Характеристика жанров 2 страница

Новые мотивы в тематику гимнов вносит Возрождение — гимн св. Франциска Ассизского к «брату Солнцу». Городская буржуазия, выступающая в реформационных движениях, использует форму религиозного гимна на народном языке как форму агитационной литературы, переделывая старые католические гимны для выражения протестантской идеологии.

Гимн Лютера «Ein feste Burg» становится боевой песнью немецких протестантов; с пением гимнов шли сражаться и войска Кромвеля. Экономическая депрессия Германии после 30-летней войны и вызванный ею расцвет религиозных и мистических настроений порождают последнюю сильную волну гимнической поэзии (Ангелус Силезиус, Пауль Герхардт, Пауль Флеминг и др.). (См. также антем.) Изживание литературной формы сказывается (как и в позднейшем творчестве пиетизма и теизма XVIII в.) в обращении частью к формам народной песни (имевшем и воспитательную цель — борьбу с любовной песней), частью же к формам светской эротической поэзии (пастораль). В лит-ре XIX в. форма религиозного гимна является уже мертвой формой — достоянием немногочисленных эпигонов (Герок).

Литературный гимн.

В начале XIX в. романтики пытаются воскресить форму гимна как эмоционально насыщенной (патетической) и метрически свободной лирической формы — «Гимны к ночи» (нем. Hymnen an die Nacht) Новалиса; подражание этой форме Гейне — нем. «Ich bin das Schwert, ich bin die Flamme» — представляет уже подлинное «стихотворение в прозе». В Англии гимны Новалиса переводил Джордж Макдональд.

Национальный гимн.

Песня, являющаяся одним из видов национальных символов, наряду с флагом и гербом.

Использование религиозного гимна как боевой песни порождает явление так называемого «национального гимна» — торжественной песни нерелигиозного содержания, исполняемой при всех официальных случаях. Некоторые из произведений этого рода являются отражением националистических («Die Wacht am Rhein», «Deutschland, Deutschland uber alles», «Rule Britannia») и революционных («Марсельеза») настроений, тогда как другие — образцы продукции так называемой «придворной» поэзии («God save the King»).

Первым широко известным в Европе национальным гимном является британский «God save our Lord the King» («Боже, храни короля»). До сих пор он не является официальным государственным гимном (то есть его никогда не утверждал законом король или парламент). Затем в подражание ему появились гимны других европейских государств. Первоначально большинство из них пелись на музыку британского гимна (например, российский «Боже, Царя храни!», американский «My Country, 'Tis of Thee», гимн Германской империи «Heil dir im Siegerkranz», швейцарский «Rufst du mein Vaterland» и другие — всего около 20 гимнов). После того, как гимны стали утверждаться монархами либо парламентами, почти каждый гимн получил собственную мелодию. Но гимн Лихтенштейна — песня «Oben am jungen Rhein» — до сих пор поётся на музыку английского гимна.

7 октября 2006 года в центре Грозного более 60 тысяч человек, взявшись за руки, одновременно спели Гимн России. Акция была посвящена дню рождения Президента России Владимира Путина. Участниками акции был побит мировой рекорд по количеству людей, одновременно исполнивших государственный гимн какой-либо страны.

Корпоративный гимн.

Корпоративный гимн — песенное произведение, используемое компанией и являющееся составляющей корпоративной культуры. Использование гимна позволяет внести в корпоративные события эмоциональный и идеологический заряд, влияющий на формирование мыслей и настроений коллектива.

ГОПАК

Гопак (от укр. гоп — восклицание, произносимое во время танца; отсюда же глаголы гопати — топать, гопкати — прыгать) — национальный украинский танец.

Танцуют гопак в украинских национальных костюмах. Танец пляшется энергично, основными движениями танца являются пляска вприсядку, пробежки, широкие, высокие прыжки со взмахами ногами. Иногда в танце используются боевые сабли украинских казаков.

История

Гопак впервые появился в казачьем поселении Запорожская Сечь и представлял собой комплекс воинских упражнений. Он объединял в себе все необходимые элементы рукопашной схватки.

