Читайте также:
|
|
РИМСКАЯ ОПЕРНАЯ ШКОЛА - вторая итал. оперная школа после флорентийской (см. Камерата). Деятельность Р. о. ш. относится к 20-30 гг. 17 в. Ее представители-композиторы Д. Мадзокки (лучшая опера - "Цепь Адониса", 1626), С. Ланди (пасторальная опера "Смерть Орфея", 1619, опера-легенда "Св. Алексей", 1634), М. Росси ("Эрминия", 1637), Л. Рос-си и др. Композиторы Р. о. ш., продолжая традиции флорентийской школы, тщательно разрабатывали хоровые сцены и ансамбли. В их операх из речитатива формируется ариозо (это находит развитие в музыке венецианской и неаполитанской оперных школ). В ми-фологич. и легендарные сюжеты опер вносится жанровый, комич. элемент, появляются такие муз. формы, как ария, "сухой" речитатив, вводятся бытовые массовые сцены. Р. о. ш. предваряет особенности нового жанра - оперы-буффа и создает первые образцы комич. оперного жанра - "Надейся, страждущий" В. Мадзокки и Марадзоли на сюжет из "Декамерона" Боккаччо (1639), "От зла - добро" Марадзоли и Аб-батини (1654). Лит.: К р е ч м а р Г., История оперы, пер. с нем.. Л., 1925; Ливанова Т., История западноевропейской музыки до 1789 г., М.-Л., 1940. Св Г
Римская школа - назв. творч. направлений, сложившихся в Риме в 16-17 вв.
1) Р. ш. в полифонич. вок. музыке - творч. школа, сформировавшаяся во 2-й пол. 16 в. во главе с Палестриной. Его последователями в нач. 17 в. были Дж. М. и Дж. Б. Нанино, Ф. и Дж. Ф. Анерио, Ф. Сориано. Для Р. ш. характерно преобладание духовных жанров (a cappella в полифонич. изложении) - мессы, мотеты. Римские композиторы писали также мадригалы. Полифонич. стиль школы (т. н. строгий стиль) отличался чистотой, плавностью мелодич. линий, консонантностью, выявлением гармонич. начала в полифонич. сочетании голосов. Отказываясь от мелодич. свободы и подчёркнутой выразительности, от хроматизмов, сложных ритмов, гармонич. жёсткостей, представители Р. ш. создавали произв. благостно-умиротворённые, созерцательные, величавые, проникнутые возвышенными эмоциями. Эти соч. отвечали требованиям католич. церкви в период Контрреформации. Вместе с тем они подготовляли, наряду с иными течениями музыки кон. 16 в., переход от полифонии к гармонии. В дальнейшем Р. ш. выродилась в академич. направление церк. хор. музыки a cappella и утратила значение.
2) Р. ш. в опере - одна из первых оперных школ в Италии, выдвинувшаяся в 20-30-е гг. 17 в. В ней наметились две линии: пышного оперного спектакля барочного стиля (начиная от оперы "Цепь Адониса" Д. Маццокки, 1626) и нравоучительно-комического, близкого комедии дель арте ("Страждущий да надеется" В. Маццокки и М. Мараццоли, на сюжет из "Декамерона" Боккаччо, 1639). Крупнейшим представителем Р. ш. был комп. С. Ланди (лучшая опера - "Св. Алексей", 1632), в произв. к-рого объединились в известной мере обе тенденции. В операх Ланди сочетаются подлинно драм., даже трагич. ситуации, христ. нравоучения, фантастика и быт. Ещё более причудливое смешение христ. морали и жанрового правдоподобия характерно для римских опер комич. типа. Благодаря развитию жанровых сцен (напр., сцена ярмарки) в этих спектаклях появились новые элементы муз. стилистики - разговорные, с небольшой поддержкой клавесина, речитативы (recitativo secco), песенки, жанровые хоры. Одноврем. в римской опере возросла роль ариозного начала (выражение драм. эмоций). Среди композиторов выделились также Л. Виттори (опера в пасторальном жанре "Галатея", 1639), М. Росси ("Эрминия", 1637). Развитие оперы в Риме в 17 в. проходило в сложной обстановке и во многом зависело от личности того или иного папы: оперному т-ру то оказывалось покровительство (Урбан VIII Барберини, Климент IX Роспильози), то он подвергался преследованию (папы Иннокентий X и Иннокентий XII). Здания т-ров то строили, то разрушали. Традиции Р. ш. затем отчасти перешли в Венецию и получили здесь развитие в иных обществ. условиях.
Стефано Ланди (ит. Stefano Landi; 26 февраля 1587 года,[1] Рим — 28 октября 1639 года, Рим) — итальянский композитор и педагог римской школы эпохи раннего Барокко. Внёс значительный вклад в развитие ранней оперы и написал первую оперу на историческую тему «Святой Алексий» (1632 год).[2]
Биография[править]
Стефано Ланди родился в Риме в 1587 году.
В 1595 году он поступил в Римский колледж (Collegio Germanico) и начал петь в церковном хоре колледжа, где его учителем был Асприло Пачелли.
В 1599 году Ланди принял один из младших духовных санов, а с 1602 года он начал учиться в Римской семинарии. В тот период капельмейстером семинарии был Агостино Агаццари и, скорее всего, он был одним из учителей Ланди. В 1607 году Ланди упоминается как композитор и режиссёр одного из карнавалов, а в 1611 году — как органист и певец.
В 1614 году он стал капельмейстером церкви Санта-Мария-делла-Консолацьоне.
В 1618 году Ланди переехал на север Италии и в Венеции опубликовал книгу 5-голосых мадригалов, в этом же году он получил должность хормейстера в Падуе. В Падуе он написал свою первую оперу «Гибель Орфея» (La morte d’Orfeo), которая использовалась как часть торжеств к свадьбе. Его пребывание на севере Италии имело важное значение для развития его стиля, здесь он познакомился с прогрессивными работами венецианской школы (англ.), которые, как правило, избегались консервативным Римом.
В 1620 году Ланди вернулся в Рим, где провёл остаток жизни, служа разным семействам и покровителям, среди них кардинал Морис Савойский, семьи Боргезе и Барберини, которые стали его основными работодателями в конце 1620-х — 1630-х годах. В 1629 году он также стал певцом папского хора. Именно для семьи Барберини, для открытия их театра «Четырёх фонтанов», в 1632 году Ланди написал свою самую известную работу — оперу «Святой Алексий».
В этот период творчество Ланди был достаточно продуктивным: он сочинил много месс, арий, респонсориев, преимущественно в стиле «второй практики», довольно смелое решение, так как в консервативном Риме считалось, что духовная музыка должна сочинятся в соответствии с рекомендациями Тридентского собора — в стиле «первой практики» Джованни Пьерлуиджи Палестрины.
Примерно с 1636 года здоровье Ланди сильно ослабло, и в 1639 году он умер в Риме. Похоронен в церкви Санта-Мария-ин-Валичелла.
