Национальная галерея в Осло. Залы постоянной экспозиции: что стоит посмотреть

Знакомство с норвежским искусством начинается уже на лестнице, по которой мы поднимаемся на второй этаж, где разместилась постоянная экспозиция. На стенах лестничной площадки вывешены картины норвежского живописца Кристиана Крога (Christian Krohg) (1852-1925), в том числе «Автопортрет» (1883) с палитрой и огромной трубкой.

Кристиан Крог был одним из главных представителей реализма и натурализма в норвежском искусстве. В юности Крог учился на юриста, но эта карьера его не слишком привлекала, поэтому он параллельно посещал художественную школу. Молодой человек продолжил художественное образование в Карлсруэ и Берлине (одним из его учителей был известный норвежский художник Ханс Гуде), а затем в Париже. Впоследствии Крог неоднократно бывал в датском Скагене, где были созданы его известные работы, изображающие моряков и рыбаков.

Испытав влияние французских писателей-натуралистов и будучи другом датского критика, теоретика натурализма Георга Брандеса, Крог считал, что художники должны искать мотивы для своих картин в повседневной жизни, и сам часто изображал людей из низших слоев, пытаясь привлечь внимание к социальным проблемам. Известный пример такого творчества на злобу дня — картина «Борьба за существование» (Kampen for tilværelsen) (1888-89), на которой изображена раздача хлеба бедным. Свидетелем этой сцены Крог лично стал одним морозным зимним утром в центре Осло, на углу Carl Johans gate и Skippergata. В 1880-х годах многие районы Осло (Кристиании) страдали от перенаселения, безработицы, нищеты и болезней. Обратите внимание, что, за исключением толкотни у булочной, на улице совсем никого нет, если не считать праздно расхаживающего по ней полицейского. Тем самым художник создает выразительный контраст. В конце очереди, ожесточенно сражающейся за хлеб, стоят малые дети с мятыми бидонами. Останется ли им что-то в этой давке?

Кристиан Крог был не только художником, но и писателем, редактором журнала Impressionisten, многолетним журналистом газеты Verdens Gang и ведущей фигурой в радикальных богемных кругах тогдашнего Осло (Кристиании). В 1886 году Крог выпустил роман «Альбертина» (Albertine), рассказывающий о судьбе бедной швеи, которая была изнасилована и затем вынуждена стать проституткой. Роман вызвал скандал и уже на следующий день был изъят полицией из продажи, а на автора наложили штраф за оскорбление общественной морали. По мотивам романа Крог написал несколько картин, в том числе «Альбертина в приёмной полицейского доктора» (Albertine i politilegens venteværelse) (1885-87). Эта картина — одно из главных произведений в творчестве Крога как социального художника. Как и книга, картина затрагивала запретный вопрос половой жизни и вызвала оживленные споры среди современников.

Сам размер полотна — более 2 метров высоту и 3 метра в ширину — был провокацией. Обычно холсты подобных габаритов предназначались для замков или храмов. Здесь же мотив далеко не возвышенный. На картине показан описанный в романе унизительный визит Альбертины к полицейскому врачу. Действие происходит в приемной. Альбертина, одетая очень скромно (по сравнению с другими женщинами в типичных для проституток ярких платьях), стоит у двери и ожидает своей очереди: она следующей должная войти к доктору и подвергнуться осмотру на предмет венерических заболеваний, а остальные женщины смотрят на новенькую, изучая ее с головы до ног, и усмехаются. Скандальная книга и картина Крога сыграли важную роль в кампании по борьбе с проституцией в Норвегии, и уже через пару лет этот вид деятельности был объявлен незаконным (1888).

Рядом можно увидеть картину Крога на историческую тематику: «Лейф Эрикссон открывает Америку» (Leif Erikson oppdager Amerika) (1893). Полотно посвящено скандинавскому мореплавателю, который посетил Северную Америку за пять веков до Колумба. При создании этой композиции, которая в 1893 году была представлена на Всемирной выставке в Чикаго, художник переработал свою более раннюю картину с изображением рыбаков во время шторма, и у него получилось историческое полотно из времен викингов.

Но пора перейти в залы с основной экспозицией. Она построена, как уже было сказано, в хронологическом порядке. Каждый зал отмечен определенной буквой, от A до Z (см. схему залов). В первых двух залах представлена античная скульптура. Здесь мы видим изваяния древнеегипетских и древнегреческих богов.

В следующем зале выставлены бюсты древнегреческих поэтов, философов, императоров, воинов и политиков. Такие портретные бюсты греки начали создавать в V веке до н.э. Греки и римляне устанавливали их в общественных местах (в храмах, на площадях) и частных домах.

Одним из первых реалистичных портретов в греческом искусстве был представленный здесь бюст поэта Пиндара. Также в зале демонстрируются скульптурные изображения императора Траяна, Тиберия, Александра Севера и других.

