Тема№2. Раннее Возрождение. Треченто в музыке. Искусство Ars nova.

Смены исторических эпох обычно бывают постепенными. Этот постепенный процесс можно наблюдать при переходе от средневековья к Возрождению. Европа постепенно меняла свой духовный облик, менялось общественное сознание, рождались новые идеи. В 1300г. появилось сочинение французского теоретика, композитора, философа, поэта Филиппа де Витри (1291–1361) «Ars nova», название которому суждено было обозначить целое направление раннего Ренессанса в области теории и практики музыкального искусства. Название Ars nova (новое искусство) выразило многие идеи музыкантов, которые услышали неизбежность изменения основополагающих норм церковной, средневековой музыки - «ars antiqva». Многие положения трактата Филиппа де Витри были совершенно новыми для своего времени и быстро получили распространение. Основные эстетические принципы были следующими: новое искусство обозначало новые средства выразительности, новые технические средства в передаче ритма, длительности, движения голосов. Рассматривалась проблема так называемой «ложной» или «фиктивной» музыки, образованной повышениями и понижениями, обозначенными диезами и бемолями. В соответствии со средневековой традицией эти хроматические обороты считались неблагозвучными и назывались «фальшивыми». Теоретики и практики Ars nova легализировали применение всей этой «фиктивной» музыки вводят в музыкальную практику новую манеру музыкального письма, состоящую из нот мелкой длительности и хроматизмов. Филипп де Витри ввёл новую классификацию интервалов (терции и сексты были определены им как консонансы; выступил в защиту хроматизма («musica falsa»), утверждал эстетическую ценность 2-х и 3-х дольных размеров. Если в период «ars antiqva» отдавалось предпочтение органуму с преобладанием параллельных движением голосов, то Филипп де Витри теоретически обосновал принцип противоположного движения голосов и требовал запрещения октавных и квартово - квинтовых параллелизмов. Филипп де Витри стал ключевой фигурой своего времени в области теории и музыкальной практики. Музыкальное искусство «Ars nova» создавалось известными музыкантами своего времени. Назовём некоторых из них. Известный итальянский теоретик музыки и композитор Маркетто Падуанский (первая половина Х1Vв.), соединивший в себе знания ars anticva и ars nova, в своих трудах дал новое развитие музыкально-теоретической мысли. Он автор трёх трактатов: «Луцидариум»(1317), «Помериум» или «Фруктовый сад»(1308), и «Brevis compilatio» (после 1319), краткое изложение мензуральной нотации. В этих трактатах последовательно развивались идеи искусства «ars nova». Учёный в своих трактатах широко допускает хроматику, мелкие длительности, свободное развитие голосов. Он один из первых музыкальных теоретиков на рубеже средневековья и Возрождения говорит о красоте музыки: «Среди искусств – музыка - наиболее прекрасное занятие». В этом положении теоретическая суть эстетики Ренессанса. Музыка сравнивается с цветущим деревом, в виде числовых соотношений, цветы в виде созвучий, плоды ее - приятные гармонии, доведенные до совершенства, с помощью самих гармоний. Маркетто Падуанский обосновал принцип свободы в развитии мелодии и движения голосов, отстаивал право чувства над догмами средневековых предписаний. В своих работах Маркетто Падуанский провозгласил принцип:«Ухо - лучший судья в музыке». Вошёл в историю музыки раннего Возрождения Николай Орезмский (ок.1320-1382) - выдающийся французский математик, астроном, философ. Родился в Орезме. Получил в юности превосходное образование, стал воспитателем французского короля Карла V; с 1377г. стал епископом в Лизье. Он заложил основы целого ряда наук: аналитической геометрии, политэкономии (трактат «О происхождении и сущности денег»). В основе музыкальной эстетики Н.Орезмского лежит учение о «конфигурации» качества: «мельчайшие звуки» способные варьироваться по высоте и силе, на основе этого различаются тембры звуков и явление резонанса. «Кантилены» (одноголосные мелодии) и «антифоны» (поочередное пение) в своей основе представляют последовательное сочетание звуков. Одновременное звучание звуков (гармоническое и негармоническое) определяется для него числовыми соответствиями - разными видами «униформности» и «дифформности» эстетики. В духе эстетики«Ars nova»Николай Орезмский требует от музыки не повторения одного и того же, а «бесконечных выриаций, поиска нового. «Какая кантилена нравится, повторяемая часто и многократно? Разве такое однообразие не будет рождать скуку? Конечно, новизна более радует, и если певец не сможет или не сумеет варьировать музыкальные напевы, способные варьироваться до бесконечности, его не сочтут наилучшим, а назовут кукушкой» (Шестаков, с 130). Вот краткие предпосылки теоретического осмысления музыкального искусства, которые отвечали веяниям своего времени. Теория и практика «Ars nova» подготовила возникновение новой системы понимания музыки, опирающейся на искусство и мировоззрение Возрождения. В этом её огромная заслуга.

