Характеристика жанров 4 страница

Состав исполнителей

Состав исполнителей мессы долгое время определялся эпохой, предписанными церковным руководством (заказчиком) указаниями, канонами и традициями, но мог быть и по желанию самого композитора, поэтому мессы по своему составу весьма разнообразны. До XIX века мессы писались исключительно для мужчин, высокие партии в которых исполнялись мальчиками (дискант, альт) или мужчинами-контратенорами, а также кастратами, что важно учитывать при аутентичном исполнении.

МЕССА

МЕССА (от лат.-посылаю, отпускаю.) Центральный обряд суточного богослужебного цикла католической церкви, в котором, как правило,важная роль отводится музыке. Месса- служба аналогична православной литургии (прототип обряда-евангельский эпизод Тайной вечери). Месса состоит из ординария (разделы, текст которых должен звучать ежедневно) и проприя (разделы, текст которых меняется в течении года в зависимости от праздника. Текст мессы обычно поется (Missa solemnis, или cantata, высокая, торжественная месса), но в некоторых случаях читается (Missa bassa, или lekta,-низкая месса.) Основные разновидности мессы-Реквием (заупокойная служба-Missa pro defunctis).Краткая месса (Missa brevis,включает только Kyrie и Cioria,принята в немецкой протестантской службе).Музыкальное оформление мессы складывалось в практике григорианского пения. В средние века мессе предоставлены все виды григорианского хорала:речитатив и псалмодия, антифонное (интроит и коммунио) и респонсориальное (градуал, аллилуйя, офферторий) пение. Композиторы нидерландской школы которые писали мессы-Г. Дюфаи, Окегем, Я.Обрехт,Жоскен Депре. Композиторы венской школы- Й.Гайдн, В.А.Моцарт, Бетховен. Романтики-К.М.Вебер, Ф.Шуберт, Ф.Лист, С.Франк,А.Брукнер).

КОЛЯДКА

Обрядовая календарная песня у народов индоевропейской языковой семьи, в том числе у славян, с пожеланиями богатства, здоровья. Исполнялась на Рождество. Особенности колядок: текст поздравительный или величальный. На короткий напев его называют напев-формула-поются разные тексты, поет чаще хор в унисон, но иногда возникает двухголосие. Небольшой звуковой объем напева-может быть в пределах терции, квинты, незаполненной сексты. Лад основан на опевании устоя неустойчивыми звуками, отстоящими на секунду, на кварто-квинтовых интонациях зова, призыва, возгласа, приветственного обращения, чаще лад бесполутоновый. Лады состоят из варьирующихся попевок, так называемых трихордов.

МЮЗЕТ

французский старинный народный танец,разновидность гавота. Был чрезвычайно популярен во Франции в 17-18вв. Исполнялся в быстром темпе под аккомпонемент мюзета(волынки), отсюда происходит и название танца.

НОВЕЛЕТТА

(литературный термин, обозначающий вид реалистического рассказа)-название инструментальной пьесы. Под непосредственным воздействием литературного творчества Шуман вводит название «новелетта» для обозначения фортепианной пьесы повествовательного склада, но иного типа, чем баллада:более психологически насыщенной, лишенной фантастических элементов и не столь ярко драматической. Новелетта Шумана состоит из ряда разнохарактерных эпизодов, один из которых многократно повторяется.

НОКТЮРН

распространившееся с конца 17в. название пьес лирического, мечтательного характера, исполнявшихся ночью на открытом воздухе. В основе ноктюрна лежит обычно широкая, певучая мелодия, навеянная ночной тишиной, ночными образами. Жанр ноктюрна как пьесы для фортепиано создан ирландским композитором Джоном Филдом. Широкое развитие этот жанр получил у Ф. Шопена. Его знаменитые ноктюрны для фортепиано стали образцом этого жанра, который подолжали развивать в своем творчестве Г.Форе и А.Скрябин.