Гопак на сцене

в операх

* «Майская ночь» Римского-Корсакова

* «Сорочинская ярмарка» Мусоргского

* «Мазепа» Чайковского

* «Запорожец за Дунаем (опера)» Гулак-Артёмовского

* «Энеида» Лысенко

в балетах

* «Конёк-Горбунок» Пуни

* «Тарас Бульба» Соловьёва-Седого

* «Гаянэ» Хачатуряна

* «Маруся Богуславка» Свечникова

ГРИГОРИАНСКИЙ ХОРАЛ

Григорианский хорал – общее наименование одноголосных богослужебных песнопений католической церкви. Название связанно с именем Григория I призванного Великим. Источником текстов Григорианского хорала служила библия. В соотвецтвии с предписанием о недопущении женщин к участию в богослужебном пении песнопения исполняли только мужчины.

ДЖИГА

Джига, или жига (англ. jig, итал. giga, фр. gigue) — старинный танец британского, точнее ирландского (по другой версии итальянского) происхождения, получивший позже распространение во Франции. Наиболее популярен данный танец в Ирландии и Шотландии.

Музыкальный размер 6/8, 9/8 или 12/8; темп от медленного до очень быстрого (в зависимости от разновидности), состоит как правило из 2х равных частей, но нередки исключения.

У Баха и Генделя этот танец получил полифоническую художественную обработку, писался в форме фуги и составлял часть сюиты. В XII веке жигой называлась маленькая скрипка, на которой играли танцы; один из которых и получил своё название от этого инструмента.

Слип (The Slip Jig) или хоп (The Hop Jig) джига в настоящее время исполняется исключительно женщинами, однако приблизительно до 1950 года по данному танцу проводились соревнования и среди мужчин, и парные. Слип джига, танцуемая на 9/8, является наиболее изящным и грациозным танцем, исполняемым в мягкой обуви и выдвинутым на первый план в шоу 'Riverdance'.

Сингл-джига (The Single Jig) в настоящее время исполняется как light dance (без ударов или звука) на 6/8 и в редких случаях на 12/8.

Дабл-джига (The Double Jig) может исполняться как light dance (в мягкой обуви), так и в жесткой обуви с отбиванием ритма. Если она исполняется в жесткой обуви, то иногда она относится к The Treble Jig, или The Heavy Jig, или The Double Jig, которые исполняются на 6/8.

The Heavy Jig - единственная из них, которая исполняется исключительно в жесткой обуви, так что танцор может особенно оттенить танец звуком и ритмом.

ДУХОВНЫЙ КОНЦЕРТ

Духовный стих – жанр русского народного песенного творчества. Сюжеты восходят к образно – поэтическим представлениям христианства. Духовный стих передавался главным образом устно, носителями его были по преимуществу полупрофессиональные сказители – калики перехожие. В письменной фиксации получил некоторое распространение у старообрядцев. Подобно другим песенно повествовательным жанрам (баллада, былина, исторические песни). Выделяют три основные группы напевов. Напевы записаны в районах устойчивой эпической традиции, практически не отличаются от былинных. Напевы стихов, распевавшихся нищими, основываются на малозначительных и почти не развивающихся попевках. Наибольший интерес представляют напевы лирических стихов, распространенный прием у старообрядцев. Излюбленные их сюжеты – “Плач Иосифа”,”Хождение Богородицы”.

КАНТ

КАНТ (от лат. cantus — пение, песня) — вид старинной хоровой или ансамблевой песни a cap. Возник в XVI в. в Польше, позднее — на Украине и в Белоруссии, со 2-й полов. XVII в. — в России, получив распространение как ранний вид городской песни; к началу XVIII в. — излюбленный жанр домашней, бытовой музыки. Сначала Кант — песня-гимн религиозного содержания (см. Псальма), позднее проникается светской тематикой: появляются Канты лирические, пасторальные, застольные, шуточные, походные и др. В петровскую эпоху были популярны панегирические Канты, так наз. виваты; исполнялись хорами певчих во время празднеств и триумфальных шествий, в сопровождении пушечной пальбы, фанфар и колокольного звона. Стилевые признаки Канта: куплетная форма, подчиненность музыкального ритма стихотворному, ритмическая четкость и плавность мелодии; преимущ. 3-гол. склад с параллельным движением 2-х верхних голосов; бас нередко мелодически развит; встречается имитация. В Канте присутствует естественность соотношения мелодии и гармонии, уравновешенность гармонических функций — субдоминанты, доминанты, тоники.

КАПРИЧЧИО

Каприччио (итал. Capriccio, также каприс, фр. caprice) — произведение академической музыки, написанное в свободной форме.