Творчество[править]
Одной из особенностей музыки Ланди является тот факт, что его светская музыка более консервативна, чем большинство духовной. Мадригалы, арии и другие песни для голоса почти ничем не отличаются от стиля многих композиторов конца XVI века, за исключением баса континуо. Из церковной музыки только две мессы написаны в устаревшем стиле «первой практики», в остальных мотетах, псалмах и других песнопениях он использует венецианский стиль кончертато, с которым познакомился во время пребывания на севере Италии.
Самой известной его работой, а также одной из самых значительных опер раннего барокко является опера «Святой Алексий», основанная на жизни и деяниях преподобного Алексия, жившего в V веке. «Святой Алексий» было одним из первых музыкально-драматических произведений, в котором успешно объединился монодийный стиль и полифония. Это не только первая опера, написанная на историческую тему, но также новый тип оперы, в которой композитор даёт психологическую характеристику героя и тщательно описывает внутреннюю жизнь святого. В ней много комических сцен, высмеивающих жизнь Рима XVII века.
В основном опера исполнялась певцами из папского хора, некоторые части «Святого Алексия» очень высоки и должны были исполняться певцами-кастратами. Сопровождающий оркестр отвечал последним нововведениям, Ланди отказался от устаревших виол и использовал скрипки, виолончели, арфы, лютни, теорбы и клавесин. В начале оперы он включил несколько вводных канцон, это была первая увертюра в истории оперы. Сочетание танцев и комических частей с серьёзными ариями, речитативами и даже мадригальными плачами было крайне эффективным средством повысить драматизм произведения, опера была очень популярна и ставилась много раз.
6. Венецианская оперная школа 17 века. Особенности, достижения, представители.
Венецианская оперная школа, которая складывается к середине XVII столетия, имеет наибольшее право называться именно школой в истории итальянского оперного театра. После первых экспериментов во Флоренции, после разнонаправленных оперных исканий в Риме, вслед за уникальными произведениями Монтеверди в Венеции оперное искусство входило, так сказать, в определенную колею. Сформировались и получили продолжение определенные типы опер — в смысле трактовки сюжетов, понимания музыкальной драматургии, интереса к излюбленному кругу образов, соотношения речитативных и ариозных форм, композиционных принципов арии и т. д. Венецианская школа несомненно унаследовала из опыта ближайшего прошлого многое, что в е е условиях и на новом историческом этапе оказалось жизнеспособным и перспективным. Вместе с тем в Венеции прижилось далеко не все, что в свое время было достигнуто усилиями «первооткрывателей». В частности, комические элементы и черты комедии дель арте, так или иначе ощутимые в римском театре, возымели свое действие и на венецианскую оперу, но как бы преобразились внутри иного целого — произведения на мифологический или исторический сюжет.
Первый оперный театр в Венеции был открыт в 1637 году оперой «Андромеда». В ее создании сотрудничали видные тогда венецианские художественные деятели: композитор Франческо Манелли, поэт и музыкант, руководитель театра Сан Кассиано Бенедетто Феррари (автор либретто). Начиная с 1639 года в том же театре постоянно работал Франческо Кавалли.
Оперные спектакли шли в определенные сезоны: с 26 декабря до конца марта, от окончания пасхи до 15 июня, с 15 сентября до конца октября (то есть исключались посты, большие праздники и наиболее жаркие летние месяцы). За годы от открытия первого публичного театра до конца XVII века в Венеции было поставлено более 360 оперных произведений, выдвинулись десятки композиторов. Само название «опера» (сменившее первоначальные обозначения «dramma per musica», «favola in musica») утвердилось именно здесь. Как известно, итальянское слово «opera» переводится, как «работа», «дело», «произведение». Первая опера Кавалли «Свадьба Фетиды и Пелея» была обозначена как «opera scenica», то есть «сценическое произведение». Далее в Венеции в массовой практике оперных театров слово «опера» приобрело уже специальный, узкий смысл, как название определенного жанра музыкального произведения для сцены, то есть оперы в нашем понимании. Там же стало обычным слово «либретто», буквально переводимое как «книжечка» (от «libro» — «книга»), поскольку тексты опер распространялись для посетителей театра в книжках малого формата. Само понятие «либретто» как литературная канва оперы — в отличие от «поэзии» как ведущего начала «dram-ma per musica» — утвердилось тоже в Венеции, где музыка бесспорно возобладала над поэзией. И поскольку явления оперной жизни приобрели здесь впервые массовый характер, именно это понимание терминов «опера» и «либретто» утвердилось в истории.
Музыка опер Кавалли ярко сценична, ее трудно рассматривать вне театра. Сам характер обрисовки образов рассчитан на восприятие вместе со зрелищем, с действием, с определенной ситуацией. Мифологическая сторона того или иного сюжета не препятствует включению отнюдь не мифологических элементов. В одной из популярнейших опер Кавалли, в его «Язоне», развит мифологический сюжет о герое, похитившем в Колхиде золотое руно, и о волшебнице Медее, любившей его и помогавшей ему. Мифологическая канва позволяет ввести в оперу такие сценические эффекты, как заклинание духов, но почти во всем остальном стиль поведения Язона и Медеи мало отличается от поведения влюбленных пар в комедии, и опера изобилует чисто комическими сценами (например, влюбленная старая служанка весьма прозаически комментирует действия основных героев).
Музыкальный стиль опер Кавалли достаточно ясен и может показаться несложным, если не знать всего предыдущего. В то же время этот стиль очень зрел. Он уже устанавливается — после исканий Монтеверди. Мелодия Кавалли нередко обнаруживает непосредственную связь с народно-бытовыми источниками, и не потому, что композитор склонен заимствовать свой материал, а потому, что он и сам мыслит в этом духе. Не речитатив, не напевная декламация, а именно мелодия, песенно-ариозная мелодия — основное начало оперной музыки у Кавалли. Вокальной виртуозности в более позднем смысле здесь еще нет. Отдельные фиоритуры и пассажи обычно имеют изобразительное значение и приходятся на слова «полет», «слава», «свет» и т. п. или, в исключительных случаях, выполняют иные, уже выразительные функции.
Хотя вокальные партии явно преобладают в партитуре, все же и роль оркестра достаточно существенна. Он исполняет множество ритурнелей, тематически объединенных с ариями и дуэтами, даже вклинивающихся в арии. В ариозных эпизодах сопровождение не ограничивается партией basso continuo: нередко выделяются также две выписанные партии скрипок (или других инструментов). Большое внимание композитор уделяет оркестровым вступлениям к операм, так называемым «sinfonia».
На примерах оперных произведений Чести становится ясно, как в итальянской опере после середины века чисто музыкальное начало, с одной стороны, и декоративное — с другой, берет верх над драмой, драматическим содержанием и развитием. Чести в этом смысле был отнюдь не одинок. Подлинно драматические концепции оказались недоступными в оперном искусстве после Монтеверди. Общественная атмосфера Италии не способствовала подъему серьезного драматического искусства. На оперной сцене господствовали лирические чувства или пышная декоративность дворцового спектакля. Отчасти как реакция на напыщенный стиль придворного искусства с его холодной внешней грандиозностью возникло и развилось увлечение чисто лирической, любовно-лирической тематикой. Со времени Чести развитие пышной декоративности в опере идет рука об руку с углублением в мир лично-лирических чувств человека. Это и приводит к тому, что музыка — как лирическая или как декоративная — торжествует победу в опере над драмой,
У Чести по-своему продолжается выработка типичных приемов оперной выразительности как собственно музыкальной выразительности. Особенно характерны для него лирико-патетические и легкие грациозно-женственные образы. Примером величавой лирики в лучших традициях итальянской оперы может служить небольшая ария Энноны из оперы «Золотое яблоко».