ПАВАНА

старинный бальный танец медленного темпа, двухчастного размера. Появился в Италии, в 16-17вв. получил распространение во всех европейских странах в качестве церемониального торжественного танца.

ПАССАКАЛЬЯ

песня, позднее танец испанского происхождения, первоначально исполнявшийся на улице в сопровождении гитары при отъезде гостей с празднества. В 17 в. Пассакалья получила распространение во многих европейских странах, и исчезнув из хореографической практики, стала одним из ведущих жанров инструментальной музыки. Ее определяющие черты: торжественно-траурный характер, медленный темп, трехдольный метр, минорный лад, особенности композиции(одна из разновидностей полифонических вариаций на basso ostinato). Для пассакальи типично первоначальное одноголосное изложение темы в басу. Тема старинной пассакальи, как правило, развернутая, часто в форме предложения или периода, начинается с третей доли такта, опирается на устойчивые ступени лада, иногда хроматизированная. В 17в.и 1-ой половине 18в. композиторы создавали пассакалью как самостоятельную пьесу(А.Резон,Д.Букстехуде и др.), а также включали их в произведения других жанров:в оперу(«Коронация Поппеи» Монтеверди; «Дидона и Эней» Перселла, «Ацис и Галатея» Люлли). В сюиту(Дж. Фрескобальди, Ф.Куперен), в скрипичный концерт(А.Вивальди). Вершиной в развитии жанра является грандиозная пассакалья и фуга до-минор для органа И.С.Баха. Особую роль жанр пассакальи, как носитель Эпико-трагедийного начала играет в творчестве Д.Д.Шостаковича(опера «Катерина Измайлова», восьмая симфония, первый концерт для скрипки и оркестра).

ПАСТОРАЛЬ.

Пастораль была популярна в придворном искусстве 17-18вв. в Италии и Франции. В средневековье пассакалья связана с творчеством трубадуров и труверов. Жанр: 1)опера,пантомима или балет(а также их отдельные сцены), сюжет которых связан с идеализированным изображением сельской жизни, природы.2)вокальное или инструментальное произведение (пьеса) пасторального характера, рисующее картины природы или сцены сельской жизни. Вокальные пасторали простираются от мадригала до сольной песни с сопровождением фортепиано. Инструментальные пасторали нередко ведут свое происхождение от рождественского музицирования римских пиффераций, осущесвлявшегося в память о вифлеемских пастухах из христианской легенды. В других случаях они передают представление о галантной пастушеской жизни. С течением времени сложились характерные черты инструментальной пасторали-плавное, спокойное движение мелодии, часто удваиваемой в терцию, выдержанные звуки (бурдон) в басу сопровождения, воспроизводящие звучание народной волынки,ритм сицилианы (размер 6,8;12,8;)

ПЕСНЯ

наиболее распространенный жанр вокальной музыки, а также общее обозначение поэтического произведения, предназначенного для пения или распевной речитации. Жанровая классификация песни может производиться по разным признакам:словесного и музыкального содержания (песни революционные, патриотические, лирические, сатирические, маршевые, танцевальные и т.д.), социального функционирования (крестьянские, городские, бытовые, военно-строевые и т. д.), фактуры и исполнительного состава (одно-и многоголосные, сольные и хоровые, с инструментальным сопровождением и без него).Музыкальная форма песни связана со структурой и содержанием поэтического текста. Самая распространенная-куплетная форма. Композиторы которые обращались к жанру песни-Ф.Шуберт, Р.Шуман, Й.Брамс, Г.Малер, Р.Штраус (Австрия и Германия); Г.Берлиоз, Ш.Гуно, Ж.Массне, Г.Форе (Франция); А.А.Алябьев, М.И.Глинка, А.С.Даргомыжский, А.П.Бородин, м.П.Мусоргский, П.И.Чайковский, С.В.Рахманинов (Россия).