Пройдем теперь в зал с русскими иконами XIV-XVIII веков. Немного странно видеть их в норвежском музее, но коллекция неплохая. Все представленные иконы привезены из Новгорода, одного из главных центров русской иконописи. Икона «Рождество Христово», написанная в XVI веке, изображает лежащую на ложе Марию, ясли с Младенцем, ангелов, возвещающих о Рождестве, Вифлеемскую звезду и сцену поклонения волхвов, а в нижней части иконы представлена сцена омовения Младенца и задумчивый, измученный сомнениями Иосиф со сгорбленным стариком-пастухом (это искушающий его диавол). Соединение нескольких разновременных событий на одной плоскости — это вообще одна из основных особенностей иконописи.

Следующий зал посвящен искусству североевропейского Ренессанса. В XVI веке влияние итальянского Возрождения распространилось на регионы к северу от Альп. Немецкие, фламандские и французские художники, обучавшиеся в Италии, вернулись домой с желанием создавать новое, гуманистическое искусство. Художники стали изучать окружающий мир с научной точки зрения, они проявляли интерес к законам перспективы и особенностям анатомии. Одновременно они черпали вдохновение в прошлом, особенно в древней философии, мифологии и искусстве. В Германии и Фландрии зажиточный купеческий класс поддерживал развитие искусства, в котором отражались эти новые идеалы. Гравюры и картины Альбрехта Дюрера (1471-1528) произвели революцию в немецком искусстве.

В этом зале можно увидеть более десятка замечательных дюреровских гравюр, в том числе иллюстрации к сатирическому произведению Себастьяна Бранта «Корабль дураков»; гравюры «Мученичество Иоанна Богослова», «Поклонение Богу и Агнцу», «Битва архангела Михаила с драконом» из знаменитой серии «Апокалипсис», созданной в 1496-1498 годах после возвращения из Италии; несколько отдельных гравюр на библейские и мифологические темы.

Альбрехт Дюрер был одним из первых художников, уделявших созданию гравюр не меньше внимания, чем живописи. Его вклад в развитие жанров гравюры на дереве и на меди как форм художественного выражения исключительно велик. Дюрер подчеркивал свою роль как художника, ставя на каждом оттиске свою подпись-монограмму. Среди гравёров того времени такая практика не была распространена. Цикл гравюр «Апокалипсис», виртуозных по исполнению, экспрессивных и динамичных, отличался совершенно новым для того времени стилем и принес Дюреру всемирную славу.

Другой известный представитель Северного Возрождения, Лукас Кранах Старший (1472-1553), принадлежал к кругу реформатора Мартина Лютера и часто изображал библейские сюжеты с протестантской точки зрения. Помимо этого, он писал сюжеты из греческой и римской мифологии, жанровые сцены. В Национальной галерее находится известная картина Кранаха «Золотой Век» (ок. 1530).

Картина написана на сюжет античного мифа о счастливом, беззаботном существовании первобытного человечества. Здесь нашло отражение стремление художника воплотить ренессансную мечту об идеально прекрасном человеке. Кранах использовал множество символов, выражающих идеи чистоты, невинности, плодородия, единения человека с природой. Другую версию картины можно увидеть в Старой Пинакотеке в Мюнхене.

На картине Кранаха «Христос и грешница» (1531, копия) представлен знаменитый эпизод из Евангелия от Иоанна. Центральное место на картине занимает фигура Иисуса, справа от него изображена взятая в прелюбодеянии женщина, а слева их обступают агрессивно настроенные книжники и фарисеи, готовые забросать грешницу камнями, — их карикатурно злобные лица контрастируют с мудрым и человечным ликом Христа. Ключевую фразу Иисуса («Кто из вас без греха, первый брось на неё камень») художник написал по-немецки над его головой. Справа, за спиной грешницы (на стороне Христа) Кранах изобразил своих современников, сподвижников Мартина Лютера.

Далее мы попадаем в большой зал Langaardsalen, где представлено фламандское и голландское ренессансное и барочное искусство из коллекции норвежского предпринимателя и мецената Кнуда Кристиана Лангорда (Knud Christian Langaard) (1849-1922), который завещал часть своего собрания Национальной галерее и часть — Музею прикладного искусства Осло. Всего в зале Лангорда — около 70 экспонатов. Определенно, один из самых интересных и красивых залов в музее.

Хочется особо отметить небольшую по размеру, но потрясающую по нежности и внутреннему сиянию картину школы фламандского живописца Квентина Массейса (1465/1466-1530) «Святое семейство» и картину «Благовещение» (ок. 1518), приписываемую другому фламандцу — Бернарту ван Орлею (1488/1492-1542).