Чести был одним из тех итальянских композиторов, которые вывели национальное оперное искусство за пределы страны. Вскоре после того, как Кавалли побывал со своими операми в Париже, Чести начал работать в Вене и положил начало непосредственному знакомству местной аудитории с лучшими образцами современной итальянской оперы. Постепенно Вена сделалась своего рода филиалом итальянской оперной школы, которую представляли в ней Антонио Драги, Антонио Кальдара, Джованни Баттиста Бонончини.
Джованни Баттиста Бонончини (итал. Giovanni Battista Bononcini) (18 июля 1670 года, Модена — 9 июля 1747 года, Вена) — итальянскийкомпозитор, виолончелист-виртуоз, из известной музыкальной семьи Бонончини. Музыке обучался у своего отца, Джованни Марии Бонончинии, позднее, у болонского композитора Паоло Колонна.
Биография[править]
Бонончини родился в Модене (Италия) и был старшим из трёх сыновей Джованни Марии Бонончини (1642—1678), скрипача и композитора. Младший брат Джованни Баттисты, Антонио Мария Бонончини, также был композитором и виолончелистом. Игре на виолончели обучался вБолонье. Служил капельмейстером в болонском соборе Сан-Джованни-ин-Монте, затем работал в Милане. Свои первые оперы написал в Римев 1694 году. В 1696 году стал служить при дворе в Берлине. В первые два десятилетия XVIII века поочерёдно жил и работал в Вене и Италии.
С 1720 по 1732 год Бонончини жил в Лондоне, где по популярности соперничал с Георгом Фридрихом Генделем, переехавшим в Англию ранее в 1712 году. Итальянского композитора поддерживали многие аристократы, находившиеся в оппозиции к королю Георгу I и настроенные враждебно по отношению к Генделю, пользовавшемуся поддержкой при дворе.[1][~ 1] Неудивительно, что поклонники обоих композиторов разделились не только по музыкальным, но и по политическим пристрастиям. Тори поддерживали Генделя, в то время как виги предпочитали Бонончини.[2]. Соперничество между двумя композиторами сопровождалась откровенной враждой между их поклонниками, вдохновившей известного поэта того времени Джона Байрома на написание эпиграммы, в которой, как считается многими исследователями, впервые фигурировали Твидлидам и Твидлиди. После смерти короля в 1727 году и восшествия на престол его сына, Георга II, для его фаворита Бонончини, казалось, наступил пик карьеры, но в 1732 году выяснилось, что Джованни Баттиста выдал мадригал Антонио Лотти за свой собственный.[3]
Покинув Лондон Бонончини несколько лет провёл во Франции. Дальнейшая жизнь композитора малоизвестна. Так, по данным приведённым в The American Cyclopædia, Бонончини отправился в Венецию, где все его следы теряются. Умер композитор после 1752 года.[2] Согласно информации в Британской энциклопедии Бонончини в 1748 году приехал в Вену, чтобы сочинять музыку в честь Второго Аахенского мира. Затем он жил и работал в Венеции, после чего его следы теряются. Умер предположительно в 1750 году.[3] По другим сведениям Бонончини умер 9 июля 1747 года в бедности в Вене, оставив после себя жену и 4 детей.[4] ]
Бонончини написал ряд композиций для виолончели, опер, месс, кантат и ораторий, а также похоронный гимн для герцога Мальборо. Творчество Бонончини оказало большое влияние на развитие виолончельного искусства, а также повлияло на стиль Генделя и Алессандро Скарлатти.[3]
Сочинения[править]
Оперы[править]
· Xerse (1694)
· Il trionfo di Camilla (1696)
· L’amore eroica fra pastori (1696)
· La clemenza di Augusto (1697)
· La fede pubblica (1699)
· Cefalo (1702)
· Etearco (1707)
· Maria fuggitivo (1708)
· Astarto (1720)
· L’odio e l’amore (1721)
· Crispo (1721)
· Griselda (1722)
· Erminia (1723)
· Calphurnia (1724)
· Astianatte (1727)
· Alessandro in Sidone (1737)
Другие работы[править]
· Оратория San Nicola di Bari (Silvio Stampiglia, Рим 1693)
· Messe brevi (1688)
· Divertimenti da camera (1722)
· XII Sonatas for the Chamber (1732)
· Lidio, schernito amante (кантата)
7. Неаполитанская оперная школа. Этапы развития. Историческое значение.
Неаполитанская оперная школа, сложившаяся на рубеже XVII—XVIII веков, в наибольшей мере представляла итальянское оперное искусство в глазах всей Европы. Ее возникновение и развитие знаменовало своеобразный итог столетней истории нового музыкально-театрального жанра. Неаполь наследовал главным образом Венеции, ее влиятельной оперной школе, которая выдвинула множество мастеров и создала огромное количество произведений. С середины XVII века, когда оперная жизнь постепенно зарождалась в ряде городов Италии, венецианский оперный репертуар преобладал повсюду. Уже в 50-е годы в Неаполе ставились оперы Кавалли и Чести. В Модене шли оперные произведения Чести, Феррари, Легренци, Фрески, Паллавичино, Циани, Лотти. Венецианские влияния так или иначе чувствовались в Лукке, Болонье, Парме, Турине. Лишь к концу XVII века Неаполь затмил Венецию, и с тех пор итальянские влияния на мировую оперную культуру определялись более всего значением неаполитанской творческой школы.
Неоценимое значение для развития профессионального оперного театра имели в Неаполе его консерватории — музыкально-учебные заведения закрытого типа, готовившие исполнителей и композиторов и прославившиеся прежде всего своими певцами.
С неаполитанскими консерваториями связана деятельность первого из видных оперных композиторов Неаполя — Франческо Провенцале (ок. 1627—1704). Он был педагогом в консерватории Santa Maria di Loreto, затем директором консерватории Delia Pietà de'Turchini. У него учились Леонардо Лео, Доменико Сарри, возможно, Алессандро Скарлатти, многие другие неаполитанские композиторы. Оперное творчество Провенцале очень мало изучено. Судя по опубликованным фрагментам, он был серьезным музыкантом (отличный органист!), перенесшим в оперу богатый художественный опыт. Большинство его оперных произведений относится к третьей четверти XVII века.