ПЛАЧ

Плач — один из древних литературных жанров, характеризующийся лирико-драматической импровизацией на темы несчастий, смерти и т. п. Может оформляться как в стихах, так и в прозе. Стилистика плача использована, в частности, в некоторых текстах Библии — одна из книг Ветхого Завета целиком представляет собой образец жанра («Плач Иеремии»), — а также в гомеровских поэмах.Плач получил широкое распространение в традиционной русской обрядовой и бытовой народной поэзии. Примерами плачей в древнерусской литературе являются знаменитый плач Ярославны в «Слове о полку Игореве», плач московской княгини Евдокии над телом Дмитрия Донского. В «Житии зырянского просветителя Стефана Пермского», написанном Епифанием Премудрым, есть ряд текстов, по жанру относящихся к данной категории: «Плач пермских людей», «Плач пермской церкви» и «Плач и похвала инока списующа». Известны плачи, написанные русскими авторами XVII века, в частности анонимный «Плач о пленении и конечном разорении Московского государства» (1612) и «Плач и утешение» по поводу смерти царя Федора Алексеевича, написанные поэтом Сильвестром Медведевым.

ПОЛОНЕЗ

Полонез (польск. polonez, фр. polonaise, от фр. polonais — польский) — торжественный танец-шествие в умеренном темпе, имеющий польское происхождение. Исполнялся как правило в начале балов, подчёркивая торжественный, возвышенный характер праздника. В полонезе танцующие пары двигаются по установленным правилами геометрическим фигурам. Музыкальный размер танца —?.

Происхождение. Возникший в Польше около XV века под именем «ходзоный» (польск. chodzony) сперва полонез был исключительно свадебным танцем. Затем, несколько видоизменившись, он сделался непременным атрибутом любых народных торжеств. Именно величественный полонез открывал танцы на любом народном празднике.

Часто размеренный и плавный полонез перемежался другими народными танцами, такими как мазурка или оберек: веселящаяся молодёжь, сделав несколько фигур полонеза, без ведома музыкантов ускоряла темп и переходила к более быстрым танцам. Оркестр в таких случаях следовал за танцующими. Затем, устав от быстрых и сложных движений мазурки или оберека, молодежь также внезапно вновь переходила на полонез. В результате часто полонез не только начинал, но и заканчивал танцы, как бы обрамляя их.

Во всех областях Польши народный полонез танцевали с припевками. Спевший самый красивый куплет получал право вести танец. Его, в свою очередь, мог сменить через несколько фигур новый победитель.

Полонез был одним из самых любимых поляками народных танцев. Его сравнительно незатейливую хореографию крестьяне старательно украшали дополнительными деталями. Например, в XVI—XVII веках девушки танцевали ходзоный в венках. Идя одна за другой, девушки тайком поглядывая на юношей, следовавших за ними. Затем девушки снимали венки и дарили их юношам, которые им нравились и своим возлюбленным, и только после этого составляли пары танца. Юношей и девушек сменяли семейные пары. Молодым людям в таких случаях не разрешалось танцевать с замужними женщинами или вдовами.

Полонез в музыке

Музыкальная форма полонеза получила широкое распространение. Образцы полонеза встречаются в сюитах и партитах И. С. Баха, Г. Ф. Генделя, в произведениях В. А. Моцарта, Л. Бетховена, К. М. Вебера, Ф. Шуберта; широкое развитие этот музыкальный жанр получил в творчестве Ф. Шопена. Полонезы писали М. К. Огинский (им, в частности, создан один из самых известных полонезов — «Прощание с Родиной»), О. А. Козловский, К. Курпинский, Г. Венявский, З. Носковский, Л. Ружицкий и др. В опере полонез использован М. И. Глинкой («Жизнь за царя»), Н. А. Римским-Корсаковым, П. И. Чайковским («Евгений Онегин»), М. П. Мусоргским («Борис Годунов») и др.

Известны многочисленные торжественные инструментально-хоровые композиции-полонезы. Большое количество полонезов на стихи Г. Р. Державина было написано О. А. Козловским, в том числе знаменитый полонез «Гром победы, раздавайся».