Несмотря на то, что это жанровое обозначение в ходу по меньшей мере с XVI века, твёрдого его определения не существует. Антуан Фюретьер в своём «Всеобщем словаре…» (опубл. 1690) определял каприс (в любом виде искусства) как «произведение, в котором сила воображения имеет больший вес, чем следование правилам искусства». Применительно к музыке подразумевалась при этом возможность нарушения строгих правил контрапункта — на это указывают, в частности, замечания Джироламо Фрескобальди в предуведомлении к cборнику своих каприччос (1624). В эпоху классицизма жанр каприччио принадлежал обыкновенно к инструментальной музыке, хотя к середине XVIII века название стало использоваться и для каденций, особенно сочиняемых самими композиторами, — в этом отношении важными прецедентом стали каденции-каприччио Пьетро Локателли к его 12 скрипичным концертам (1732). Поскольку такие каденции носили виртуозный характер, на некоторое время акцент в жанровом обозначении «каприччио» сместился в сторону технической трудности сочинения, — в этом смысле наиболее показательным образцом являются знаменитые 24 каприса для скрипки соло Николо Паганини.

К XIX веку в использовании термина исчезли всякие остатки обязательности, и произведения с жанровым обозначением «каприччио» могут носить любой характер в отношении объёма и инструментального состава: в частности, появились Блестящее каприччио для фортепиано с оркестром Феликса Мендельсона (1832), Блестящее каприччио на тему арагонской хоты (позднее просто «Арагонская хота») Глинки (1845), Итальянское каприччио Чайковского (1880), Испанское каприччио Римского-Корсакова (1887), Каприччио для фортепиано с оркестром (1929, собственно полноценный трёхчастный концерт) Стравинского и т. д.

КОЛЫБЕЛЬНАЯ

Колыбельная песня. От франц. berceuse, нем. Wiegenlied, Schlummerlied, англ. lullaby - песня, служащая для убаюкивания ребёнка, распространённый жанр народной песенности многих народов. Для К. п. характерны спокойное, замедленное движение, повторы попевок и ритмич. фигур. С кон. 18 в. вошла в проф. вок. лирику (один из первых образцов принадлежит И. Ф. Рейхардту, 1798), при этом для передачи убаюкивания, укачивания стали широко использоваться возможности фп. аккомпанемента (остинатные фигуры и др.). Большой популярностью пользуется К. п., приписывавшаяся В. А. Моцарту, в действительности же написанная в кон. 18 в. комп. Б. Флисом (р. в 1770). В числе авторов К. п. для голоса с сопр. фп. - Ф. Шуберт, И. Брамс, X. Вольф, А. А. Алябьев, М. И. Глинка, М. П. Мусоргский, П. И. Чайковский и др. К. п. нашла применение и в опере ("Псковитянка", "Сказка о царе Салтане", "Садко", "Кащей Бессмертный", "Золотой петушок" Римского-Корсакова, "Мазепа" Чайковского, "Тарас Бульба" Лысенко, "Мадам Баттерфляй" Пуччини и др.). В 19 в. появляется и инстр. К. п., прежде всего для фп., как правило, в размере 6/8. Она приобретает разл. формы - от простой и непритязательной лирич. пьесы до свободной фантазии, дающей опоэтизированное претворение образов К. п. и использующей всё богатство средств фп. Одним из наиболее выдающихся образцов такой трактовки жанра является К. п. (Berceuse, op. 57) Шопена, в к-рой мелодия, звучащая на повторах остинатной гармонико-ритмич. формулы в левой руке, богато расцвечивается орнаментальными узорами. К. п. для фп. в 2 и 4 руки создали также И. Брамс, Э. Григ, Ф. Лист, К. Сен-Санс, М. Регер, К. Дебюсси, М. А. Балакирев, А. Г. Рубинштейн, П. И. Чайковский, А. С. Аренский и др.; К. п. для скрипки и фп. написал М. Равель. К. п. для симф. оркестра имеются у Ф. Бузони, А. К. Лядова ("Восемь русских народных песен" для орк.), И. Ф. Стравинского (балет "Жар-птица").

КОНЦЕРТ

Концерт (итал. concerto от лат. concertus) — музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам выказать виртуозность исполнения. Концерт, написанный для 2-х инструментов, называется двойным, для 3-х — тройным. В таких Концертах оркестр имеет второстепенное значение и только в отыгрываниях (tutti) получает самостоятельное значение. Концерт, в котором оркестр имеет большое симфоническое значение, называется симфоническим.