Истый характер неаполитанской оперной школы определился при Алессандро Скарлатти за те годы (между 1684 и 1719), когда он с перерывами работал в Неаполе и ставил там свои произведения. Однако Скарлатти был связан не только с Неаполем, но также с Флоренцией и Римом. Он родился в 1659 году в Палермо (Сицилия). Достоверные сведения о его происхождении и музыкальном образовании отсутствуют. Возможно, что он в юности недолго был среди последних учеников Кариссими в Риме, где находился с 1672 года (Кариссими умер в 1674). В 1679 году в Риме была поставлена первая опера Скарлатти «Невинный грех», которой предшествовало множество сочиненных им кантат. Серьезный и необыкновенно плодовитый композитор, разносторонне одаренный, неутомимый в труде, Скарлатти явно не находил себе места в Италии и вынужден был метаться между Неаполем, Римом и Флоренцией. Между тем все, что о нем известно, никак не позволяет заподозрить его в легкомысленной «охоте к перемене мест». Он создал более 125 опер, более 800 кантат, огромное множество ораторий и духовных произведений, писал также инструментальную музыку. Если вспомнить вдобавок, что Скарлатти почти всегда служил, выполняя обязанности капельмейстера или педагога, то станет ясно, что каждый день, если не каждый час его жизни был отдан сосредоточенному труду. Он не искал освобождения от работы, а стремился лишь найти такие возможности для нее, чтобы написанное исполнялось, — естественное желание для первоклассного композитора, не так ли?
Опера была для Скарлатти важнейшей областью творчества. Однако опыт работы в других жанрах, значительный и сам по себе, тоже сказался на оперных произведениях композитора. Нигде в такой степени, как в кантате того времени, итальянские музыканты не могли уделять столь пристального внимания деталям изложения, особенно в вокальных партиях, разрабатывать тонкости и даже экспериментальные сложности музыкального языка, в частности гармонии.
Как и венецианские композиторы, Скарлатти обращался в опере к различным сюжетам — историко-легендарным, античным мифологическим, даже комедийным. К ряду его серьезных опер добавлялись вставные комические сцены, которые могли быть исполнены отдельно и переставлены из оперы в оперу (как интермедии). Приходилось Скарлатти сочинять вставные арии и целые акты для опер других композиторов. Это было связано с практической, театральной необходимостью. Но и сам метод сочинения опер становился таким, что подобные задачи никого, видимо, не смущали. В операх Скарлатти еще меньше, чем у венецианцев, заметны различия в отношении к сюжетам мифологическим, легендарно-историческим или комедийно-бытовым. Для него существуют люди и их чувства в определенных ситуациях, а не исторический колорит и не стилизация античности. Даже действия и поступки героев отходят на задний план: важны предваряющие их или вызванные ими эмоции. Трудно говорить и о характерах (как это понимал, например, Монтеверди): их обрисовка возникает только из выражения нескольких эмоций, не слишком к тому же индивидуализированных.
Для Скарлатти уже не было выбора: музыка или драма. Он целиком отдает преимущество, даже монополию музыке. При этом музыка оперы отражает, так сказать, лишь лирические вершины текста, а не все его развитие. В связи с этой основной художественной тенденцией находится и постепенная кристаллизация всех приемов музыкального письма в опере, которую уже можно было заметить на примерах Кавалли. У венецианского автора эти типичные приемы явно намечались, у Скарлатти они созревают, после него становятся шаблонными.
Среди многочисленных опер Скарлатти есть произведения на самые разные сюжеты, с преобладанием, однако, историко-легендарных: «От зла — добро», «Альцимир, или Услуга за услугу», «Флавий», «Сатира», «Розаура, или Причуды любви», «Пирр и Деметрий», «Безумная Дидона», «Падение децемвиров», «Анакреон», «Эраклеа», «Коринфский пастух», «Тит Семпроний Гракх», «Великий Тамерлан», «Митридат Евпатор», «Любовь непостоянная и тираническая», «Верная принцесса», «Кир», «Сципион в Испании», «Тиберий, император Востока», «Телемак», «Марк Аттилий Регул», а также десятки других.
Сюжеты. Закрепление форм арии da capo и итальянской оперной увертюры. В XVIII в. сформировались такие оперные жанры, как опера-сериа (ит. opera seria - "серьёзная опера") и опера-буффа (ит. opera buffa - "комическая опера"). Опера-сериа утвердилась в творчестве Алессандро Скарлатти (1660-1725) - основателя и крупнейшего представителя неаполитанской оперной школы. За свою жизнь он сочинил более ста таких произведений. Для оперы-сериа обычно выбирали мифологический или исторический сюжет. Она открывалась увертюрой и состояла из законченных номеров - арий, речитативов и хоров. Главную роль играли большие арии; обычно они состояли из трёх частей, причём третья являлась повторением первой. В ариях герои выражали своё отношение к происходящим событиям.
Сложилось несколько типов арий: героические, патетические (страстные), жалобные и др. Для каждого использовался определённый круг выразительных средств: в героических ариях - решительные, призывные интонации, бодрый ритм; в жалобных - короткие, прерывистые музыкальные фразы, показывающие волнение героя, и др. Речитативы, небольшие по размерам фрагменты, служили развёртыванию драматического повествования, как бы двигали его вперёд. Герои обсуждали планы дальнейших действий, рассказывали друг другу о случившихся событиях. Речитативы подразделялись на два типа: секко (от ит. secco - "сухой") - быстрая скороговорка под скупые аккорды клавесина, и аккомпаниато (ит. accompaniato - "с сопровождением") - выразительная декламация под звучание оркестра. Секко чаше использовали для развития действия, аккомпаниато - для передачи размышлений и чувств героя. Хоры и вокальные ансамбли комментировали происходящее, но участия в событиях не принимали.
Количество действующих лиц зависело от типа сюжета и было строго определённым; то же относится и к взаимоотношениям героев. Установились типы сольных вокальных номеров и их место в сценическом действии. Каждому персонажу соответствовал свой тембр голоса: лирическим героям - сопрано и тенор, благородному отцу или злодею - баритон или бас, роковой героине - контральто.
К середине XVIII в. стали очевидны недостатки оперы-сериа. Исполнение нередко приурочивалось к придворным торжествам, поэтому произведение должно было заканчиваться благополучно, что иногда выглядело неправдоподобно и неестественно. Часто тексты были написаны искусственным, изысканно манерным языком. Композиторы порой пренебрегали содержанием и писали музыку, не соответствовавшую характеру сиены или ситуации; появилось много штампов, ненужных внешних эффектов. Певцы демонстрировали собственную виртуозность, не задумываясь о роли арии в произведении в целом. Оперу-сериа стали называть "концерт в костюмах". Публика не проявляла серьёзного интереса к самой опере, а ходила на спектакли ради "коронной" арии знаменитого певца; во время действия зрители входили и выходили из зала.