В Польше полонез получил распространение и в духовной музыке. Многие популярные польские колядки, исполняемые в костёлах на Рождество, имеют форму полонеза, например: «В яслях лежит» (польск. «W zlobie lezy»), «Ныне в Вифлееме» (польск. «Dzisaj w Betlejem»), «Рождается Бог» (польск. «Bog sie rodzi»). Среди музыковедов встречается мнение, что религиозные тексты этих колядок были положены на музыку существовавших задолго до того народных танцев.

СИМФОНИЧЕСКАЯ ПОЭМА

Симфоническая поэма (нем. symphonische Dichtung) — жанр симфонической музыки, выражающий романтическую идею синтеза искусств. Симфоническая поэма представляет собой одночастное оркестровое произведение, допускающее различные источники программы (литература и живопись, реже — философия или история; картины природы). Симфонической поэме свойственно свободное развитие музыкального материала, сочетающее различные принципы формообразования, чаще всего сонатность и монотематизм с цикличностью и вариационностью.

Возникновение симфонической поэмы как жанра связывается прежде всего с именем Ференца Листа, создавшего 13 произведений этой формы в 1848—1858 гг. В качестве непосредственного предшественника Листа называют Феликса Мендельсона, прежде всего его увертюру «Гебриды» (1830—1832).

После Листа в этом жанре работали многие другие композиторы — М. А. Балакирев, Х. фон Бюлов, Дж. Гершвин, А. К. Глазунов, А. Дворжак, В. С. Калинников, М. Карлович, С. М. Ляпунов, С. С. Прокофьев, С. В. Рахманинов, А. Г. Рубинштейн, К. Сен-Санс, Я. Сибелиус, А. Н. Скрябин, Б. Сметана, Й. Сук, З. Фибих, С. Франк, П. И. Чайковский, М. К. Чюрлёнис, А. Шёнберг, Э. Шоссон, Д. Д. Шостакович, Р. Штраус, Дж. Энеску и другие.

«Поэма» для скрипки с оркестром Э. Шоссона также написана под влиянием жанра симфонической поэмы.

«Хореографическая поэма» «Вальс» М. Равеля представляет собой симфоническую поэму, предполагающую возможность сценического воплощения.

Наиболее радикальное переосмысление жанра симфонической поэмы предложил Д. Лигети в Симфонической поэме для 100 метрономов.

Влиянию симфонической поэмы подверглись в своем развитии и другие жанры — симфония, концерт, поэма, соната.

ПРЕЛЮДИЯ

Прелюдия (от лат. prae… — перед и лат. ludus — игра) — короткое музыкальное произведение, не имеющее строгой формы. В период зарождения, прелюдии всегда предшествовали более длинному, сложному и строго оформленному произведению (отсюда название), но впоследствии композиторы стали писать прелюдии и как самостоятельные произведения. В прелюдиях часто встречается остинато, в целом прелюдии по стилю похожи на импровизацию.

История

Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии, в которых длительности нот оставались на усмотрение исполнителя. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века. Среди них были Жан Анри Д’Англьберт, Элизабет Жаке де ля Герр, Франсуа Куперен и Жан Филипп Рамо, первое опубликованное произведение которого было именно прелюдией. Последние такие прелюдии датируются 1710-ми годами.

Развитие формы прелюдии в Германии XVII века привело к появлению многочастных прелюдий, похожих на клавирные токкаты Иоганна Якоба Фробергера или Джероламо Фрескобальди. В прелюдиях северо немецких композиторов, таких как Дитрих Букстехуде или Николай Брунс, сочетались свободная импровизация и части, написанные по строгим канонам контрапункта (обычно это были миниатюрные фуги). Вне Германии такую модель прелюдии использовал Авраам ван-дер-Керкховен, один из наиболее известных голландских композиторов той эпохи. Южно- и центрально немецкие композиторы не следовали такому способу построения прелюдий, и их произведения оставались импровизационными, включая лишь небольшие элементы контрапункта или вовсе обходясь без него.