Концерт состоит обычно из 3-х частей (крайние части — в быстром движении). В XVIII веке симфония, в которой многие инструменты местами исполняли соло, называлась concerto grosso. Позднее симфония, в которой один инструмент получал более самостоятельное значение в сравнении с другими, стала называться symphonique concertante, concertirende Sinfonie.

Слово Концерт, как название музыкального сочинения, появилось в Италии в конце XVI ст. Концерт в трёх частях явился в конце XVII ст. Итальянец Арканджело Корелли считается основателем этой формы Концерта, из которой развились в XVIII и XIX ст. К. для разных инструментов. Наибольшей популярностью пользуются Концерты скрипичные, виолончельные и фортепианные. Позднее Концерты писали Бах, Моцарт, Бетховен, Шуман, Мендельсон, Чайковский, Давыдов, Рубинштейн, Виотти, Паганини, Вьетан, Брух, Венявский, Эрнст, Сервэ, Литольф и другие.

Небольших размеров концерт, в котором части слиты, называется концертино.

Классическим концертом называется также публичное собрание в залах со специальной звуковой акустикой, в котором исполняется ряд произведений вокальных или инструментальных. Смотря по программе, Концерт получает название: симфонического (в котором исполняются преимущественно оркестровые произведения), духовного, исторического (составленного из произведений разных эпох). Концерт называется также академией, когда исполнителями, как соло, так и в оркестре, являются перворазрядные артисты.

в Концерте есть 2 «соревнующиеся» партии между солистом и оркестром, это можно назвать соревнованием.

КОНТРДАНС

Контрданс (франц. contredanse, от англ. countrydance, буквально — деревенский танец), народный английский танец. Возник в 17—18 вв. Позднее как бальный танец получил распространение в др. европейских странах, в 19 в. слился с кадрилью. Вначале состоял из одной фигуры, затем из 5—6. Характерные музыкальные размеры 2/4, 6/8. Первые музыкальные обработки К. сделал Дж. Плейфорд в танцевальном сборнике "Английский танцевальный учитель" (1651). Как музыкальная форма К. представлен в творчестве В. А. Моцарта, Л. Бетховена, П. И. Чайковского и др.

КРАКОВЯК

Краковяк (польск. krakowiak) — двухдольный польский нар. танец. Возник в Краковском воеводстве, но быстро распространился по всей Польше, первонач. в шляхетской среде, затем и в крест. быту. Хотя истоки К. восходят к 14 в., наиб. значение он имел в нач. 19 в. в период утвержд. самобытности польской нац. культуры. На раннем этапе носил характер торжеств. воинского шествия, впосл. приобрел подвижность и острую синкопированность ритмики. Классик польской музыки Юзеф Эльснер (1769—1854) неоднокр. использ. жанр К. в операх, в 1803 создал Рондо a la Krakowiak для фп. Такое же назв. дал своему Большому конц. рондо для фп. с орк. (op. 14) Ф. Шопен (1828; в это время Шопен учился в Варшаве у Эльснера). Многочисл. образцы К. имеются в творчестве польских композиторов К. Курпиньского, С. Монюшко, З. Носковского и др. Великолепный К. создан М. И. Глинкой в "польском акте" оперы "Жизнь за царя".Краковяк (польск. Krakowiak) — быстрый танец польского происхождения в 2/4; форма двухколенная, мелодия оживлённого характера, часто имеет акцент на второй восьмой в такте, которая синкопируется с третьей. Ритм острый, с частыми синкопами. Исполняется весело, темпераментно, с горделивой осанкой.

Возник среди жителей Краковского воеводства (краковяков). В XIV веке получил распространение в шляхетской среде. В старину краковяк танцевали только мужчины, позднее — мужчина в паре с женщиной. В XIX веке был популярным бальным танцем.

Краковяк, получив художественную обработку, применяется в балетной музыке и оперной музыке, например в опере «Жизнь за царя» М. И. Глинки, «Бахчисарайский фонтан» Б. В. Асафьева и других произведениях. Музыкальная форма использована Ф. Шопеном в «Рондо а ля краковяк» для фортепиано с оркестром.