Музыка «Ars nova» достаточно широко представлена светскими вокально- лирическими жанрами. К ним относят творчество трубадуров, труверов, миннезингеров, творчество которых зародилось в Европе ещё в эпоху средневековья. Народная музыка средневековья и Возрождения бытовала исключительно в песенно- текстовых формах. Это были явные представители светской народной музыки и родоначальники «карнавальной, смеховой культуры». Как отмечал М.М.Бахтин: «Целый необозримый мир смеховых форм и проявлений противостоял официальной серьёзной (по своему тону) культуре церковного и феодального средневековья)» (Бахтин, с3). Пение народных музыкантов, их танцы, акробатические трюки отличались свободой и вариативностью. Преобладали куплетные песенные формы с народной и рыцарской тематикой; куртуазность могла соседствовать с обращением к Богу:

«И стал он прыгать и летать Усердье бедного шута!»

Вперёд, назад себя метать; И снова начал ряд фигур,

Повернулся раз он пять. И головой он сделал тур,

И, преклоняясь, сказал опять Потом он сделал тур испанский,

«Прими, как дар, о мать Христа, Потом французский и шампанский»

( Р.И.Грубер,с.514)

Итальянское «Ars nova», в отличие от французского, называют так же как и в живописи, музыкой Треченто (т.е. XIVв.). Крупнейшие итальянские композиторы этого периода: Джованни из Флоренции, ФранческоЛандино, Герарделло,Якопо из Болоньи, Никколо из Перуджи. Музыка итальянского «Ars nova» связана с североитальянским фольклором, при этом отличалась большой утончённостью. Это главным образом произведения для 2-3-х голосов с инструментальным сопровождением на стихи Фр. Петрарки, Дж.Боккаччо, позже Микеланджело. Поэтические образы, ритм и метр стиха определяли интонационный склад вокальных партий, особенно верхних голосов, наиболее певучих и выразительных; нижнему голосу (тенору) поручался опорный бас. Стихосложением были обусловлены музыкально - синтаксические особенности произведений (протяжённость построений, цезуры, кадансы). В инструментальных партиях (лютни, виолы) применялась звукопись, фигуративная расцветка ткани. Существовали и чисто инструментальные варианты подобного рода. По типу мелодики и приёмам голосоведения «ars nova» сохраняло связь с «ars antiqva». Однако оно по- новому решало проблему взаимоотношения музыки и текста и явилось важным этапом развития музыкальной культуры европейского Ренессанса.

Богатое развитие «Ars nova» получило во Франции, где оно сформировалось на полвека раньше итальянского. Идеологом и теоретиком его был, как уже отмечалось, Филипп де Витри. Среди композиторов Франции «Ars nova» выделяется Гийом де Машо (ок. 1300-1377), - последний из труверов позднего средневековья, автор многочисленных одноголосных песен народного склада (lays),многочисленных баллад и рондо - жанров заимствованных отчасти из фольклора, отчасти из профессиональной поэзии того времени. Гийом де Машо - автор первой французской мессы с развитой цикличной структурой, полифоническим складом и интонационной связью всех частей. Жанр мессы воплотил религиозную философию своего времени, идею «соборности», новый уровень индивидуального композиторского мышления. Символический смысл мессы, пятичастного хорового произведения, был связан с обрядом «Превращение хлеба и вина в тело и кровь Иисуса». Канонизировались семантические функции основных пяти частей, опирающиеся на смысл сакрального текста:

1. Kyrie eleison (Господи, помилуй),

2. Gloria (Gloria in exelsis Deo – Слава в вышних Богу),

3. Credo (Credo n unum Deum – Верую во единого Бога),

4. Sanctus (Sanctus dominus Deus Sabaoth – Свят господь Бог Саваоф) и Benedictus (Benedictus qui venit in nomine Domini – Благословен грядущий во имя Бога)

5. Agnus Dei (Agnus Dei, qui tollis peccata mundi – агнец божий, взявший на себя грехи мира).

Первоначально мессы были одноголосными, общей музыкальной основой в них был григорианский хорал; в мессе участвовала вся паства. Затем эта форма начала усложняться с появлением многоголосия «строгого стиля». От монодии к полифонии так можно охарактеризовать этот поворот музыкального искусства. Глубочайший мир человеческих переживаний раскрывался в жанре мессы: скорбно-лирические, экспрессивно-драматические, ликующе-восторженные, возвышенно созерцательные музыкальные образы наполняют произведение Г. Дюфаи, И. Окегема, Ж. Дюпре, Орландо Лассо, Дж. Палестрины, Дж. Габриели и др. авторов, творчество которых связано с высоким Ренссансом XVв.. До возникновения оперы в 1600г., жанр мессы был ведущим в европейской музыке, выражая субъективно-личностные отношения человека к Богу и объективно-общественное сознание «соборности». Так музыка мессы по содержанию оказалась шире и глубже канонического литургического текста. В общении с Богом по средствам музыки мессы, в соотнесении себя с миром небесным, человек осознавал свое место в мире земном.

