Художественное проектирование

В художественном проектировании принципиален уход от канонического образца. Изделия мастеров внутри традиции – это отражение опыта эпохи. При создании авторского полотна важен индивидуальный подход, личностное осмысление; графический образ создается на основе собственных представлений сочинителя. В процессе проектирования благодаря наброскам формируется будущий проект изделия.

Если говорить о развитии и движении художественного замысла в проектной графике, то выделяют следующие основные стадии: подготовительная, эскизная, завершающая. К каждому из этих этапов предъявляют свои требования.

В подготовительный временной период происходит сбор материала, необходимого для претворения идеи в полноценный проект. Первое и самое важное для мастера: окончательный выбор темы, постановка проблемы, задач. Затем начинается анализ предстоящей работы, сбор изобразительных аналогов, освоение материалов как традиционных, так и современных. Стилизуются орнаментальные мотивы или одиночные изображения-в зависимости от направления темы. Небольшого формата работы на данном этапе - эта незаконченные визуализированные мысли. Прорабатывать зарисовки на этой стадии совсем не обязательно, так как нужно выбрать наиболее удачные рисовальные находки-и вот тогда-то уже начнется сложное кропотливое уточнение. Быстрота, бесстрашие, с которыми делаются «почеркушки» часто дают неожиданные графические эффекты, которые в последствие могут стать главными графическими лейб-мотивами. Ведется и аналитическая работа над силуэтом растений, их частей (листья, почки, плоды, соцветья), объектами, окружающими нас, абстрактными и геометрическими формами. Необходимо найти художественные привлекательные детали в фактуре, линиях, природных узорах. Изучение пластических и ракурсных возможностей тоже может помочь достичь особой выразительности в композиции.

Работая над образностью, линейной пластикой, лучше начинать с силуэтных ахроматических мотивов. Строгость цвета, тоновая плотность необходимы при составлении абриса формы, т.к. яркие подобранные цвета отвлекают внимание от возможных ошибок. Из материала предпочтительней использовать мягкие сорта угольных карандашей, сепии. Полутона могут создаваться полупрозрачной заливкой, техникой «сухая кисть» и «по-сырому».

В орнаментально-пластических решениях учитываются объекты с узорами, их соразмерность по отношению к друг другу, эффектное ритмическое чередование цветовых пятен и линейное соподчинение. Причудливые рисунки и цветовые гармоничные сочетания уже созданы природой, нужно их разглядеть, усилить собственным, например, орнаментальными находками.

Хорошие мастера сразу могут подобрать графический материал сообразно тому, какую фактуру они хотят обыграть: перовая линия чудесно и тонко передает мельчайшие детали и шероховатость коры, стройность волокон в листьях. Сочные мазки лучше подходят для передачи крупных пластических характеристик. Грамотная пятновая поддержка линии может настолько обогатить работу, расширить орнаментально-пластические качества, что плоскостной рисунок проявит совершенно иные, возможно, реалистичные свойства.

На эскизной стадии не стоит забывать и о типе композиционных схем, принятых в текстильной графике. Если изначально стояла задача организовать пространство внутри раппорта, то и изобразительная работа должна осуществляться в нанесенном условном элементе сетки. Поиски могут проводиться в реальном масштабе в том случае, когда узор при выходе будет небольшим. Квадрат, превышающий реальную величину в 40-50см, создается в уменьшенном масштабе.

Уменьшая рисунок, нужно учитывать, что перенесение элементов на большой формат должно быть строго пропорционально задуманной модели. Да и внутри небольшого мотива все детали должны логично связаться друг с другом. Закон триединства и соподчинения действует как на цвет, так и на толщину линий и площадь форм. Определение основного колорита, преобладающего в эскизе важно для целостного восприятия и определения эмоционального авторского посыла. Глухой серый тон приобретает иное звучание, если с ним рядом кладут светлый или яркий оттенок. На светлом листе предпочтительнее изображать темные силуэты, а на темном изысканно смотрятся светлые тонкие линии. Штрих как бы отвечает за промежуточный оттенок, грубо сравнивая с цветовой черно-белой палитрой, он воспринимается как серый.

Если картинка получилось чересчур цветной, возникает необходимость уравновесить, приглушить ее дробность и яркость. Всю поверхность листа окрашивают полупрозрачным единым объединяющим оттенком, чаще всего хроматическим, в технике «заливка». Этим же приемом пользуются, когда наносят подмалевок, тем самым создавая образную основу текстильного рисунка. Художественный текстиль XIX века известен своими красными ализариновыми ситцами и синей набойкой. Если же цветовое процентное соотношение примерно равное, то такую композицию невероятно сложно сгармонировать. В этом случае форма пятен сразу начинает обращать на себя внимание. Сочетая статичные и динамичные элементы в орнаментальном поле можно выстроить «композиционный конфликт». [21c.66] Использование взаимо-дополнительных оттенков, контрастного колорита усилит композиционную содержательность.