Помимо картин, в зале можно увидеть несколько образцов старинной мебели, в том числе голландский шкаф-кабинет середины XVII века на высоких витых ножках. С наружной стороны дверцы шкафа отделаны черепаховыми пластинами, а изнутри украшены расписными пейзажными и жанровыми сценами. Аналогично декорированы и выдвижные ящики.

Также в зале радуют глаз несколько старинных скульптур, например немецкая скульптура неизвестного мастера XV века, изображающая евангелиста.

Здесь же находится картина Эль Греко (1541-1614) «Кающийся Петр» (ок. 1610–14) и произведение мастерской Эль Греко «Снятие одежд с Христа» (ок. 1600).

Творчество Эль Греко стоит особняком в истории испанской живописи. Для его картин характерен чрезвычайно богатый колорит, экстатические образы, искаженные фигуры. Художник фактически не имел последователей-современников, его гений был заново открыт лишь в XIX веке.

Маньеристические излишества в творчестве уроженца Крита оказались созвучны иррациональным тенденциям европейского модернизма, отрицавшего рациональность академического искусства и искавшего новых идолов. Эль Греко стал считаться предшественником модернизма и питал новейшие художественные течения, вдохновляя экспрессионистов и кубистов.

Покидая этот зал, взглянем на лиможское блюдо второй половины XVI века. Блюдо украшено орнаментами, аллегориями летних месяцев и сценами пиршеств в честь древнеримской богини урожая и плодородия Цереры.

Следующий зал знакомит нас с романтическим фигуративным искусством 1780-1850 годов. Здесь можно увидеть работы знаменитых французов Эжена Делакруа (1798-1863) и Гюстава Курбе (1819-1877), а также основателя датской школы живописи — Николая Абильдгора (Nicolai Abildgaard) (1743-1809). Романтическое движение в Северной Европе было реакцией на рассудочность Просвещения, с его культом разума и помешанностью на правилах. Теперь художники искали вдохновения в эпохе Средневековья, с характерным для нее иррациональным, более духовным взглядом на мир. Литературные произведения, древние легенды и сказки, путешествия в экзотические страны — всё это стало источником вдохновения для художников-романтиков, которые воспевали всё необычное, яркое, дикое, гениальное и ценили сильные чувства.

Среди представленных в музее произведений романтического направления исключительно интересна незаконченная картина Гюстава Курбе «Отчаявшийся», известная также под названиями «Обезумевший от страха» или «На краю скалы» (Le Désespéré/Le Fou de peur) (ок. 1844-45). На этом необычном полотне художник изобразил самого себя, переживающего экзистенциальный кризис. Как раз в тот же период (1843-45) молодым Гюставом Курбе был создан другой известный автопортрет, также названный Le Désespéré (в частной коллекции). В отличие от последнего, в варианте, который находится в Осло, художник изобразил себя в полный рост. Его безумный, застывший взгляд и искаженное гримасой страха лицо притягивают, гипнотизируют зрителя. Мы видим измученного, безнадежно потерявшего равновесие человека на краю пропасти, находящегося в состоянии паники и, возможно, пытающегося покончить жизнь самоубийством. Этот удивительный автопортрет входит в число других автопортретов Курбе, в которых он примеряет на себя «маски», переодевается в костюмы разных персонажей («Скульптор», «Виолончелист», «Раненый человек», «Мужчина с трубкой» и др.), передавая разные состояния души.

Зал по соседству переносит нас в мир романтической пейзажной живописи 1800-1840 годов. В истории живописи пейзажный жанр долгое время считался менее «почетным» по сравнению с картинами на исторические, мифологические или библейские темы. Однако отношение к пейзажу поменялось с наступлением эпохи романтизма, когда на первый план вышла творческая свобода художника, интерес к теме природы и стихийных, естественных чувств человека. Под влиянием негативных последствий научно-технического прогресса и Просвещения романтики отвергли рационалистическую, механистическую концепцию природы. Философия и литература романтизма показывает природу как динамичный непредсказуемый организм, не поддающийся контролю человеческим разумом.

В начале XIX века этот новый взгляд на природу как первобытную одухотворенную сущность активно проникает в немецкую и скандинавскую живопись. На картинах немецких художников Каспара Давида Фридриха (1774-1840) и его друга Карла Густава Каруса (1789-1869) мы часто видим крошечные одинокие фигуры людей, затерянных в бескрайней молчаливой природе, созерцающих ее величие. Художники романтического направления предпочитали пейзажи с задумчивой, подчас мистической атмосферой. Они изображали мир в сумерках или при лунном освещении, когда купола и башни городов выделяются черными силуэтами на фоне яркого неба. Особенно близки такому мироощущению были меланхолические мотивы, отсылающие к прошлым цивилизациям: древние гробницы, руины замков и монастырей, кладбища.