Тема 3. Музыкальная культура высокого Возрождения. Особенности музыкальной культуры Ренессанса. Полифония строго стиля и формы светской музыки – мадригал

Первая треть XVI в. Италии - период Высокого Ренессанса, время творческого подъема и небывалого совершенства, воплотившихся в великих произведениях Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело. Музыкально-теоретическое познание достигало своих высот в трудах Дж.Царлино (1517-1590), Фр.Салинаса (1513-1590), Глариана (1488-1563) В.Галелея (1533-1591). Рассуждения о достоинствах полифонии и монодии, установление мажоро-минорной системы, вопросы исполнительского искусства становились не только теоретическими, но решались на практике, в музыкальном творчестве различных композиторов. Изменялась музыкальная общественная жизнь. Складывалась определенная общественная прослойка, силами которой устраивались театральные спектакли, музыкальные праздники. Развивалась деятельность различных академий искусств. В эпоху Возрождения в общественную и частную жизнь широко проникает светская музыка. Даже для знатных представителей дворянства занятия музыкой не считаются зазорными, а напротив, признаются почётными и благородными. ««Лютня – благороднейший инструмент, свойственный дворянскому обществу»- было записано в привилегии венецианского правительства» (Шестаков, 133). Бальдассаре Кастильоне в своём знаменитом трактате «О придворном» вменяет в обязанности «совершенного придворного» владение каким-либо музыкальным инструментом, которое он считает так же необходимым, как знание поэзии или умение вести светскую беседу. Многочисленные документы эпохи свидетельствуют о том, что в придворных кругах Милана, Мантуи, Феррары процветала вокальная и инструментальная музыка. В музыкальной жизни деятельное участие принимали женщины, придворные дамы. Это совершенно новое явление для музыкальной культуры Европы. Винченцо Джустиниани в «Рассуждениях о музыке нашего времени» оставил яркое воспоминание о музыке в придворных кругах Италии. «…Проводились большие состязания между мантуанскими и феррарскими дамами, которые соревновались не только в постановке голосов, но и в украшении изящными пассажами…. они умели также хорошо отчеканивать слова таким образом, чтобы был слышен слог каждого слова, который не должен прерываться пассажами и другими украшениями, и пелись многие другие искусные вещи» (Шестаков, с.134-135). В XVв. происходят существенные изменения не только в общественной жизни, но и в самой музыке. Развитие светской музыки привело к возникновению новых музыкальных жанров: мадригала, баллад, мотетов.

Музыкальную культуру представляли несколько новых влиятельных творческих школ, так называемая «Полифония строго стиля» получает небывалое развитие, и становятся известными в Европе и связанные с этим напрвлением выдающиеся композиторы: Франческо Ландини (XIV в.), Гийом Дюфаи и Иоханнес Окегем (XV в.), Жоскен Депре (XVI в.), Палестрина, Орландо Лассо. Центром развития ренессансной музыки становится Италия. Она привлекает к себе композиторов и теоретиков со всех стран Европы: фламанский композитор Тинкторис приезжает в Италию и преподает в Болонье, испанец Рамис де Парейя читает лекции в Болонье. В это время открываются музыкальные факультеты в университетах Павии, Падуи, Болоньи. Чуть позже период высокого расцвета наступает в музыкальном искусстве не только Италии, но и Германии, Франции, других стран. Огромное значение для распространения музыкальных произведений имеет изобретение нотопечатания. Традиции полифонической школы остаются по-прежнему сильными (в частности, имеет прежнее значение опора на образец, принцип сочинения месс на cantus firmus), но отношение к выбору тем меняется, увеличивается эмоционально-образная насыщенность произведений, усиливается личностное, авторское начало.

В светском искусстве эпохи Возрождения особого развития получил жанр мадригала (от лат.mater-мать-песнь на родном языке). Мадригал оказался музыкальной формой, способной гибко передавать оттенки поэтического текста. Мадригал как особая музыкально-поэтическая форма давал необыкновенные возможности для проявления композиторской индивидуальности. Основным содержанием его была лирика, жанровые сцены, однако в творчестве Карла Джезуальдо де Венозы мадригальная образность получила трагическую, скорбную окраску. В венецианской школе расцветали жанры сценической музыки (попытка возрождения античной трагедии). Обретали самостоятельность инструментальные формы (пьесы для лютни, виуэлы, органа и других инструментов). Последние выдающиеся образцы жанра мадригала принадлежат Клаудио Монтеверди(1567-1630)

В Англии крупнейшими мадригалистами былиУ.Бёрд, Т.Морли, Т.Уилкс, Дж.Уилби; в Германии – Х.Л.Хаслер, Г.Шютц, И.Г.Шейн.

К XVIв. мадригал претерпел существенные изменения. Усложнились мелодические образы, заметно полифонизировалась ансамблевая ткань. Это были 4-х-5- голосные сочинения, преимущественно лирического характера. Текстами мадригалов XVIв. служили популярные лирические произведения Ф. Петрарки, Дж. Боккаччо, Б.Гварини, позже - Т.Тассо, Дж.Марино, Л.Ариосто.

Дата добавления: 2015-08-05