Итал. оперная школа, сложившаяся к нач. 18 в. Первым её крупным представителем был Ф. Провенцале (ум. 1704), главой - композитор А. Скарлатти. Н. о. ш., возникнув несколько позднее римской и венецианской, подытожила и обобщила достижения итал. оперы 17 в. в области композиторского творчества и исполнительства. Большое значение для её формирования и развития имели традиции неаполитанской бытовой музыки (мелодически богатой и своеобразной по колориту), а также деятельность четырёх неаполитанских консерваторий, выпустивших многих певцов-виртуозов. В Неаполе сложился и утвердился жанр итал. оперы-сериа и позднее - жанр оперы-буффа, к-рые получили распространение в других муз. центрах Италии, а затем в крупнейших странах Европы. Неаполитанская опера-сериа характеризовалась преобладанием муз. закономерностей над словесными. В её рамках откристаллизовались типичные формы оперной арии (особенно da capo), итал. оперной увертюры, типы речитатива - т. н. сухого (recitativo secco, под аккомпанемент клавесина) и аккомпанированного (recitativo accompagnato, в сопровождении оркестра), установились традиции использования оркестра в опере. Со временем в Н. о. ш. всё большую роль приобретают кантиленное пение (бельканто) и внешне блестящее виртуозное пение, позволяющие певцам демонстрировать свои вок. возможности (иногда вопреки замыслу композитора). В неаполитанской опере-сериа преобладали античные мифологич. и легендарно-историч. сюжеты, но наряду с ними встречались комедийные. Однако в трактовке любых сюжетов неаполитанцы, постепенно отказываясь от передачи историч. колорита или деталей фабулы, сосредоточили внимание на воплощении человеческих чувств в определённых ситуациях: возвышенной любви, благородной скорби, воинственного порыва, мучений ревности, идиллич. созерцательности и т. п. В результате длит. историч. отбора характерных интонаций и разл. приёмов выразительности эти эмоции получали в опере типическое выражение, вне зависимости от конкретного сюжета. Отсюда возникла возможность перестановок арий из одной оперы в другую и такие явления, как пастиччо (т. е. сборные спектакли из отрывков разл. опер). Яркие образцы неаполитанской оперы-сериа создали в 18 в. А. Скарлатти, Л. Винчи, Н. Порпора, Л. Лео, Н. Йоммелли, Т. Траэтта и др. Значит. влияние неаполитанской оперы испытал Г. Ф. Гендель, к Н. о. ш. примыкал И. А. Хассе. Среди либреттистов выделяются крупные итал. поэты и драматурги А. Дзено и П. Метастазио. На либр. Метастазио ("Артаксеркс", "Покинутая Дидона" и др.) в 18 в. писали мн. неаполитанские композиторы, причём на одно и то же либр. создавались десятки опер. К 30-м гг. 18 в. недостатки неаполитанской оперы-сериа были не только замечены современниками, но вызвали сатирич. памфлеты и пародии. Оперу называли "концертом в костюмах" из-за засилия певцов, особенно певцов-кастратов, блестящих виртуозов, нарушавших, однако, художеств. правдоподобие изображаемых персонажей. К сер. 18 в. наиболее вдумчивые композиторы пытались преодолеть создавшуюся традицию и пересмотреть муз. концепцию оперы, но до реформы К. В. Глюка (началась в 1762) это положение в целом не было поколеблено. К кон. 18 в. облик неаполитанской оперы постепенно изменился, т. к. её представители (Н. Пиччинни, Дж. Паизиелло и др.), работая также в жанре оперы-буффа, использовали достижения оперы-буффа в жанре оперы-сериа. Опера-буффа сложилась в Неаполе в 30-е гг. 18 в., когда из комич. интермедий в опере-сериа и из диалектной комедии с музыкой возникли небольшие оперные произв. шуточного характера с участием персонажей, близких маскам комедии дель арте. Одним из первых представителей нового жанра стал Дж. Перголези, в музыке к-рого проявились яркие буффонные черты ("Служанка-госпожа", 1733). Позднее в творчестве Пиччинни опера-буффа приобрела сентименталистский оттенок. Композиторы следующего поколения - Паизиелло, Д. Чимароза - расширили круг образов оперы-буффа как комич. жанра с элементами лирич. драмы, сказки, фарса, экзотики и т. п. В их творчестве по существу трудно уловить сугубо неаполитанские черты, оно носило скорее общеитал. характер. Это относится в известной степени ко всей Н. о. ш. кон. 18 в.: приобретая общеевроп. распространение и влияя на композиторов др. стран, она представляет итал. оперу вообще.
8. Алессандро Скарлатти. Формирование жанра «Opera seria». (Отличительные особенности)
Alessandro Scarlatti
Человек, к художественному наследию которого сводят в настоящее время... всю неаполитанскую музыку XVII века, — это Алессандро Скарлатти.
Р. Роллан
Итальянский композитор А. Скарлатти вошел в историю европейской музыкальной культуры как глава и родоначальник широко известной в конце XVII — начале XVIII в.неаполитанской оперной школы.
Биография композитора до сих пор изобилует белыми пятнами. Особенно это касается его детства и ранней юности. Долгое время считалось, что Скарлатти родился в Трапани, но затем было установлено, что он уроженец Палермо. Точно неизвестно, где и у кого учился будущий композитор. Однако, учитывая, что с 1672 г. он жил в Риме, исследователи особенно настойчиво упоминают имя Дж. Кариссими как одного из его возможных учителей. Первый значительный успех композитора связан с Римом. Здесь в 1679 г. была поставлена его первая опера «Невинный грех» и здесь же, через год после этой постановки Скарлатти стал придворным композитором шведской королевы Христины, жившей в те годы в папской столице. В Риме композитор вошел в так называемую «Аркадскую академию» — содружество поэтов и музыкантов, созданное как центр защиты итальянской поэзии и красноречия от условностей напыщенного и вычурного искусства XVII в. В академии Скарлатти и его сын Доменико встречались с А. Корелли, Б. Марчелло, молодым Г. Ф. Генделем и иногда соперничали с ними. С 1683 г. Скарлатти обосновался в Неаполе. Там он работал сначала капельмейстером театра Сан-Бартоломео, а с 1684 по 1702 гг. — королевским капельмейстером. Одновременно он иисал музыку для Рима. В 1702-08 и в 1717-21 гг. композитор жил то в Риме, то во Флоренции, где ставились его оперы. Последние годы он провел в Неаполе, занимаясь преподавательской деятельностью в одной из консерваторий города. Среди его учеников наиболее прославились Д. Скарлатти, А. Хассе, Ф. Дуранте.
В наши дни творческая активность Скарлатти представляется поистине фантастической. Он сочинил около 125 опер, свыше 600 кантат, не менее 200 месс, множество ораторий, мотетов, мадригалов, оркестровых и других произведений; являлся составителем методического пособия для обучения игре по цифрованному басу. Однако наиглавнейшая заслуга Скарлатти заключается в том, что он создал в своем творчестве тип оперы-seria, который в дальнейшем стал эталоном для композиторов. Творчество Скарлатти имеет глубинные истоки. Он опирался на традиции венецианской оперы, римской и флорентийской музыкальных школ, обобщив главные тенденции итальянского оперного искусства рубежа XVII-XVIII вв. Оперное творчество Скарлатти отличает тонкое чувство драмы, находки в области оркестровки, особый вкус к гармоническим смелостям. Однако, пожалуй, основное достоинство его партитур — арии, насыщенные то благородной кантиленой, то экспрессивно-патетической виртуозностью. Именно в них сосредоточена главная выразительная сила его опер, воплощены типичные эмоции в типичных ситуациях: скорбь — в арии lamento, любовная идиллия — в пасторали или сицилиане, героика — в бравурной, жанровость — в легкой арии песенно-танцевального характера.