В течение второй половины XVII века немецкие композиторы начали писать двойные произведения, объединяя прелюдию (или токкату) с фугой в той же тональности. Одним из первых таких композиторов был Иоганн Пахельбель, хотя прелюдии и фуги И. С. Баха более многочисленны и пользуются большей известностью сегодня. Органные прелюдии Баха крайне разнообразны, в них прослеживается как северо немецкое, так и южнонемецкое влияние.

Иоганн Каспар Фердинанд Фишер (ум. 1746) был одним из первых немецких композиторов, перенёсших французский музыкальный стиль конца XVII века на немецкую клавирную музыку, заменяя стандартную увертюру на прелюдию без длительностей нот. Сборник Фишера «Ariadne musica» — это цикл клавирных произведений, состоящий из прелюдий с фугами; прелюдии здесь разнообразны и не подчиняются какой-то общей модели. Этот цикл стал предшественником более известного цикла И. С. Баха, «Хорошо темперированного клавира», состоящего из двух томов, содержащих по 24 прелюдии и фуги. Прелюдии Баха также разнообразны, некоторые напоминают танцы эпохи Барокко, а некоторые содержат двух- или трёхголосный контрапункт.

«Хорошо темперированный клавир» оказал влияние почти на всех значительных композиторов последующих эпох, многие из них написали свои циклы из 12 или 24 прелюдий, которые располагались, как и у Баха, по тональностям. Фредерик Шопен написал цикл из 24 прелюдий без фуг (Op. 28), освободив, таким образом, прелюдию от её изначального предназначения вступительной пьесы. С тех пор многие композиторы писали прелюдии как самостоятельные произведения: особенно большое влияние на последующих композиторов оказали два тома импрессионистских прелюдий Клода Дебюсси.

Форму прелюдий использовали и некоторые композиторы XX века, когда сочиняли «сюиты», навеянные музыкой Барокко. Такими были прелюдии Мориса Равеля (цикл «Могила Куперена», 1914—1917) и Арнольда Шёнберга (сюита для фортепиано Op. 25, 1921—1923).

Известные циклы прелюдий

И. К. Ф. Фишер — Ariadne musica, 1702, 20 прелюдий и фуг в 19 тональностях.

И. С. Бах — два тома «Хорошо темперированного клавира», 1722 и 1744. Каждый том содержит по 24 прелюдии и фуги в 12 основных мажорных и 12 минорных тональностях, по прелюдии и фуге на каждую клавишу фортепиано.

Л. ван Бетховен — 2 прелюдии, Op. 39; каждая проходит через все мажорные тональности.

Ф. Шопен — 24 прелюдии, Op. 28, по одной на каждую употребительную мажорную и минорную тональности.

К. Дебюсси — два тома по 12 прелюдий, 1910 и 1913. В конце каждой прелюдии стоит её название, в то время как перед ней стоит только римское число, указывающее её номер.

С. В. Рахманинов — прелюдия Op. 3 № 2, 10 прелюдий Op. 23 и 13 прелюдий Op. 32: всего 24 прелюдии, среди них всемирно известная прелюдия до-диез минор.

А. Н. Скрябин — 24 прелюдии, Op. 11 и многочисленные более короткие циклы прелюдий.

П. Хиндемит — Ludus Tonalis, 1940: прелюдия, 11 интерлюдий и 1 постлюдия, перемежающиеся с 12 фугами.

А. Гинастера — цикл из 12 «Американских прелюдий» (Doce Preludios Americanos), 1946.

Задерацкий, Всеволод Петрович — цикл из 24 прелюдии и фуг, 1937

Д. Д. Шостакович — цикл из 24 прелюдий и фуг, 1951, и более ранний цикл из 24 прелюдий для фортепиано.

