных испанских идальго, людей из народа, в них много личного, субъективного, заостренного, взволнованного отношения художника. Его портреты грандов, высшей кастильской знати чем-то похожи друг на друга: за внешней оцепенелостью форм и бесстрастием лиц портретируемых чувствуется снедающий их внутренний огонь, на их бледных лицах горят не видящие внешний мир глаза, они полны напряжения сложной духовной жизни.

Расцвет реалистической живописи, развивающейся в борьбе с идеализирующим придворным направлением» наступает в первой половине XVII века. Главными очагами реализма становятся Севилья и Валенсия, в художественной жизни которых ярко проявились передовые веяния.

Одним из представителей школы Валенсии был Хусепе Рибера (1591—1652), живописец и график. В творчестве Риберы преобладают религиозные темы с драматическими сюжетами, трактованные с жизненной конкретностью, с беспощадной правдивостью. Он обращается также к мифологическим темам и к портретам, воплощая в своих героях яркие индивидуальные образы людей своей родины.

Самый замечательный художник «золотого испанского века» — Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599— 1660). Он из Севильи, крупного центра художественной культуры Испании, хранившего лучшие традиции передового реалистического искусства. Идеи гуманизма, верность демократическим традициям испанской культуры, любовь к простым людям составляют основу его творчества. Более непосредственно и смело, чем его предшественники, обращается он к реальной действительности, расширив тематику живописи, способствуя развитию в ней различных жанров.

Уже в первых своих работах он обращается к распро­страненной в Испании жанровой живописи — «бодегонес» (от испанского «bodegon» — харчевня), изображая сцены жизни простых людей в реальной обстановке бедных харчевен, в кухнях, которые он мог наблюдать в многолюдной и шумной торговой Севилье. Таковы «Завтрак» (1617), «Продавец воды» (ок. 1620), «Старая кухарка» (ок. 1620). В этих ранних произведениях обнаруживаются уже уверенность рисунка, монументальность форм, простота крупнофигурных композиций. В них мало действия, лица выражают несложные чувства, краски коричневые, землистые, тяжелые, резко противостоят освещенные и затененные части предметов.

В 1623 году Веласкес переезжает в Мадрид и становится придворным художником короля Филиппа IV. Почти сорок лет длится его служба при дворе, но она не мешает художнику в его поисках своего пути в искусстве. В этот период он много пишет портретов, создав целую галерею образов своих современников. Чаще всего он изображает короля, его семью и приближенных. Портреты его монументальны, лаконичны и глубоко выразительны посредствам. Испанский двор и аристократия оживают в его портретах со всей своей гордостью, грустью, напряженной жизнью страстей, печатью вырождения.

Правдивость изображения и глубина проникновения в истинную сущность модели с особой силой проявились в портрете Папы Иннокентия X, написанном им во вторую свою поездку в Италию в 1649 году. Современники утверждали, что, увидев свой портрет, Папа воскликнул: «Слишком правдиво!».

Веласкес расширяет границы бытового жанра, вносит в него большую глубину и значительность. Реалистические устремления Веласкеса ярко выразились в картине «Вакх» («Пьяницы», 1628-1629), написанной на мифологический сюжет. Здесь мифология лишь повод живо и непосредственно передать сцену из испанской народной жизни: он изображает Вакха в компании пирующих бродяг с загорелыми обветренными лицами, со следами тяжкой и беспокойной жизни, но исполненных неподдельного веселья.

Своей картиной на современную историческую тему «Сдача Бреды» (1634-1935), посвященной взятию голландской крепости испанскими войсками, Веласкес положил начало реализму в исторической живописи, отказавшись от парад­но-аллегорической трактовки батальной темы.

Искания тона, проблема передачи света и воздуха, свето-воздушной среды, что будет так волновать художников XIX столетия, были главными проблемами живописи Веласкеса. Его пейзажи, написанные во вторую поездку в Италию, с их изысканной колористической гаммой, благодаря которой краски природы воспринимаются не локально, а во взаимодействии со светом, предвещают пейзажную живопись XIX века.

В последнее десятилетие жизни Веласкес создал три самых известных своих произведения. Может быть, под впечатлением тициановской «Венеры» он написал свою «Венеру с зеркалом» — первое в испанском искусстве того времени изображение обнаженного женского тела. Написанная со спины Венера с отражающимся в зеркале миловидным лицом, по мнению многих исследователей, представляет собой замкнутую в самой себе композицию характерную для искусства барокко. Объем прекрасного обнаженного тела, растворяющегося в как будто насыщенной воздухом среде, он лепит множеством оттенков розового и золотистого цветов.

Монументально подана Веласкесом жанровая картина «Пряхи», являющаяся достойным завершением его творческого пути. На полотне изображена шпалерная мастерская, куда пришли придворные и дамы и рассматривают гобелен, изображающий миф об Арахне, простой девушке, превзошедшей своим искусством Афину, которая и покарала ее за это, превратив в паука. Этот миф перекликается в картине с изображенными на переднем плане пряхами — Арахнами. Веласкес воссоздает атмосферу поэзии труда, творящего искусство, и вся картина, в которой реальность каждодневного переплетена с вечностью мифа, оказывается прославлением самого искусства.

Веласкес писал свои картины исключительно масляными красками и обычно на тонком полотне. Краски в ранних работах густо покрывают полотно. С ростом художественного мастерства Веласкеса они становятся более текучими и прозрачными. Открытия Веласкеса в области цвета и света, его могучий реализм оказали влияние на живопись XVIII— XIX веков.

Дата добавления: 2015-07-08