КУРАНТА

Куранта (франц. courante) - французский придворный танец. Распространился в Европе. Вначале музыкальный размер 2/4, затем - трехдольный.

(франц. courante, буквально — бегущая), 1) в конце XVI — начале XVII вв. придворный танец итальянского происхождения (2-дольный); позднее итальянский и французский 3-дольный танец. 2) 2-я часть инструментальной сюиты (в 3-дольном размере).

КУРАНТА — танец, распространенный в XVII—XVIII вв.; исполнялся в оживленном темпе, со сложными фигурами, что отражалось в затейливо-узорной музыке этого танца (французское courante — бегущая, текущая); размер 3/4 или 3/2. В сюитах XVIII в. (И. С. Бах, Г. Ф. Гендель) куранта составляла обычно II часть.

ЛАМЕНТО

Ламенто - (итал. lamento, буквально - жалоба, плач);в 17-18 веках: ария скорбного, жалобного характера. Применялась в опере, особенно в Италии. Обычно располагалась непосредственно перед переломом в драматическом действии. Типичными для ламенто, были нисходящее движение мелодии, использование диссонансов, определённые ритмические формулы. В 18-19 веках ламенто писались в виде инструментальных прелюдий и интерлюдий.

ЛЕЗГИНКА

Лезгинка - народный танец горских народов Кавказа. Имеет много разновидностей. Музыкальный размер преимущественно 6/8.Лезгинка – красивый, старинный кавказский танец. Столь грациозный, и в тоже время, с четкими и резкими движениями и выпадами танец, не похожий ни на один другой, демонстрирующий дух и мужество исполнителя. Лезгинка - это самый известный и популярный среди всех танцев народов Кавказа.

Лезгинка завораживает и вместе с тем заводит своим ритмом и разгорающейся атмосферой всех танцующих и наблюдающих. Сколько лет этому танцу точно не знает никто, но определенно можно сказать точно, что лезгинка представляет собой прообраз древних ритуальных танцев на Кавказе. Несомненно, этот танец по атмосфере можно сравнить с боевым настроем воинов перед сражением, настолько в нем сильная энергетика. Совокупность мягкого и грациозного девичьего танца, при перемещениях на медленных темпах и скоростных и заряжающих ритмов мужского не могут оставить равнодушным никого.

Лезгинка это, преимущественно, мужской танец. Сложно представить себе, чтобы где-то на мероприятии или свадьбе лезгинку танцевали одни девушки, а в свою очередь, танец без участия представительниц прекрасного пола, где танцуют только мужчины – это обычное дело.

Стоит отметить, что женская лезгинка достаточно ограничена по количеству движений и перемещений сравнительно с мужской, если рассматривать общепринятый свадебный вариант танца.

Бытует мнение, что лезгинка, изначально была танцем воинов, которые таким образом настраивались и заряжались перед сражением. Но, как бы там ни было, на сегодняшний день, лезгинка – это целый культ, который «исповедуют» тысячи и сотни тысяч человек во всем мире.

Лезгинку танцуют все народы Кавказа, часть тюркских народов в регионах центральной и восточной части России, в Израиле…

Родиной лезгинки по праву считается республика Дагестан, где впервые и появилось данное название этого удивительного и столь почитаемого на Кавказе танца, а дагестанская лезгинка, в свою очередь, самая зрелищная и интересная для зрителя любого возраста и пола.

Интересно то, что лезгинку танцуют везде, и даже, совершенно без повода. Для этого танца, достаточно минимального количества инструментов для аккомпанемента, а порой, обходятся элементарным барабаном или даже простыми хлопками рук(!), которыми отбивают ритм.

Определенно можно сказать одно: лезгинка это в первую очередь танец, который показывает силу, ловкость и умения танцующих, и только потом – это танец для души и удовольствия. Демонстрация мужественности танцующих мужчин, а также красоты и грации девушек – вот основная особенность лезгинки, делающая ее настолько уникальным и удивительным танцем.

ЛЕНДЛЕР

Лендлер (нем. Landler) — народный австрийско-немецкий танец (парный круговой). Музыкальный размер 3/4 или 3/8. По некоторым данным, название идет от местечка в Верхней Австрии – Ландль. Слово «лендлер» так же переводят как «деревенский танец» (от нем. Land - сельская местность, деревня).