Из скандинавских представителей этого направления назовем И.-X. Даля (Johan Christian Dahl) (1788-1857), который считается основоположником норвежского национального пейзажа. Испытав влияние немецкого романтизма и в частности Каспара Давида Фридриха, он часто писал пейзажи при лунном свете или на закате, в том числе виды Италии, Германии и, конечно, родной Норвегии. Подробнее об этом художнике мы поговорим в зале, посвященном его творчеству.

Далее проходим в зал, посвященный Золотому веку датского искусства — периоду, который охватывает историю развития датского искусства и, в частности, живописи в 1800-1850 годах. Несмотря на серьезные политические и экономические проблемы в стране, Копенгаген в первой половине XIX века стал важным центром новых идей в искусстве и науке. Здесь работала крупная Академия искусств, где учились, преподавали и выставлялись датские и норвежские живописцы (даже после получения Норвегией независимости в 1814 году), в том числе И.-X. Даль (1788-1857) и Кнут Бааде (Knut Baade) (1808-1879).

Наряду с портретными и пейзажными работами, многие художники создавали картины с повседневными жанровыми сценами, завоевавшие популярность среди состоятельной публики. Датские художники Йенс Юэль (Jens Juel) (1745-1802) и К.В. Эккерсберг (Christoffer Wilhelm Eckersberg) (1783-1853) писали реалистичные портреты, отражавшие добродетели, которые ассоциировались с честной семейной и гражданской жизнью. Из поздних картин Эккерсберга следует отметить морские пейзажи, например «На рейде в Копенгагене 1 мая 1832 года» (Københavns Reed Den 1. May 1832). Другие мастера, такие как Кристен Кёбке (Christen Købke) (1810-1848) и Константин Хансен (Constantin Hansen) (1804- 1880), предпочитали более экзотические мотивы, в том числе пейзажи и картины жизни в Италии.

Одной из ярчайших звезд на этом художественном небосклоне был знаменитый датский скульптор Бертель Торвальдсен (Bertel Thorvaldsen) (1770-1844), который прожил в Италии более сорока лет. В своей мастерской в Риме плодовитый Торвальдсен создавал скульптуры на античные сюжеты по заказу богатейших людей Европы. В Национальной галерее в Осло из работ Торвальдсена можно увидеть лишь композицию «Три грации внимают песне Амура» (De tre gratier lytter til Amors sang) (1821).

В следующем зале демонстрируется множество небольших картин или этюдов норвежских художников, выполненных в XIX веке. На следующей фотографии видны два замечательных портрета крестьян кисти Кристиана Крога (1888), приморский пейзаж Эйлифа Петерссена (1889), зарисовка «Монахи на палубе» работы Фрица Таулова (1898) и деревенский пейзаж «Вилье-ле-Бель» норвежской художницы Асты Нёррегор.

В зале, посвященном творчеству уже упоминавшегося И.-X. Даля (Johan Christian Dahl) (1788-1857), можно увидеть более десятка работ этого крупнейшего норвежского художника-пейзажиста. Юхан Кристиан Даль был первым норвежским живописцем, достигшим всемирной славы. В своих изображениях природы он сочетал романтическое ощущение гармонии с реалистическим вниманием к деталям, основанным на тщательных наблюдениях. Даль родился в Бергене. Он происходил из бедной семьи, но пожертвования состоятельных сограждан позволили ему с 1811 года начать обучение в Академии художеств Копенгагена. Там юный художник проявил необычайный талант в области пейзажной живописи, работая в стиле голландских мастеров XVII века. Совершив поездку в Италию, Даль затем прочно осел в Дрездене, где вращался в кругу Каспара Давида Фридриха и в 1824 году получил профессорскую кафедру. Летом художник неоднократно совершал путешествия в родную Норвегию, где много работал с натуры. Сделав подготовительные эскизы, он использовал их для создания крупных законченных композиций в дрезденской мастерской.

Творчество И.-X. Даля было источником вдохновения для художников дальнейших поколений, которые восхищались его способностью создавать пейзажи, полные жизни и движения. Он изображал облака, проплывающие над горами, бурлящие водопады, корабли в бушующем море, города в лунную ночь... В Национальной галерее можно увидеть довольно много картин Даля, в том числе «Гавань Ларвика в лунном свете» (Larvik havn i måneskinn) (1839) и «Кораблекрушение у норвежского побережья» (Skibbrudd ved den norske kyst) (1832). Последняя является самой известной работой художника.

Далее нас ждет зал, посвященный картинам Томаса Фернли (Thomas Fearnley) (1802–1842) и норвежской пейзажной живописи 1830-1870 годов. Отцом этого жанра считается, как мы теперь знаем, И.-X. Даль, и многие художники пошли по его стопам. Самым известным его учеником стал Томас Фернли, который рано умер, но успел оставить заметный след в истории искусства.