Скарлатти выбирал для своих опер самые разнообразные сюжеты: мифологические, историко-легендарные, комедийно-бытовые. Однако сюжет не имел решающего значения, ибо он воспринимался композитором как основа для раскрытия музыкой эмоциональной стороны драмы, широкой гаммы человеческих чувств и переживаний. Второстепенными для композитора были и характеры действующих лиц, их индивидуальности, реальность или нереальность событий, происходящих в опере. Поэтому Скарлатти писал и такие оперы, как «Кир», «Великий Тамерлан», и такие, как «Дафна и Галатея», «Любовные недоразумения, или Розаура», «От зла — добро» и др.
В оперной музыке Скарлатти многое имеет непреходящую ценность. Однако масштаб дарования композитора был отнюдь не равен его популярности в Италии. «...Жизнь его», — пишет Р. Роллан, — «была намного более трудной, чем это представляется... Ему приходилось писать, чтобы зарабатывать свой хлеб, в эпоху, когда вкус публики становился все более легкомысленным и когда другие, более ловкие или менее совестливые композиторы лучше умели добиться ее любви... Он обладал уравновешенностью и ясным умом, более почти неизвестными у итальянцев его эпохи. Музыкальное сочинение было для него наукой, „детищем математики“, как он писал Фердинанду Медичи... Подлинные ученики Скарлатти — в Германии. Он оказал беглое, но сильное воздействие на юного Генделя; в особенности он повлиял на Хассе... Если вспомнить славу Хассе, если вспомнить, что он царил в Вене, был связан с И. С. Бахом, с Глюком и молодым Моцартом, любившим его, можно восстановить звено цепи, связывающей Скарлатти с создателем „Дон-Жуана“».
Музыкальные формы Скарлатти являются важным связывающим звеном между манерой пения раннего итальянского барокко XVII века, с центром во Флоренции, Венеции и Риме, и классической школой XVIII века, кульминацией которой был Моцарт. Ранние оперы Скарлатти («Невинная ошибка» 1679; «Честность в любви» 1680, включающая знаменитую арию Già il sole dal Gange; «Помпей» 1683, содержащая хорошо известные арии O cessate di piagarmi и Toglietemi la vita ancor и другие, написанные до 1685) содержали старые модуляцииречитатива, и изрядное количество аккуратно сконструированных форм в их маленьких очаровательных ариях, тщательно проработаннымаккомпанементом к которым иногда звучал струнный квартет, иногда же клавесин соло. В 1686 году он окончательно утверждает форму «итальянской увертюры» (опера «От зла — добро») и отказывается от бассо остинато и двухчастной формы в двух куплетах в пользутрёхчастной формы или da capo формы построения мелодии. Его лучшие оперы этого периода: «Розаура» (1690, отпечатаны в Gesellschaft für Musikforschung), и «Пирр и Деметрий» (1694), в которой появляются арии Rugiadose, odorose и Ben ti sta, traditor.
Где-то с 1697 года и далее («Падение децемвиров»), испытывающие, с одной стороны, влияние стиля Джованни Бонончини, с другой стороны, возможно, более значительное влияние вице-королевского двора, его оперы начинают звучать более традиционно, в достаточно общепринятом ритме, одновременно оркестровка достаточно грубовата и резка, но не без изящества («Эраклея», 1700), гобои и трубыиспользуются часто, а скрипки играют в унисон. Оперы, сочинённые для Козимо III Медичи утеряны; они могли бы дать более полное представление о стиле Скарлатти. Его переписка с тосканским герцогом заставляет догадываться, что эти оперы были написаны с действительно ярким вдохновением.
Опера «Митридат Евпатор», считающаяся шедевром Алессандро Скарлатти, написана в Венеции, в 1707 году. Она содержит музыку, ушедшую далеко вперёд в своем развитии от того, что Скарлатти написал в Неаполе, как по технике, так и по искусству композиции. Поздние неаполитанские оперы («Непостоянная и тираническая любовь», 1709; «Верная принцесса», 1712; «Тигран», 1715) скорее яркие и эффектные, чем глубоко эмоциональные; оркестровка значительно более интересная, чем в предыдущих произведениях, так как основной аккомпанемент голоса ведётся струнным квартетом, клавесин используется только для шумной инструментальной ритурнели. В опере «Теодора Августа» (1697) он первый использовал оркестровую ритурнель.
Его последние оперы, сочинённые в Риме, показывают сильное поэтическое чувство, широкую и величественную мелодию, глубокое понимание драматизма, особенно в речитативах с аккомпанементом, его собственным изобретением, которое он впервые использовал в 1686 году («Отомщённая Олимпия») и значительно более современный стиль оркестровки; впервые появившиеся горны вызвали ошеломляющий эффект.
Кроме опер, ораторий (Agar et Ismaele esiliati, 1684; Christmas Oratorio, 1705; S. Filippo Neri, 1714; и другие) и серенад, написанных в однообразном стиле, Скарлатти сочиняет более пяти сотен камерных кантат для голоса соло. Они являются наиболее интеллектуальными среди камерной музыки того периода, и вызывает большое огорчение тот факт, что они до сих пор находятся в основном в манускриптах, ведь их изучение обязательно для тех, кто хотел бы иметь адекватное представление о музыкальном прогрессе Скарлатти.
Несколько сочинённых им месс (информация о том, что он сочинил более двух сотен месс, не вызывает доверия) и произведений церковной музыки относительно несущественны, кроме St. Cecilia Mass (1721), являющейся одной из первых попыток сочинительского стиля, который достиг своих высот в великих мессах Иоганна Себастьяна Баха и у Бетховена. Его инструментальная музыка, хотя и небезынтересная, но слишком старомодная, по сравнению с его операми.
В честь Скарлатти назван кратер на Меркурии.
О́пера-се́риа (итал. орега seria — серьёзная опера)[1] — жанр итальянской оперы, возник в конце XVII века в творчестве композиторов неаполитанской оперной школы. Оперу-сериа создавали на основе героико-мифологического или легендарно-исторического сюжета с чётким распределением сценического действия и музыки. В музыке преобладали речитативы и большие виртуозные арии солистов, которые словно соревновались в мастерстве вокализации.
К выдающимся мастерам оперы-сериа принадлежали Алессандро Скарлатти, Георг-Фридрих Гендель, Никола Порпора, Бальдассаре Галуппи, Никколо Пиччини, Джакомо Мейербер, ранний Моцарт, Гаспаре Спонтини и другие.