Мелодии лендлеров существовали уже в 17 в. Лендлер можно считать предшественником дойча («немецкого танца») и вальса, но лендлер исполнялся медленнее вальса и имел несколько иное построение. Для него типично чередование восьмитактовых и шеститактовых фраз.

Большую популярность танец приобрёл во 2-й половине 18 в. Темы, напоминающие «лендлер» встречаются у многих австрийских и немецких композиторов, включая Моцарта, Брукнера, Малера и др.

Нар. парный круговой танец. Размер 3/4 или 3/8, темп умеренный, движения с прыжками. Распространён в Австрии (особенно в Штирии) и Юж. Германии (Баварии). Слово «Л.» часто переводят как «деревенский танец» (от нем. Land - сельская местность, деревня), что вполне соответствует его происхождению и бытованию, однако, вероятно, оно связано с назв. местности в Австрии - Ландль (Landl).

Под назв. «Л.» к нач. 19 в. объединялись мн. разновидности нар. австр. и нем. танцев, известных по хореографич. описаниям с 16 в. Варианты Л., отличающиеся друг от друга танц. рисунком и инстр. сопровождением (две скрипки, две скрипки и бас, духовой ансамбль), встречаются в разных областях Австрии, Юж. Германии, Швейцарии и соответственно имеют разл. названия. Одна из разновидностей Л. (Oberlandler) характеризуется переменным размером (2/4-3/4). В проф. музыке первые образцы Л. известны с 17 в. Большую популярность танец приобрёл во 2-й пол. 18 в., использовался венскими композиторами (В. А. Моцарт - 6 Landlerische fur 2 Violinen und BaЯ К. 606); часто фигурирует в их произв. под назв. «немецкий танец». Закрепилась характерная форма - два 8-тактных периода с повторением каждого. В таком же виде и под тем же назв. Л. встречается и у Ф. Шуберта; для его Л. характерны распевы по звукам аккордов осн. гармонич. функций, напоминающие тирольские jodeln, что связано, очевидно, с практикой пения при исполнении некоторых разновидностей Л. В сериях шубертовских танцев наметился переход от энергич., бодрого Л. с акцентами и замедлениями (чаще всего на 3-й доле такта) к более лиричному, плавному и гибкому по мелодич. рисунку вальсу 19 в.

В музыке 19-20 вв. темы в характере Л. встречаются у мн. австр. и немецкий композиторов. Нек-рые миниатюры из «Бабочек» Шумана, вальсов ор. 39 Брамса напоминают Л. Претворение Л. характерно для мн. симфоний А. Брукнера и Г. Малера (напр., 2-я часть 1-й симфонии Малера «Im Landlertempo»). В произв. Малера с помощью Л. изображается патриархальный образ жизни народа (нередко с иронич. окраской).

ЛИТУРГИЯ

Литургия (греч. «служение», «общее дело») — главнейшее христианское богослужение у православных, католиков и в некоторых других церквах, в котором совершается таинство Евхаристии.

Основные песнопения его ведут историю с глубокой древности. Как повествуют некоторые дошедшие до наших дней церковные предания и документы, уже в I веке существовало антифональное пение, евхаристическая молитва; чуть позже были введены другие духовные песни и молитвы: «Святый Боже…» — с 438, Символ веры — в 510, «Единородный Сыне…» — с 536, «Да исполнятся…» — с 620, «Достойно есть…» — с 980 и т. д.

Литургическая символика.

Проблема восприятия литургического действа по своей сложности и необъятности является предметом отдельной богословской дисциплины — т. н. литургического богословия. Семантически наиболее сложна Евхаристия, но и вся структура организации богослужения многопланова. В вечно длящемся евхаристическом действии Сам Христос является одновременно и Божеством, которому возносится Жертва, и самой Жертвой, приносимой за грехи мира и Архиереем (жрецом) приносящим Жертву[2]. Вся же Евхаристия выражает земную жизнь Христа. Так, первая часть Литургии — Проскомидия — это рождение Христа в Вифлееме, воплощение Слова (Логоса); Малый Вход — выход Его на проповедь; Великий Вход — страсти и крестная смерть; поставление Даров на престоле — положение Иисуса во гроб и т. д.

Топографический символизм.