Фернли много путешествовал, в 1829-1830 годах учился в Дрездене у Даля, который стал для него не только учителем, но и близким другом. В творчестве Фернли природа предстает дикой, могущественной силой. Его излюбленными мотивами были горы, водопады и глухие, заброшенные уголки сельской местности. Картина «Старая береза на ферме Слинде (у Согне-фьорда)» («Береза на холме») (Slindebirken) (1839) поражает подбором красок и живописной композицией и недаром считается одним из главных шедевров Томаса Фернли, «каноническим» произведением в истории норвежской живописи. Эту знаменитую березу изображали многие художники-романтики, и хотя в 1874 году дерево рухнуло, оно продолжает «жить» на их картинах. Подробнее о березе можно прочитать тут.

Помимо работ Фернли, в зале можно полюбоваться романтическими видами норвежской природы кисти Педера Балке (Peder Balke) (1804-1887), меланхолическими лесными пейзажами Августа Каппелена (Hermann Cappelen) (1827-1852), а также картинами Ларса Хертервига (Lars Hertervig) (1830-1902), которого в Норвегии называют «художником света» (Lysets maler).

Ларс Хертервиг создавал фантастические полувоображаемые пейзажи побережья в окрестностях Ставангера, где обосновался после обучения в Дюссельдорфской академии художеств у Ханса Гуде. Талантливый художник всю жизнь страдал от психических болезней и жил в нищете, не имея средств даже на масляные краски и холсты. Для пейзажей Хертервига характерна атмосфера таинственной тишины и завораживающее свечение. Деревья, скалы и облака у него часто принимают причудливые очертания, выражая душевное состояние самого художника. Пейзажи Хертервига с их пронзительно голубым небом и удивительными красками оказывает сильнейшее впечатление на зрителя.

Теперь пройдем в зал, экспозиция которого называется «Норвежские художники в Дюссельдорфе и Мюнхене, 1840-1880 годы». Длительное время норвежские художники были вынуждены ездить получать образование за границу, поскольку в Норвегии академий не было. В XIX веке большинство норвежских художников учились в Германии. Одной из самых современных в тот период была Дюссельдорфская академия художеств. В 1850-х годах здесь преподавал известный норвежский художник-пейзажист и маринист Ханс Гуде (Hans Gude) (1825- 1903), у которого учились многие норвежские, финские и шведские живописцы. Гуде создал ряд национально-романтических горных пейзажей, а в 1860-х годах обратился к морской тематике. Сотрудничавший с ним Адольф Тидеманд (Adolph Tidemand) (1814-1876), другой представитель Дюссельдорфской школы, наиболее известен картинами повседневной народной жизни.

Вместе с Хансом Гуде он создал знаменитое полотно «Поезд невесты в Хардангере» («Свадебная процессия на Хардангер-фьорде») (Brudeferd i Hardanger) (1848), которое служит одним из главных украшений этого зала.

При работе над этой картиной художники разделили обязанности: Ханс Гуде писал пейзажную часть, а Тидеманду было поручено изображение человеческих фигур и лодок. Получилось классическое национально-романтическое произведение, с идиллическими горными видами и любовью к народной культуре с ее обрядами, костюмами, музыкальными и кулинарными традициями.

В предыдущей заметке мы познакомились с историей Национальной галереи (Nationalgalleriet), которая входит в состав Национального музея искусства, архитектуры и дизайна Норвегии (Nasjonalmuseet). Поговорили о ее коллекции и упомянули основные шедевры. Прогулялись по десятку залов, посвященных старому западноевропейскому искусству, в том числе скандинавскому. Узнали таких светил норвежской живописи, как глава романтического направления Юхан Кристиан Даль и представитель реализма Кристиан Крог. Однако пора посмотреть на более современную, менее традиционную живопись.

В этом крыле Национальной галереи нас ждут как интернациональные звезды, так и выдающиеся норвежские художники, в том числе главное достояние музея — Мунк. Но пойдем по порядку.

В зале «От Мане до Сезанна» представлены в основном французские импрессионисты, в том числе Эдуард Мане (1832-1883) и Эдгар Дега (1834-1917). Во второй половине XIX века именно Париж стал столицей современной художественной жизни, городом, куда стекались художники изо всех уголков мира. Для удовлетворения растущего спроса создавались частные художественные галереи и школы искусств. Более радикально настроенные художники создавали собственные выставочные центры, протестуя против узости и буржуазности господствующего направления в искусстве.

Эдуард Мане, хотя и вышел из реализма, совершенно по-новому подходил к изображению традиционных мотивов и сцен городской жизни, а также отличался от предшественников более шероховатой, эскизной манерой письма. Творчество Мане было источником вдохновения для многих норвежских художников, и не в последнюю очередь для уже знакомого нам Кристиана Крога, чья картина «Портрет шведского художника Карла Нордстрёма» (Den svenske maleren Karl Nordström) (1882) привлекла наше внимание в этом зале.