РАПСОДИЯ

Рапсодия - в музыке обозначает произведение в свободной форме на основе народных мелодий. Жанр рапсодии близок жанру фантазии, поэмы.

В Древней Греции рапсодами называли певцов-сказителей, которые слагали эпические поэмы и исполняли их нараспев. Одним из них был Гомер, а одними из античных рапсодий были его «Илиада» и «Одиссея».

Затем, в 19 веке, венгерский композитор и пианист Ференц Лист создал инструментальные рапсодии – фортепианные сочинения на народные темы. Листу принадлежит 19 «Венгерских рапсодий» с использованием цыганских мотивов, а также «Испанская рапсодия» (до Листа жанр фортепианной рапсодии был утвержден X.Ф.Д. Шубартом (1786), В.Р. Галленбергом (1802), В.Я. Томашеком (1813), Я.В. Воржишеком (1814)). Также рапсодии для фортепиано есть у младшего современника Листа - Иоганнеса Брамса, позднее – у Сергея Рахманинова. В то же время, ещё при жизни Листа, в продолжение темы фортепианных рапсодий возник и развился жанр оркестровой рапсодии или рапсодии для оркестра с солирующим инструментом. Эти рапсодии также писались на основе народных тем. Авторы рапсодий для оркестра - Антонин Дворжак, Александр Глазунов, Джордже Энеску, Морис Равель и др., для солирующего инструмента с оркестром – Иоганнес Брамс (+ хор), Эдуар Лало, Сергей Рахманинов, Сергей Ляпунов, Джордж Гершвин и др.

Русский композитор Сергей Рахманинов написал рапсодию на тему одного из каприсов Никколо Паганини. В рок-музыке жанр рапсодии новаторски был применен в творчестве английской рок-группы «Queen» – была создана первая в истории длинная песня в эфире (~ 6 минут) и первый в истории видеоклип «Богемская рапсодия» («Bohemian Rhapsody»).

Примеры рапсодий в классической музыке:

Лист – «Венгерские рапсодии» (19, 1847-1885) – для фортепиано, с использованием цыганских тем; «Испанская рапсодия» (1863) – для фортепиано

Иоганнес Брамс – «Рапсодия для соло-альта, мужского хора и оркестра» (на текст И.В. Гёте, 1869), Рапсодии для фортепиано

Антонин Дворжак – «Славянские рапсодии» (три, 1878) – для оркестра

Эдуар Лало – «Норвежская рапсодия» (1879) – для скрипки и оркестра

Александр Глазунов – «Восточная рапсодия» (1889) – для оркестра

Сергей Рахманинов – «Русская рапсодия» (1891) – для фортепиано, «Рапсодия на тему Паганини» (1934) – для фортепиано с оркестром

Джордже Энеску – 2 «Румынских рапсодии» (1901) – для оркестра

Морис Равель – «Испанская рапсодия» (1907) – для оркестра

Сергей Ляпунов – «Украинская рапсодия» (1907) – для фортепиано с оркестром

Джордж Гершвин – «Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody in Blue», 1924) – для фортепиано с оркестром

Сергей Прокофьев – «Уральская рапсодия» (из балета "Сказ о каменном цветке", 1951)

Кара Караев – «Албанская рапсодия» (1952) – для оркестра

Арам Хачатурян – «Концерты-рапсодии» (триада) – для скрипки (1961), для виолончели (1963), для фортепиано (1968)

Примеры рапсодий в рок-музыке:

Группа «Queen» – «Богемская рапсодия» («Bohemian Rhapsody», 1975)

Речитатив (итал. recitativo, от recitare - декламировать; франц. recitatif, нем. Rezitativ, англ. recitative) - род вок. музыки, осн. на стремлении приблизиться к естеств. речи. Однако это неизбежно носит условный характер, т. к. свободное интонирование речи не может быть точно воспроизведено в системе фиксированного муз. строя и регулярного ритма (см. Интонация). Основные интонации речитатива являются муз. аналогией наиболее характерных и устойчивых речевых интонаций (напр., вопроса, восклицания, обращения и пр.). Подобно своим речевым прообразам, они сочетают в себе черты типовые и индивидуальные, отражая не только общий характер речевого высказывания, но часто и очень тонкие эмоц. оттенки. Фразировка и ритмика Р. определяются синтаксич. структурой текста и распределением речевых акцентов. Тематич. повторность, симметрия не характерны для Р.

