Что нового?

К началу 17 века музыкальное искусство обогатилось такими важнейшими достижениями, как опера и новые инструментальные жанры. Движение Ренессанса открыло новую дорогу для развития музыки, отвело ей новую общественную роль. Музыка как таковая, завоевала право на существование; она освободилась от полного подчинения немузыкальным факторам, от подчинения тексту (как это было в церковной службе). Началось развитие инструментальной музыки самостоятельного значения. Одновременно в опере музыка вступила в новую, более органическую связь с текстом, с другими искусствами, нежели это было ранее. Т.о. музыкальное искусство вышло на путь самостоятельного развития и одновременно завоевало область драматической выразительности, театра. При этом сохранялась ещё связь с полифонией, нередко писались музыкальные произведения (преимущественно полифонические) с обозначением «per cantare o sonare» (для пения и игры), что говорило о недифференцированности вокальной и инструментальной музыки. Зависимость от вокальной традиции тормозила развитие собственно инструментального стиля.

Жанровые области инструментальной музыки на начальном этапе: 1) область бытовой музыки – переложения и обработки танцев и песен; 2) область более «учёной», отчасти церковной музыки – переложения и обработки вокальных полифонических произведений, обработки хоральных мелодий; 3) особая область инструментальной импровизации, соприкасающаяся и с бытовой музыкой и с церковной (исполнение органной токкаты в церкви). Основные инструменты: лютня (в домашнем быту, фантазия), орган (токката). Когда-то грубый и несовершенный инструмент, орган в эпоху Возрождения очень быстро прогрессирует, подчиняясь новым художественным требованиям. Совершенствование ножной клавиатуры. Создание партитуры и тактовой черты. Скоро к ним присоединяются клавесин и скрипка. Создаётся музыка для инструментальных ансамблей, их стиль остаётся пока несамостоятельным.

Конец 16 – середина 18 вв. время «неопределённости», противоречивости, неясности, спутанности (Т. Ливанова). Время мыслителей (Бэкон, Спиноза, Ньютон, Галилей), художников (Рубенс, Рембрандт, Веласкез), писателей (Шекспир, Мольер); Монтеверди, Бах, Гендель. Время придворных музыкальных пустячков, нелепых сюжетов, иезуитизма и ханжества; придворных «одописцев». Опера, кантата и оратория в Италии. Опера во Франции, Англии, Испании и Германии.

Инструментальная музыка от 16 к 18 в.

Органная музыка. К 17 веку орган, насчитывающий много веков своего существования, был сложным и совершенным инструментом: два его мануала и педаль, разнообразные художественные возможности. С органом в то время были уже связаны в различных странах большие творческие и исполнительские традиции. В течение 17 века сохраняется связь органной музыки с культом (роль органа в богослужении). Органные концерты, которые постепенно входят в обычай в церкви, хранят лишь внешнюю связь с церковной обстановкой. Важнейшая тенденция – обмирщение содержания органной музыки. Выдвигаются нидерландские, фламандские и испанские мастера, затем – целая группа немецких мастеров подводит органную музыку к великой баховской эпохе. Амстердамский композитор Ян Питерс Свелинк (1569 – 1621). Он делает первый шаг по пути от монотематической канцоны к фуге. От Свелинка через его ученика Шейдта пошла творческая линия больших фуг и хоральных вариаций, приведшая к Баху. Фрескобальди (1583 – 1643) – многообразные «смешанные» полифонические произведения (канцоны) и патетические импровизации (токкаты). Это тоже приводит к Баху, но иным путём. Стиль «concitato» - в органном преломлении. Шейдт (1587 - 1654) и Фробергер (ум. 1667) в большой мере перенимают и культивируют традиции Свелинка и Фрескобальди. Пахельбель (1653 – 1706), Дитрих Букстехуде (1637 – 1707) – Дания, Швеция, Германия.