Импрессионисты Клод Моне (1840-1926), Эдгар Дега (1834-1917), Огюст Ренуар (1841-1919) дальше развивали мотивы и технические приемы Эдуарда Мане. Они предпочитали работать на пленэре, чтобы наблюдать и воспроизводить переменчивые эффекты света и цвета. Эти художники знали, что любая сцена меняется непрерывно, не только с изменением времен года, но от минуты к минуте, и пытались уловить это мимолетное впечатление. Импрессионисты отказались от академических сюжетов и стали отдавать предпочтение будничным сценам домашней жизни, отдыха или прогулок на природе.

В этом же зале можно увидеть работы Сезанна, Ван Гога и Гогена.

В частности, стоит обратить внимание на поздний «Автопортрет» Ван Гога, написанный в 1889 году, за год до смерти художника. На этой картине с болезненным колоритом представлен образ душевно надломленного человека, с замкнутым, подозрительным взглядом. В этот момент Ван Гог переживал депрессию: его картины не продавались, и ему по-прежнему приходилось жить за счет брата. Годом ранее в припадке сумасшествия Винсент отрезал себе мочку левого уха. Впоследствии этот эпизод сочтут признаком душевного расстройства, которое и привело Ван Гога к самоубийству. Автопортреты, созданные им в Провансе, являются жесткими и волнующими «документами» последних лет его короткой трагической жизни.

Среди французских мастеров затесался и Эдвард Мунк (1863-1944) — с картиной «Улица Лафайет» (Rue Lafayette) (1891). Более знаменитые работы Мунка мы еще увидим, а сейчас перед нами одна из его ранних, малоизвестных картин. В 1889 году Мунк получил стипендию от норвежского государства и отправился в Париж, где познакомился с современными художниками, ощутил ритм и пульс большого города. Именно это ощущение мегаполиса передано в данной картине, изображающей вид на оживленную парижскую улицу. В полотне, написанном ритмичными пестрыми наклонными мазками, заметно влияние импрессионистов (это влияние, как показано дальнейшее творческое развитие Мунка, оказалось весьма кратковременным). Создаётся атмосфера бурной, пульсирующей жизни, которую наблюдает отстраненная фигура на балконе. Весной 1891 года Мунк снимал квартиру на Rue Lafayette, 49, и на картине, вероятно, изображен как раз вид из этого дома.

В следующем зале, который озаглавлен «Скандинавское искусство 1880-1910 годов: реализм и живопись на пленэре», можно убедиться, что Норвегия дала миру не только Мунка, но и ряд других талантливых живописцев, пусть и творивших в другой, более традиционной манере. В 1880-х годах реалистичные полотна, создаваемые на пленэре, получили особое распространение в скандинавских странах. Многие художники совершали путешествие в Париж, чтобы научиться у своих французских коллег-импрессионистов работе на открытом воздухе. Они стремились отображать мир без искажений и без прикрас. Правдивость стала считаться главной целью художника, и многие живописцы теперь находили мотивы в своем непосредственном окружении и уделяли особое внимание передаче света и атмосферных эффектов. Эти новые идеалы требовали серьезных навыков, наблюдательности и умения работать на высокой скорости.

Некоторые норвежские художники, как, например, Фриц Таулов (Frits Thaulow) (1847-1906), находили вдохновение в образах зимней природы и не боялись работать прямо на морозе. Другие, как норвежский художник-пейзажист Густав Венцель (Gustav Wentzel) (1859—1927), предпочитали создавать реалистичные изображения интерьеров и сцен домашней жизни, тщательно выписывая все детали.

Соседний зал, «Скандинавское искусство 1880-1910 годов: повседневная жизнь и местная среда», позволяет увидеть жанровые картины скандинавских мастеров. В период национального романтизма в середине XIX века популярными темами художественного творчества стали крестьянская жизнь и народная культура. Но к 1880-м годам многие художники отказались от этих идиллических картин в пользу большей «правды жизни». Они стали изображать реалистичные и эмоционально наполненные сцены повседневных трудностей и лишений, с которыми сталкивается простой народ.

Выдающийся норвежский пейзажист и жанрист Эрик Вереншёлль (Erik Werenskiold) (1855-1938) работал в губернии Телемарк, создавая пейзажи и жанровые картины на темы крестьянской жизни, вдохновленные французскими импрессионистами. В Национальной галерее можно увидеть его известную картину «Крестьянские похороны» (En bondebegravelse) (1883-1885). Сельские похороны изображены здесь на фоне жизнерадостного светлого пейзажа, и этот контраст дополнительно подчеркивает трагичность события.