В. А. Моцарт. "Свадьба Фигаро", действие 2-е, No 14 (recitativo secco).

К. В. Глюк. "Армида", действие 5-е, сцена 4-я (recitativo accompagnato).

П. И. Чайковский. "Мазепа", действие 1-е. No 5.

РИГОДОН

Ригодон – старинный провансальский танец в двудольном размере, в бодром быстром ритме. В период правления Людовика XIV стал придворным больным танцем веселого темпераментного характера.

РОМАНС

Романс— вокальное сочинение, написанное на небольшое стихотворение лирического содержания, преимущественно любовного

История романса

Романс развился из Песни; - это произведение новейшего времени. Он появился и сформировался в XV век и XIX веках. В Россию романс пришёл из Испании и вскоре приобрёл национальные черты. Появился жанр русского романса, который быстро стал популярен на волне веяний романтизма. На его основе в первой половине XIX века ведущими российскими композиторами создаётся жанр цыганского романса, впоследствии доработанный и доведённый до высокого уровня самими цыганами.

В России более всего популярна такая разновидность русского романса, как городской романс, авторский по способу создания, но фольклорный по способу бытования.

Черты вокального романса

По форме романс схож с песней; как и последняя, он пишется в коленном складе, но в нём необязательна та квадратура, та чётность тактов, которые преследуются в песне. В романсе допускаются отступления в виде так называемых расширений или вставок, переходов от одного колена к другому. Вокальная партия романса должна иметь ясное и рельефное мелодическое очертание и отличаться певучестью. Рефрен, или припев, в романсе чаще всего отсутствует. Хотя бывают и исключения, как, например, произведение А.С. Даргомыжского "Старый капрал" - романс с припевом в форме куплетной песни. [1]. В романсе следует обращать внимание больше на передачу общего настроения текста, чем на подробную иллюстрацию его деталей. Интерес должен главным образом лежать в мелодии, а не в аккомпанементе.

Романс пишется для пения с аккомпанементом одного инструмента, преимущественно фортепиано и относится к разряду камерной музыки, хотя некоторые романсы аккомпанируются оркестром.

Основные жанровые признаки романса

Содержание романса не выходит за пределы лирики. Текст посвящён некоему переживанию, обычно любовному.

Романс характеризуется только одним лирическим настроением. Однако спектр эмоциональных состояний в романсе настолько велик, что каждый исполнитель и слушатель имеет возможность выбрать наиболее близкое ему.

В связи с тем, что романс обычно выражает любовное переживание, он либо имеет, либо подразумевает адресата, а следовательно, изначально диалогичен в самом своём содержании.

Наличие двух героев порождает одно из самых важных качеств романса — его интимность, камерность.

Романс как вокально-поэтический жанр представляет собой трёхгранную структуру, в которой одинаково значимы слово, музыка и речь.

Композиторы романсов

Шуберт Франц, Роберт Шуман,Феликс Мендельсон,Иоганнес Брамс,Гуго Вольф,Эдвард Хагеруп,Жюль Масснел, Шарль Гуно,Моцарт, — лучшие представители романса на Западе. Из русских композиторов замечательные образцы в этом роде дали Алябьев, Варламов, Гурилёв, Верстовский, Михаил Иванович Глинка, Александр Сергеевич Даргомыжский, Александр Сергеевич,Рубинштейн,Кюи, Цезарь Антонович,Пётр Ильич Чайковский,Римский-Корсаков,Булахов,Сергей Васильевич Рахманинов,Георгий Васильевич Свиридов,Николай Карлович Метнер,Борис Прозоровский.