Список опер Скарлатти[править]
ОПЕРА-СЕРИА (итал. opera seria - серьёзная опера) - жанр итал. оперы, сложившийся в кон. 17-18 вв. в творчестве композиторов неаполитанской опсрной школы. Известнейшие либреттисты О.-с. - поэты А. Дзено и П. Метастазио (выработавшие устойчивый тип её композиции); композиторы - А. Скарлатти, Л. Лео, Г. Ф. Гендель, Н. Порпора, Б. Галуппи, Н. Пиччинни, И. А. Хассе, Н. Йоммелли, Т. Траэтта, К. В. Глюк (до своей оперной реформы), В. А. Моцарт (ранние оперы; "Милосердие Тита", 1791) и др. С распространением итальянского искусства в Европе О.-с. приобрела международное значение и проникла на все крупные (в частности, придворные) сцены. Для этого жанра типично господство ист.-мифологич. и легендарно-сказочных сюжетов при ясно выраженном разделении функций слова (сценич. действия) и собственно музыки. Всё относящееся к сложной и запутанной интриге, к развитию фабулы воплощалось в речитативе secco. Типичные эмоции в типичных ситуациях получали претворение в развитых, завершённых, нередко виртуозных ариях (обычно 3-частная ария da capo), реже ансамблях разного типа - героич., лирич., скорбных, однако не особенно индивидуализированных. Такое разделение было сопряжено с безграничным господством певцов-виртуозов на оперной сцене, с пением кастратов, со свободным введением "украшений" в мелодию по вкусу певца и т. д. К сер. 18 в. назрел эстетич. кризис О.-с. как "концерта в костюмах", где музыка передавала лишь немногие стороны драмы. Это привело к характерным для эпохи творч. исканиям итал. композиторов (и Генделя), к-рые стремились усилить в О.-с. роль драматизированного речитатива в драматич. кульминациях (т. н. речитатив accompagnato), углубить выразительность пения, расширить функции оркестра. В 60-е гг. 18 в. Глюк начал осуществлять свою оперную реформу, пересмотрев в операх "Орфей и Эвридика" и "Альцеста" драматургич. концепцию О.-с. Однако традиции О.-с. продолжали развиваться в творчестве др. композиторов, в т. ч. молодого Дж. Россини, Г. Спонтини. В 19 в. это определение жанра утратило первонач. смысл и практически вышло из обихода.
9. Джова́нни Батти́ста Перголе́зи. Утверждение жанра «Opera buffa». (свойства, особенности)
Итальянский оперный композитор Дж. Перголези вошел в историю музыки как один из создателей жанра оперы-buffa. В своих истоках связанная с традициями народной комедии масок (dell’arte), опера-buffa способствовала утверждению светских, демократических начал а музыкальном театре XVIII в.; она обогатила арсенал оперной драматургии новыми интонациями, формами, сценическими приемами. Сложившиеся в творчестве Перголези закономерности нового жанра обнаружили гибкость, способность к обновлению и разнообразнейшим модификациям. Историческое развитие onepa-buffa ведет от ранних образцов Перголези («Служанка-госпожа») — к В. А. Моцарту («Свадьба Фигаро») и Дж. Россини («Севильский цирюльник») и далее в XX век («Фальстаф» Дж. Верди; «Мавра» И. Стравинского, темы Перголези композитор использовал в балете «Пульчинелла»; «Любовь к трем апельсинам» С. Прокофьева).
Вся жизнь Перголези прошла в Неаполе, прославленном знаменитой оперной школой. Там он окончил консерваторию (среди его педагогов были известные оперные композиторы — Ф. Дуранте, Г. Греко, Ф. Фео). В неаполитанском театре Сан-Бартоломео была поставлена первая опера Перголези — «Салюстия» (1731), а через год в том же театре состоялась историческая премьера оперы «Гордый пленник». Внимание публики привлек, однако, не основной спектакль, а две комедийные интермедии, которые Перголези, следуя сложившейся в итальянских театрах традиции, поместил между актами оперы-seria. Вскоре ободренный успехом композитор составил из этих интермедий самостоятельную оперу — «Служанка-госпожа». Все было новым в этом спектакле — простой бытовой сюжет (ловкая и хитрая служанка Серпина выходит замуж за своего хозяина Уберто и сама становится госпожой), остроумные музыкальные характеристики персонажей, живые, действенные ансамбли, песенно-танцевальный склад интонаций. Стремительный темп сценического действия требовал от исполнителей большого актерского мастерства.
Одна из первых опер-buffa, завоевавшая огромную популярность в Италии, «Служанка-госпожа» способствовала расцвету комической оперы в других странах. Триумфальный успех сопровождал ее постановки в Париже летом 1752 г. Гастроли труппы итальянских «буффонов» стали поводом для острейшей оперной дискуссии (так наз. «войны буффонов»), в которой столкнулись приверженцы нового жанра (среди них были и энциклопедисты — Дидро, Руссо, Гримм и др.) и поклонники французской придворной оперы (лирической трагедии). Хотя по приказу короля «буффоны» были вскоре изгнаны из Парижа, страсти еще долго не утихали. В атмосфере споров о путях обновления музыкального театра и возник жанр французской комической оперы. Одна из первых — «Деревенский колдун» знаменитого французского писателя и философа Руссо — составила достойную конкуренцию «Служанке-госпоже».
Перголези, проживший всего 26 лет, оставил богатое, замечательное по своей ценности творческое наследие. Прославленный автор опер-buffa (кроме «Служанки-госпожи» — «Влюбленный монах», «Фламинио» и др.), он с успехом работал и в других жанрах: писал оперы-seria, духовную хоровую музыку (мессы, кантаты, оратории), инструментальные произведения (трио-сонаты, увертюры, концерты). Незадолго до смерти была создана кантата «Stabat Mater» — одно из самых вдохновенных произведений композитора, написанное для небольшого камерного состава (сопрано, альт, струнный квартет и орган), наполненное возвышенным, искренним и проникновенным лирическим чувством.
Произведения Перголези, создававшиеся почти 3 века назад, несут то замечательное ощущение юности, лирической открытости, увлекающего темперамента, которые неотделимы от представления о национальном характере, самом духе итальянского искусства. «В его музыке», — писал о Перголези Б. Асафьев, — «наряду с пленительно любовной ласковостью и лирической опьяненностью звучат страницы, пронизанные здоровым, сильным чувством жизни и соками земли, и рядом с ними блестят эпизоды, в которых задор, лукавство, юмор и неудержимая беспечная веселость царят легко и свободно, как в дни карнавалов».
Сочинения:
оперы — свыше 10 опер-сериа, в т. ч. Гордый пленник (Il prigionier superbo, с интермедиями Служанка-госпожа, La serva padrona, 1733, театр «Сан-Бартоломео», Неаполь), Олимпиада (L’Olimpiade, 1735, «Театр Тординона», Рим), оперы-буффа, в т. ч. Влюблённый монах (Lo frate ’nnamorato, 1732, театр «Фьорентини», Неаполь), Фламинио (Il Flaminio, 1735, там же); оратории, кантаты, мессы и др. духовные сочинения, в т. ч. Stabat Mater, концерты, трио-сонаты, арии, дуэты.