Клавирная музыка. Первая творческая школа, создавшая клавирный стиль, образована только в начале 17 в. – группа английских вёрджиналистов (Уильям Берд (1543 – 1623), Джон Буль (1563 – 1628), Томас Морлей (1557 – 1603), Петер Филиппс (1560 – 1633), Орландо Гиббонс (1583 – 1623). Восприняли многие традиции лютневой музыки и по-своему переработали их. Песни и танцы, народнобытовой материал, создали простой и ясный стиль клавирной музыки, утвердили её гомофонный склад. Главные жанры – сюита и вариации. Путь к формированию сюиты, основанной на танцах различного национального происхождения. Во Франции – Жак Шампион де Шамбоньер (ум. 1679) и Луи Куперен (ум. 1665). В Германии – Телеман (1681 – 1767), Готлиб Муффат (1690- 1990).

Музыка инструментального ансамбля. Нет чёткой грани между ансамблем и оркестром. В течение 17 века определяются некоторые типы ансамблей: (камерное трио), выдвигаются солирующие инструменты при растущем значении струнных, при интенсивном развитии собственно оркестрового стиля. Репертуар – сюита, канцона-соната, вариации (как метод развития и как тип композиции). Мартини, Легренци, Витали, Торелли.

Выводы:

Важнейший итог – создание художественно-самостоятельного «концертного» инструментального стиля, появление нового типа «психологически-выразительных» музыкальных жанров: сонаты и концерта, художественной миниатюры, фуги. Музыкальные итоги 17 века имели большое значение для всей последующей истории музыкального искусства.

Старая соната интересна как новый тип циклической композиции, многообразие которой основывается на ярких контрастах цельных и тематически характерных частей преимущественно гомофонного склада.

Сюита получает значение для будущего как контрастный цикл танцевальных движений; некоторые из них он передаст симфонии.

Концерт устанавливает последовательность частей в цикле, акцентируя художественную роль первой части (ещё более – соната или увертюра), основывает её развитие на контрастах и культивирует блестящий стиль изложения во всём цикле. Утверждает новую музыкальную тематику, вызывает к жизни новые художественные образы.

Concerto grosso, как и оперная увертюра, разрабатывает новый оркестровый стиль.

Клавесинная миниатюра демонстрирует единство мысли, цельность и завершённость композиции.

Вариации, свободно развивая инструментальный стиль, дают образцы фактурной и иногда характерной разработки темы. Как и рондо, вариации впоследствии займут важное место в симфоническом цикле.

Импровизационные формы (прелюдии, токкаты) достигают предельной свободы в развёртывании музыкальной мысли.

Фуга утверждает композиционную важность Т-Д соотношений (как и двухчастный танец – со своей стороны) и противопоставляет изложение темы её разработке.

Ария da capo последовательно и полно проводит принцип репризы, как тематического завершения композиции.

В начале 18 века в инструментальной музыке первостепенное значение приобретают следующие художественные тенденции:

- стремление к психологической выразительности, к концертной самостоятельности в противовес прикладному (в быту, в церкви) пониманию инструментальных форм;

- стремление к эмоциональному многообразию, к цикличности (сюита, соната, увертюра, концерт, прелюдия-фуга);

- индивидуализация частей цикла с их характерной тематикой; единство мысли внутри части;

- определяющиеся функции частей в цикле; новейшее устремление к «динамической композиции» цикла, в которой первая часть становится важнейшей (концерт, соната) – в противовес более спокойной и статической композиции – прелюдия-фуга или сюита;

- нарастающее стремление к единству стиля при многообразии (постепенное ограничение полифонических частей в цикле);

- тесная связь в развитии новых жанров и нового исполнительского стиля (клавирная миниатюра, соната, концерт). Выдвижение инструментов смычковых (прежде всего скрипка) и затем несколько позже фортепиано; В первом десятилетии 18 века падуанский инструментальный мастер Бартоломео Кристофори (1655 – 1731) создал молоточковое «пианофорте». Этот инструмент со слабым звуком, казавшийся несовершенным, обладал прекрасными потенциальными возможностями (регулировка силы звука, певучесть; точность и чувствительность механизма звукоизвлечения), которые были развиты дальнейшими изобретателями в 18 – начале 19 вв.