Сам храм, где происходит богослужение, его архитектура и убранство являются образом трансцендентного и имманентного мира. По учению Иоанна Геометра (X век), храм есть «подражание вселенной», то есть он является литургическим образом мира, близким к мимитическому подобию. В храме сконцентрированы «все красоты вселенной». Земля, море, воздух, планеты и звезды явлены в пространстве храма, в его архитектуре, облицовке и росписях. Здесь потустороннее является в посюстороннем, трансцендентное становится имманентным, смысл сходит во всякий предмет, здесь снимается противоречие между духовным и материальным, небо спускается на землю, Бог становится человеком, воплощается в мире. «Если существует некоторое слияние противоположностей всего мира, дольнего и горнего — оно здесь». По учению патриарха Германа, церковь является земным небом, вообще все внутреннее пространство храма — увеличение степени значимости с запада на восток и снизу вверх,— весь внутренний его интерьер мистически являет, в структуре т. н. «топографического символизма», реальности высшего духовного порядка. Так, по учению отцов Церкви, конха является Вифлеемской пещерой и, одновременно, по Герману, местом погребения Христа (по Софронию Иерусалимскому — гробом Господним); жертвенник является яслями Христа, Его гробом и, одновременно, небесным жертвенником. Своды алтаря и потолок храма — образы двух уровней неба; лампады и свечи — образы вечного Света; стихарь — образ плоти Христовой; архиерей — образ Господа, иереи — духовные чины, диаконы — ангелы, и т. д.

Церковь земная и небесная.

Изображения храма также включаются в литургическое действо, мистически являя единение неба и земли. Так, по Симеону Солунскому, «священные изображения» Спасителя, Богоматери, святых и апостолов на алтарной преграде (иконостасе) означают «и пребывание Христа на небе со своими святыми, и присутствие его здесь, среди нас». Таким образом, по учению св.отцов, вся Церковь, земная и небесная, участвует в Литургии. При этом и сами участники Литургии изображают небесные силы в их «великом и страшном» служении, о чём поется в Херувимской песне: «Мы, херувимов тайно изображающие…».

Все эти «изображения», литургические образы, не являясь по сущности архетипом, по своей антиномической природе обладают его силой. Литургическим образом является и сама словесная часть Литургии, которая не случайно облечена в напевно-мелодическую форму. «Мне кажется,— писал св. Григорий Нисский,— что философия, проявляющая себя в мелодии, есть более глубокая тайна, чем об этом думает толпа». Ту же мысль высказывает и св. Иоанн Златоуст: «Ничто так не возвышает душу, ничто так не окрыляет ее, не удаляет от земли, не освобождает от телесных уз, не наставляет в философии и не помогает достигать полного презрния к житейским предметам, как согласная мелодия и управляемое ритмом божественное песнопение».

Литургия как воспоминание.

Литургическая символика тесно связана с пониманием богослужения как «воспоминания»

(анамнезиса). Св. Дионисий Ареопагит, поясняя литургическое священнодействие, говорит, что оно совершается «в Его воспоминание». Но это особое, вневременное воспоминание, не подчиняющееся логике бытия. В нём вспоминают и прошлое, и настоящее, и будущее, как уже бывшее и вечно длящееся, то есть это воспоминание, выходящее за пределы антиномии «литургического времени», преодолевающее и этим снимающее её. Так в «анамнезисе» (часть центральной евхаристической молитвы) литургии, приписываемой св. апостолу Иакову, брату Господню, «вспоминают» «второе и славное и страшное Его пришествие, когда Он придет со славою судить живых и мертвых и воздать каждому по делам его». Так же и в Литургии св. Иоанна Златоуста, в евхаристической молитве, «вспоминают» «вся еже о нас бывшая: крест, гроб, тридневное воскресение, на небеса восхождение, одесную седение, второе и славное паки пришествие.». Не только отдельные молитвы и части Литургии, но и внутреннее устройство храма имеет «напоминательное» значение. Так, по патриарху Герману, «алтарь указывает на второе пришествие Его, когда Он придет со славою судить живых и мертвых».

Литургическая символика не только многопланова, но и динамична, она меняется в процессе богослужения: антиномичность литургических образов простирается не только на онтологическую сферу, но и на временную. Так, дискос с положенными на нём частицами просфоры в Проскомидии выступает как образ Церкви небесной и земной и, одновременно, изображает Вифлеемский вертеп. Стоящий на голове диакона при Великом Входе, он означает распятого Христа, а снятие тела Иисуса с креста изображается снятием дискоса с головы диакона.

Дата добавления: 2015-08-03