ОПЕРА-БУФФА (итал. opera buffa - комич. опера) - итал. разновидность комич. оперы, сложившаяся в 30-е гг. 18 в. Её истоки - в комедийных операх рим. школы 17 в. ("Танчья" А. Мелани), в комедиях дель арте. Непосредственно подготовили О.-б. неаполитанские и венецианские диалектальные комедии с музыкой (род местного демократич. т-ра) и комич. интермедии, вставлявшиеся (с кон. 17 в.) между актами опер-сериа. Родоначальником О.-б. явился Дж. Б. Перголези, интермедии к-рого, отпочковавшись от большого спектакля оперы-сериа, начали самостоят. жизнь. Из них особенно прославилась "Служанка-госпожа" (1733)- первая О.-б. Для этого жанра характерны небольшие масштабы, 2-3 действ. лица, весёлая буффонада, подвижность действия, пародия, яркая, живая жанровая мелодика, ясность стиля. Над О.-б. работали многие мастера (Б. Галуппи, Н. Логрошино и др.). В целом она воплотила передовые художеств. тенденции своего времени. В 50-х гг. 18 в. в Париже разгорелась т. н. "война буффонов", привлёкшая на сторону "буффонистов" передовых представителей франц. Просвещения. В дальнейшем О.-б. отходит от сценич. образцов комедии дель арте, используя в большой мере драматургию К. Гольдони. На его текст написана О.-б. Н. Пиччинни "Чеккина, или Добрая дочка" (1760), положившая начало лирико-сентиментальному направлению в этом жанре. Однако усиление лирич. черт О.-б. не ослабило значения в ней собственно комич. начала. В творчестве Дж. Паизиелло ("Севильский цирюльник", 1782; "Мельничиха", 1788), Д. Чимарозы ("Тайный брак", 1792) расширяются сюжеты и стилистич. рамки О.-б., появляются образцы с широко развёрнутой интригой, включающие элементы сатиры, бытовые и сказочно-фантастич. сцены, окрашенные тонким лиризмом. На основе О.-б. развиваются глубоко оригинальные оперные концепции В. А. Моцарта ("Свадьба Фигаро", 1786). В 19 в. Дж. Россини ("Севильский цирюльник", 1816), Г. Доницетти ("Дон Паскуале", 1843), Дж. Верди ("Фальстаф", 1893) блестяще претворили традиции О.-б. в новых историч. условиях. В 20 в. этот жанр стремился возродить Э. Вольф-Феррари. Буффонные традиции развиваются на иной основе в ряде опер С. С. Прокофьева ("Любовь к трём апельсинам", 1919; "Обручение в монастыре", 1940), И. Ф. Стравинского ("Мавра", 1922) и др.
Джова́нни Батти́ста Перголе́зи (итал. Giovanni Battista Pergolesi; 4 января 1710, Йези — 16 марта 1736, Поццуоли) — итальянскийкомпозитор, скрипач и органист. Перголези является представителем Неаполитанской оперной школы и одним из самых ранних и важнейших композиторов оперы-буффа (комической оперы).
Биография[править]
Джованни Перголези родился в Йези, где он изучал музыку под руководством Франческо Сантини. В 1725 году он переехал в Неаполь, где он постигал основы композиции под руководством Гаэтано Греко и Франческо Дуранте. В Неаполе Перголези остался до конца своих дней. Здесь впервые были поставлены все его оперы, кроме одной — L’Olimpiade, премьера которой состоялась в Риме.
С первых же своих шагов на композиторском поприще Перголези зарекомендовал себя как яркий сочинитель, не чуждый экспериментов и новаций. Самой удачной его оперой является написанная в 1733 году «Служанка-госпожа», быстро завоевавшая популярность на оперных подмостках. Когда в 1752 году она была представлена в Париже, то вызвала ожесточённые споры между сторонниками традиционной французской оперы (среди которых были такие корифеи жанра, как Люлли и Рамо) и поклонниками новой итальянской комической оперы. Споры между консерваторами и «прогрессистами» бушевали в течение пары лет, пока опера не сходила со сцены, в течение которых парижское музыкальное общество оказалось расколото надвое.
Наряду со светской, Перголези активно сочинял и духовную музыку. Самым известным произведением композитора является его фа-минорная кантата Stabat Mater, написанная незадолго до смерти. Stabat Mater («Стояла мать скорбящая») на стихи итальянского монаха-францисканца Якопоне да Тоди повествует о страданиях Девы Марии во время распятияИисуса Христа. Этот католический гимн для небольшого камерного состава (сопрано, альт, струнный квартет и орган) — одно из самых вдохновенных произведений композитора. Stabat Mater Перголези была написана в качестве «дублёра» аналогичного произведения Алессандро Скарлатти, исполняемого в неаполитанских храмах каждую страстную пятницу. Впрочем, вскорости эта работа затмила свою предшественницу, став самым часто издаваемым в XVIII веке произведением. Её аранжировкой занимались многие композиторы, включая Баха, который использовал её как основу для своего псалма Tilge, Höchster, meine Sünden, BWV 1083.
Перголези создал ряд крупных инструментальных работ, включая скрипичную сонату и скрипичный концерт. В то же время ряд сочинений, приписываемых композитору после его смерти, оказался фальшивкой. Так, долгое время считавшийся детищем Перголези «Concerti Armonici» оказался на поверку сочинённым немецким композитором Унико Вигельмом ван Вассенаром.
Перголези скончался от туберкулёза в возрасте 26 лет.
Произведения[править]
· Опера Salustia, 1731
· Опера La conversione e morte di San Guglielmo, 1731
· Опера Lo frate 'nnammorato (Влюбленный монах), 1732
· Опера La Serva Padrona (Служанка-госпожа), 1733
· Опера Adriano in Siria (1734)
· Опера L’Olimpiade (1735)
· Опера Il Flaminio (1735)
· Кантата Stabat Mater (1736)
Интересные факты[править]
Композитор стал героем фантастического рассказа Роберта Сильверберга «Джанни», где группа учёных переносит Перголези в будущее. Рассчитывая на богатство и славу, он начинает сочинять массовую музыку и становится членом рок-группы, но во время первого концерта погибает от передозировки.
О́пера-бу́ффа (итал. opera buffa — «шуточная опера») — итальянская комическая опера. Возникла в XVIII веке на основе интермедий и народно-бытовой песенной традиции (в противовес опере-сериа). Самые известные авторы оперы-буффа: Джованни Перголези, Джованни Паизиелло, Доменико Чимароза. Для этого жанра характерны небольшие масштабы, 2-3 действующих лица, весёлая буффонада, подвижность действия, пародия, яркая, живая жанровая мелодика, ясность стиля. Опера-буффа основывалась на бытовых сюжетах, нередко приобретавших сатирическую окраску. Позднее её традиции поддержали Вольфганг Амадей Моцарт, Джоаккино Россини, Гаэтано Доницетти. В стиле оперы-буффы созданы некоторые оперы Джузеппе Верди («Фальстаф»), Сергея Прокофьева («Обручение в монастыре»), Игоря Стравинского («Мавра») и другие.
Дата добавления: 2015-09-05; просмотров: 911 | Нарушение авторских прав
<== предыдущая страница | | | следующая страница ==> |
Джулио Каччини | | | Опера-буффа |