Кристиан Крог, о котором мы уже неоднократно говорили, не раз проводил лето в датском приморском городе Скаген вместе с другими скандинавскими художниками. Но кроме морских пейзажей его весьма привлекали интерьерные сцены. Небольшие, камерные, яркие по колориту картины Крога вводят нас в повседневную жизнь простых людей, бедных рыбаков.

Из работ Крога в этом зале обратите внимание на картины «Больная девочка» (Syk pike) (1880-81) и «Плетение косы» (Håret flettes) (ок. 1888) (эта мастерски выполненная работа относится как раз к периоду пребывания в Скагене и знаменует этап более зрелого творчества под влиянием знакомства с французским искусством).

Датский художник Лауриц Андерсен Ринг (Laurits Andersen Ring) (1854-1933), один из видных представителей скандинавского символизма и социального реализма, также часто изображал крестьянскую жизнь и сельские пейзажи. Картина «В месяце июне» (I juni måned) (1899) проникнута особенным настроением. Девушка в черном платье (молодая жена Ринга) сидит у забора в поле и дует на одуванчик, и создается впечатление, будто художник сам сидел на траве рядом с ней, столь живо и непосредственно переданы все детали. Вдалеке виднеется крестьянский двор. Но, как и в других произведениях Ринга, перед нами не просто изображение реального мира: в картине присутствуют элементы символизма. Рассеивание семян одуванчика можно трактовать как магический ритуал: женщина олицетворяет плодородие, рождает новую жизнь. Между прочим, первый ребёнок художника появился на свет в том же году, когда была создана эта картина.

Следующий зал озаглавлен «Скандинавское искусство 1880-1910 годов: интерьеры и портреты». Возвращаясь домой после обучения в Париже, скандинавские художники стремились найти темы для картин в своей непосредственной окружающей среде. Часто они изображали уютные домашние интерьеры с читающими или работающими людьми. Это позволяло художнику самому контролировать условия освещения и расстановку фигур. Моделями нередко выступали домочадцы, друзья или коллеги. Также в этот период приобрели популярность портреты и автопортреты. Норвежская художница Гарриет Баккер (Harriet Backer) (1845-1932), одна из первых в Скандинавии женщин-художниц, специализировалась на создании атмосферных интерьерных картин. Чаще всего это были интерьеры храмов или частных домов. В музее можно увидеть, например, картину Гарриет Баккер «Шитье при свете лампы» (Syende kvinne ved lampelys) (1890).

Датский художник Вильгельм Хаммершёй (Vilhelm Hammershøi) (1864-1916) предпочитал изображать интерьер своей собственной квартиры в Копенгагене. Там он создавал полные тишины и покоя меланхоличные картины с одинокими фигурами, отличающиеся почти монохромной гаммой, с особым вниманием к строгости композиции и световым эффектам. В этом зале демонстрируется его картина «Коллекционер монет» (Myntsamleren) (1904).

Художники-портретисты, такие как знакомый нам норвежец Кристиан Крог, его жена художница Ода Крог (Oda Krohg) (1860-1935) и шведский художник Рихард Берг (Richard Bergh) (1858-1919), часто создавали портреты своих друзей и близких.

Ода Крог (урожденная Ода Лассон) училась у Эрика Вереншёлля и Кристиана Крога, а в 1888 году стала женой последнего. В 1880-х и 1890-х годах она была центральной фигурой в кружке норвежской богемы («богема Кристиании»), куда входили Кристиан Крог, Эдвард Мунк, Ханс Егер, Яппе Нильсен и другие.

Следующий большой зал поражает особенной атмосферой, которую создают магические полотна насыщенной синей гаммы на фоне белой стены. Здесь мы погружаемся в мир норвежской «атмосферной живописи» или «живописи настроения» 1890-х годов. Термином Stemningsmaleriet (в английском варианте — Moodpainting) обозначают картины, передающие определенное настроение или атмосферу в природе; это был излюбленный жанр норвежской живописи в конце XIX века. Жанр этот возник в качестве реакции на несколько однобокое увлечение реализмом. Художники «атмосферного» направления стремились создавать более эмоциональные полотна, используя нестандартный колорит и собственные стилистические приемы. Многие из них в поисках своих корней селились в небольших деревнях, ближе к нетронутой природе, где создавали поэтичные пейзажи.

Летом 1886 года ряд норвежских живописцев собрался на ферме Флескум (Fleskum) недалеко от Осло. Это собрание, получившее название Fleskumsommeren, положило начало неоромантизму в норвежском искусстве. Эйлиф Петерссен (Eilif Peterssen) (1852-1928) и его ученица Китти Хьелланн (Kitty Kielland) (1843-1914) написали здесь лирические картины, передающие настроение летней ночи.

Норвежские художники Харальд Сольберг (Harald Sohlberg) (1869-1935) и Хальфдан Эгедиус (Halfdan Egedius) (1877-1899) создавали атмосферные символистические пейзажи.