Одно из важнейших завоеваний 17 века – более основательное и систематическое развитие комбинаторики, которая с одинаковой степенью интенсивности разрабатывается в математике и музыке. Вводятся понятия «пермутация» и «комбинация».

Ещё одно крупнейшее событие - переход к темперации (лат: соразмерность). После многочисленных и безуспешных попыток улучшить чистый строй, сохранявший главный недостаток пифагорова строя – невозможность быстрых переходов из одной тональности в другую, получила практическое воплощение идея геометрического деления октавы на 12 равных частей – идея, витавшая в воздухе, подготовленная всей историей развития европейской музыки и её музыкального строя. Её в 1637 году сформулировал французский математик и теоретик музыки Марен Мерсенн с воём трактате «Универсальная гармония». Он описал новый строй и дал расчеты всех его интервальных коэффициентов. Позднее две книги по темперации издал немецкий органист Андреас Веркмайстер. Первая книга вышла в 1691 «Музыкальная темперация, или ясное, математически правильное изложение того, как при помощи монохорда следует настраивать по хорошей темперации клавиры» - органы, позитивы, регалии, спинеты, для того чтобы в соответствии с сегодняшней манерой исполнения музыки все тональности звучали в приятной и сносной гармонии…». Наконец, важнейшую роль сыграл переход к новой тональной системе – мажоро-минорной. Уже к началу 18 века формируется 24-х тональная мажоро-минорная система. Лишь Маттезону удаётся отойти в трактовке тональной системы от церковных модусов и выстроить ладовую систему, опирающуюся на мажор и минор. Заслуга его и в том, что он считает нецелесообразным разделение ладов на основные и производные. По его мнению «все тоны…одинаковой ценности, одинакового ранга, но не одинаковы по воздействию, и только из-за нашей слабости мы их ещё не всюду в равной степени употребляем». О музыкальном строе и темперации - Симакова Н.А. // Контрапункт строгого стиля и фуга. – Часть2. – М.: «Композитор», 2007. – С. 59 – 69.

Что касается гармонии, то в данный период почти все её особенности неразрывно связаны с традицией цифрованного баса, ранние формы которого уже встречаются в композициях эпохи Возрождения. В этом – отход от полифонии с её равноправием голосов, и повороте к гомофонии – к обособлению мелодического голоса и баса. Среди новых инструментов были такие, которые обладали способностью выступать в функции как ведущего голоса, так и сопровождающего, аккомпанирующего. (лат: соразмерность).

Всё сказанное становится основой для нового этапа в развитии полифонии – эпохи свободного письма, которая связана с именами И.С. Баха (1685 0 1750) и Г.Ф. Генделя (1685 – 1759) и, следовательно, приходится на первую половину 18 века. Таким образом, основой свободного стиля становится вокально-инструментальное начало, которое выражается как в расширении жанровой панорамы (собственно вокальных и инструментальных жанров) полифонии конца 17 – начала 18 века, новой тонально-ладовой основе (мажоро-минорная система) и связанных с этими позициями средствами музыкальной выразительности, так и с в заимопроникновением вокального и инструментального начал. Новое наполнение интонационного развития в связи с новой тональной системой (мажоро-минорной). Понятие темы свободного стиля. Расширение ритмических возможностей, жанровой палитры и др. (показать на примерах тем фуг Баха). Свободы в использовании диссонансов: двухфазная формула ДК вместо известной в строгом стиле – КДК. Новое правило кварты.

ФУГА (учебный конспект)

Фуга от лат.– бег, бегство, фугировать - бежать.

Исследователи выделяют несколько этапов развития фуги:

Дата добавления: 2015-07-15