Необходимый основной проектный путь начинает просматриваться после создания целой эскизной серии в 20-30 листов. Работа над зарисовками требует важных композиторских навыков: умение акцентировать удачные моменты, подчинить второстепенное главному. Хороший доработанный эскиз-это уменьшенная копия основной работы. На большом формате очень трудно исправлять ошибки, а при автоматизированной печати и вовсе невозможно. Вот как раз на этом небольшом плане нужно изначально все продумать. «Завершающая стадия художественного проектирования текстильного рисунка предусматривает окончательную - «чистую» доработку задуманного в эскизе. Орнаментальная композиция должна быть выполнена на листе бумаги без помарок и исправлений и отражать замысел автора во всей своей полноте и детальной разработке. Количество цветов и размер раппорта должны точно отвечать технологическим возможностям конкретного производства. В завершенном текстильном орнаменте показывается не менее 1.3-2 раппортных клеток по высоте и ширине раппорта и дается шкала цветов по количеству цветовых оттенков (проходов)» [21c.78].

Библиографический список:

1. Бенуа А. Мои воспоминания: в 3-х т. Л.: Искусство, 1980. Т.1: Мои воспоминания. 272 с.

2. Бесчастнов Н.П., Журавлева Т.А. Художественное проектирование текстильного печатного рисунка. М.: МГТУ им. А.Н. Косыгина, 2003, 294 с.: цв. ил.

3. 2.Глебушкин С.А. Традиционный костюм XIX -XX веков из коллекции Сергея Глебушкина. М.: Северный паломник, 736 с.: цв. ил.

4. Денисов Вл. Война и лубок. М.: Наш век, 1916, 51 с.: ил.

5. Дюршартр П.-Л. Русские народные картинки и гравированные книжицы. М.: Центрополиграф, 2006. 191с.: цв. ил.

6. Карнавалы. Праздники. /отв. ред. Т. Каширина. М.: Мир энциклопедий, 2005. 183 с.: ил.

7. Киселев А.М. Художественное оформление текстильных материалов способом печати. СПб.: СпбГТД, 2000. 80с.

8. Колорирование текстильных материалов / М.А. Куликов [и др.]. М.: МГТУ им. А.Н. Косыгина, 2000, 203 с.: ил.

9. Козлова Н. Б. Магия русского стиля. М.: Московские учебники, 2008. 503 с.: ил.

10. Лаврентьев Л. С., Смирнов Ю. И. Культура русского народа: обычаи, обряды, занятия, фольклор. СПб.: Паритет, 2004. 448 с.: ил.

11. Лихачев Д.С., Панченко А.М., Понырко Н.В. Смех в Древней Руси. Л.: Наука, 1984, 287 с.: ил.

12. Лотман Ю.М. Статьи по семиотике культуры и искусства. СПб.: Академический проект, 2002, 543 с.: ил.

13. Лубок. Народная картинка России и Германии XIX – начала XX века: каталог выставки / Данельчик — Брюггерман [и др.]. М.: Художник и книга, 2009. 39 с.:ил.

14. Некрылова А.Ф. Русские народные городские праздники, увеселения и зрелища: конец XVIII - начала XX века. СПб.: Азбука-классика, 2004. 255 с.: ил.

15. Некрылова А. Ф. Русский традиционный календарь: на каждый день и для каждого дома. СПб.: Азбука-классика, 2007. 767 с.: ил.

16. Некрылова А.Ф. Русская батальная картинка // Научный альманах. Сер. М, традиционная культура. 2001. № 2. С. 39-54

17. Некрылова А.Ф. Фигуранты уличной сцены // Петербургский театральный журнал. 2003. № 32. С. 23-26

18. Некрылова А.Ф. Христиан Леман (Из истории балаганов в Санкт-Петербурге) // История Петербурга. 2003. № 4 (14). С. 64-72

19. Некрылова А.Ф., Гусев В.Е. Русский народный кукольный театр. Л.: ЛГИТМИК, 1983, 287 с.: ил.

20. Мазаев А. И. Праздник как социально-художественное явление. М.: Наука, 1978, 392 с.

21. Малахова С.А. Специальная композиция печатного рисунка на текстильных материалах. М.: Легкая и пищевая промышленность, 1984, 208с.: ил.

22. Очерки по истории и технике гравюры/ Н. И. Александрова [и др.]. М.: Изобразительное исксство, 1987. 14 бр. в футл.

23. Пропп В.Я. Проблемы комизма и смеха: Ритуальный смех в фольклоре. М.: Лабиринт, 1999, 288 с.

24. Савушкина Н.И. Русский народный театр. М.: Наука, 1976, 136 с.: ил.

25. «Сказочная» книга в социокультурном пространстве России XVIII-XIX веков: движение во времени: монография/ О. И. Тиманова. СПб.: СПбГУТД, 2009. 340 с.: ил., табл.

26. Стасова В. Русский народный орнамент: шитье, ткани, кружева. М.: GOLDENBOOKS, 2008.114 с.: цв. ил.

27. Шангина И.И. Русские праздники: от святок до святок. СПб.: Азбука- классика, 2004. 271 с.: ил.

28. Юдин А.В. Русская народная духовная культура. М: Высшая школа, 1999. 331 с.: ил.

Дата добавления: 2015-08-10