Искусство Ренессанса: поздний этап. Кризис гуманистических идеалов в искусстве.

Искусство Позднего Возрождения (по-итальянски Cinquiccento), т.е. в период с 30-х годов до конца XVI в., представляет собой весьма сложную картину борьбы различных течений. Восстанавливающая свои позиции католическая церковь понимала, какое большое значение имело искусство в глазах общества, и поэтому старалась использовать его в своих целях. Постановления Тридентского собора прямо указывали на стремление церкви присвоить себе контроль над художественными произведениями. Поэтому на виду оказались те художники, которые, как и во времена Проторенессанса, связали свое творчество с обслуживанием нужд церкви или же отражали в своем творчестве настроения подавленности и внутреннего надлома.

Многие художники того времени получили название “маньеристов“, потому что они только копировали “манеру“ великих мастеров, в первую очередь Микеланджело. При этом острые темы исчезли, мощь и богатство содержания улетучились. Все запутывалось, опустошалось и приукрашивалось.

Маньеристы (живописцы А. Бронзино, Д. Вазари, Ф. Пармиджанино, Я. Понтормо, скульпторы Джамболонья, Б. Челлини, и др.) представляли модное течение. Студии этих художников заменяли собой современные фотостудии, поскольку рисовали портреты заказчиков быстро и массово.

В погоне за оригинальностью маньеристы принялись искажать изображения, появились “Мадонна с длинной шеей“ (Пармеджанино), “Покойник в гробу“ (Я. Понтормо), “Аллегорические Апеннины“ (Джамболонья). Впрочем, такие новации прослеживаются уже в творчестве нидерландского живописца Хиеронимуса (Иеронима) Босха (1460-1516). Вряд ли только эти художники предполагали, каких причудливых формы примет изобретенное ими творчество в XX веке.

Но не все поддались новомодным веяниям, многие продолжали придерживаться реализма. Среди реалистов выделялись последователи Тициана - венецианские живописцы Веронезе, Тинторетто и другие.

Основы искусства XVII столетия были заложены в творческих поисках этих мастеров, благодаря которым были созданы новые выразительные средства. К данному течению относятся немногие художники, но зато именитые мастера старшего поколения, пойманные кризисом на кульминации их творчества, такие как Тициан и Микеланджело.

Тициа́н Вече́ллио (1476/1477 или 1480-е—1576) — итальянский живописец эпохи Возрождения.
Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

В 1516–1518 Тициан исполнил алтарный образ Вознесение Богоматери (Ассунта) для церкви Санта Мария деи Фрари. Богоматерь возносится в небо, окруженная ангельским хором; ее фигура акцентирована простым сопоставлением трех основных цветов.

Бурное движение характеризует три картины на мифологические темы, которые Тициан написал в 1518–1523 для герцога Альфонсо д'Эсте: Праздник Венеры, Вакханалия (обе в Прадо), Вакх и Ариадна.

С 1519 по 1526 Тициан работал над Алтарем семейства Пезаро для церкви Санта Мария деи Фрари. В этой композиции изображение Мадонны на троне смещено относительно центра так, что в картине возникает нарастающее диагональное движение слева направо.
Портреты Тициана, исполненные в течение 1520-х годов, выглядят более камерными. Обычно, как в Мужском портрете, в них акцентируются черты личности модели.

В 1530-е годы Тициан создает полотна, совершенные с точки зрения живописной техники. Картина Введение Марии во храм (1534–1538,) для Скуола делла Карита представляет собой яркий, праздничный образ, в котором архитектура как будто образует обрамление для многочисленных портретных изображений.

В 1540-е годы Тициана вновь охватил дух экспериментаторства, стремление расширить технические возможности живописи и достичь более глубокого психологического проникновения в образы своих героев.
В парижской версии картины Коронование терновым венцом он использует резкие диагональные построения и тесно сгруппированные фигуры, чтобы передать эмоциональное напряжение, а через него – силу физического страдания Христа.
На неоконченном Портрете папы Павла III с Алессандро и Оттавио Фарнезе (1546) представлен немощный, но хитрый старик, которого пытаются обмануть двуличные услужливые родственники.
Изучение памятников античного искусства в Риме в 1545–1546 дает о себе знать в картине Даная.
Конный портрет Карла V (Прадо) – парадное изображение императора в боевом облачении на фоне заходящего солнца.

Микеланджело да Караваджо (1573-1610) и его последователи обратились к изображению народного быта и природы. Именно они формировали реалистическое искусство XVII века и эпохи Просвещения. “Караваджисты“ передали будущим поколениям традиции, созданные эпохой Возрождения.

Реализм Караваджо – это нечто большее, чем просто подражание природе; в его живописи сочетаются глубокое понимание психологии человека и точная передача характера света и формы, что дает возможность преобразить реальность в драму, разыгрывающуюся на холсте. Эти черты лучше всего заметны в картинах на религиозные сюжеты, относящихся к римскому периоду его творчества: Обращение Савла (1601) для церкви Санта Мария дель Пополо и Успение Богоматери (1605–1606)
Контрреформации были установлены строгие каноны для религиозного искусства, которым должен был следовать каждый мастер. Караваджо обвиняли в том, что он профанирует память святых и священных событий, говоря о них обычным «человеческим» языком. Однако во многом его искусство можно рассматривать и как воплощение основных духовных ценностей Контрреформации, поскольку оно делало религиозные идеи более понятными и значимыми для верующего. Это он этих всех пьяных Вакхов рисовал.

Вершиной нидерландского Ренессанса было творчество Питера Брейгеля Старшего (1525-1569). В его творчестве пейзаж стал самостоятельным жанром.
Самые ранние произведения Брейгеля – пейзажные рисунки, в некоторых из которых зафиксированы тонкие наблюдения над природой, в других отрабатываются и изучаются приемы пейзажной живописи венецианцев и других северных мастеров более старшего поколения, таких, как Иоахим Патинир (ок. 1485–1524) и Херри Мет де Блес (ок. 1480–1550). Именно это сочетание прямого, непосредственного наблюдения с условными формулами и создает эффект неизъяснимой притягательности картин Брейгеля. Художник рассматривал пейзаж не просто как декорацию, но как арену, на которой разворачивается человеческая драма. Одно из самых ранних его полотен – Падение Икара.

Одной из главных тем в творчестве Брейгеля является изображение человеческой слабости и глупости – наследие позднесредневекового мышления. На его рисунке Большая рыба поедает малую (1556, Вена, Альбертина) изображена мелкая рыбешка, вылезающая из лежащей на берегу огромной рыбины. Вновь в качестве названия взята поговорка, явно намекающая на излишества и обжорство.

Хотя названия картин Брейгеля точны в своей описательности, каждая из них, по-видимому, является также ироническим комментарием к бесцельности человеческой деятельности.

Брейгель обогатил образы глупости, воскресив чудовищные и фантастические создания Иеронимуса Босха (ок. 1450–1516). Эти создания появляются в сериях гравюр Кока по рисункам Брейгеля Семь смертных грехов и Семь добродетелей (1558). Босховский дух вновь появляется в таких поздних картинах Брейгеля, как Падение ангелов (1562, Брюссель Королевский музей изящных искусств) и Безумная Грета (1562,).

Возможно, самые величественные картины Брейгеля – пять пейзажей, называемые Времена года, или Месяцы (1565), изображающие фламандскую сельскую природу в разное время года. Лишь немногие художники обладали умением столь чутко улавливать настроение того или иного времени года и выражать внутреннюю связь человека с ритмом природы. (это наверное не по теме, можете потом удалить)

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

Дата добавления: 2015-08-05