Романс в опере

Романс встречается и в операх (например, романс Рауля в первом действии «Гугенотов»).

Инструментальный романс

Форма романса перешла и в инструментальную музыку под названием «romance sans paroles» (= «song without words», «Lied ohne Worte», «песня без слов»): это — пьеса в коленном складе с преобладающим мелодическим значением. Такие романсы пишутся для фортепиано (см. Мендельсона) или для какого-нибудь другого сольного инструмента, с аккомпанементом.

САРАБАНДА

Сарабанда - испанский танец, сочиненный в конце XVI стол. Вследствиенеобузданного и соблазнительного характера, С. была изгнана со сцены.Танцевали ее с сопровождением гитары или пения с флейтой и арфой.Позднее этот танец перешел во Францию в переработанном виде, получивболее благородный и величественный характер. Темп в обновленной С.медленный, счет в 3/4, форма двухколенная (каждое колено в восемьтактов). Повторения колен были варьированы, вследствие чего С. имелаодну или две вариации или так назыв. doubles. С. сопровождаласькастаньетами. И. С.

Сальтаре?лло, реже сальтаре?лла (итал. saltarello, от saltare - прыгать) — жанр итальянской танцевальной и инструментальной музыки, распространённый в XIV и XVI веках; начиная с конца XVIII века возродился как народный танец (существует и поныне).

Первые нотированные образцы сальтареллы датированы концом XIV века (три одноголосные пьесы с названием saltarello в лондонском кодексе итальянского происхождения: GB-Lbm Add. 29987). В XVI-XVII веках сальтареллы стали жанром многоголосной инструментальной музыки и нередко входили в сюиты танцевальной развлекательной музыки; сохранились многие сальтареллы, написанные для лютни и клавишных инструментов (напр., Винченцо Галилея).

САЛЬТАРЕЛЛА

Сальтарелла с XVIII века и поныне (на римском карнавале; также популярен в провинциях центральной Италии) - парный народный танец, который пишется в размере 6/8 или 2/4 с триолями из восьмых на каждую четверть, в двухколенном складе, с повторениями.

Ф. Мендельсон использовал мелодии двух сальтарелл в финале своей «Итальянской симфонии». Г. Берлиоз использовал сальтареллу в увертюре «Римский карнавал» и в сцене карнавала в своей опере «Бенвенуто Челлини».

Серенада (франц. serenade, от итал. serenata, от sera - вечер; нем. Serenade, Stдndchen). Песня, представляющая собой обращение к возлюбленной. Истоком такой С. является вечерняя песня трубадуров (serena). Вок. С. была широко распространена в быту юж. романских народов. Она предназначалась для исполнения в вечернее или ночное время под окном возлюбленной; певец обычно сам аккомпанировал себе на лютне, мандолине или гитаре. Со временем подобного рода вок. С. вошла в оперу (серенада Дон Жуана из одноим. оперы Моцарта, серенада графа из оперы "Севильский цирюльник" Россини и др.), вместе со своей разновидностью - песней в честь возлюбленной, прославляющей её достоинства,- стала жанром камерной вок. музыки. Широко известны шубертовские "Вечерняя серенада" ("Stдndchen") на текст Л. Рельштаба (его "Утренняя серенада" во многом представляет тип "утренней песни" - см. Альборада), С. на текст Ф. Грильпарцера (для соло контральто, жен. хора и фп.); серенады имеются и среди песен Ф. Шуберта, не носящих этого названия (напр., песня "К Сильвии" - "An Sylvia"). В последующее время С. для голоса и фп. создавали Р. Шуман, И. Брамс, Э. Григ, М. И. Глинка ("Я здесь, Инезилья", "Ночной Зефир", "О дева чудная моя"), А. С. Даргомыжский ("Ночной зефир"), П. И. Чайковский ("Серенада Дон Жуана") и др. композиторы.

Дата добавления: 2015-08-03