Очень впечатляют картины Сольберга «Летняя ночь» (Sommernatt) (1899), «Зимняя ночь в горах» («Зимняя ночь в Рондане») (Vinternatt i fjellene/Vinternatt i Rondane) (1914) и «Цветочный луг на севере» (En blomstereng nordpå) (1905).

Именно фантастические пейзажи гор Рондане в средней Норвегии и улиц города Рёрус стали визитной карточкой творчества Харальда Сольберга, ярчайшего представителя символистического пейзажа в норвежской живописи. «Зимняя ночь в Рондане» — самая известная работа Сольберга. Он создал несколько версий этой картины. Пейзажи Сольберга запоминаются необыкновенно яркими, светящимися красками и меланхолической атмосферой. Они уносят в какой-то потусторонний мир. Недаром картины этого художника называют «пейзажами для души».

Из работ Хальфдана Эгедиуса в зале можно увидеть картину «Мечтатель» (Drømmeren) (1895), изображающую задумчивого норвежского художника по имени Торлейв Стадсклейв (Torleiv Stadskleiv).

Также хорош «Портрет Мари Класен» (Mari Clasen) (1895), написанный Эгедиусом смело и мощно, с сочными, глубокими красками и превосходными эффектами светотени. Портрет лишен романтической сентиментальности, которая часто встречается в изображениях нарядно одетых крестьянских девушек. Перед нами бойкая, знающая себе цену Мари Класен, дочь зажиточного фермера из губернии Телемарк. Художник познакомился с ней в 1892 году, и она стала его возлюбленной, хотя молодые люди так и не поженились. Эгедиус скончался в 1899 году в возрасте 22 лет из-за актиномикоза. А через несколько месяцев умерла от туберкулеза Мари. Разве можно в это поверить, глядя на ее светящийся портрет?

Отметим еще картину Эгедиуса «Девушки танцуют» («Танец в большой комнате») (Dans i storstuen) (1895). Наряду со всеми вышеперечисленными полотнами, эта работа была создана художником плодотворным летом 1895 года, которое он, как и следующее, провел в Телемарке, наблюдая за сельской жизнью и проникаясь крестьянской культурой. Картины этих двух лет относятся к лучшим произведениям норвежской живописи.

В этом же зале выставлено несколько произведений самого, пожалуй, знаменитого норвежского скульптора Густава Вигеланна (Вигеланда) (Gustav Vigeland) (1869-1943), автора замечательного парка скульптур в Осло.

Это, в частности, бронзовая композиция «Мать с ребенком» (Morogbarn) (1907) и ранняя работа «Танец» (Dans) (1896).

Наконец переходим в зал Эдварда Мунка (Edvard Munch) (1863-1944), самый большой и популярный зал в этом крыле. Здесь представлены самые известные картины Мунка, созданные им в 1880-1919 годах.

Эдвард Мунк в особых представлениях не нуждается. Это, бесспорно, самый известный норвежский художник. Его произведения повлияли на формирование стиля, впоследствии получившего название экспрессионизм, а картина «Крик», одну из версий которой можно увидеть в этом музее, считается «иконой экспрессионизма». Экспрессионизм знаменовал рождение нового искусства, направленного не на поверхностное отображение реальности, а на выражение субъективных переживаний, бьющих через край эмоций восторга, тревоги, боли, разочарования или страха. Для представителей этого течения превыше всего выражение эмоционального состояния автора. Отсюда — субъективный выбор темы, цветовой гаммы, формата картины.

Жизнь Мунка, его личные переживания и воспоминания нитью проходят через всё его творчество. Многие из его лучших работ построены на травматическом опыте его детства. В 1890-х годах он начал работать над циклом «Фриз жизни» (Livsfriesen) — серией картин на темы жизни и смерти, сексуальности и страха. «Болезнь, безумие и смерть были ангелами у моей колыбели и с тех пор сопровождали меня всю жизнь», — писал Мунк [8]. «В нашем роду только болезни и смерть. Мы с этим родимся» [7].

Его мать умерла от туберкулёза, когда мальчику было пять лет, а сестра Софи — когда ему было тринадцать, от той же болезни, в 1877 году. Это Софи изображена на картине «Больной ребенок» («Больная девочка») (Det syke barn) (1885-1886), а рядом с умирающей девушкой — их с Эдвардом тетка Карен Бьёльстад. Картина выдержана в неярких серых и зеленых тонах, линии мягки и едва намечены. Облагороженное смертью лицо девушки повернуто к свету, оно словно сливается с ним, превращается в свет. В двадцать три года Мунк создал эту свою первую важную картину, ошеломившую современников и вызвавшую бурю критики, обвинения в «незавершенности и бесформенности». Сам Мунк считал эту картину переломным моментом, разрывом с реалистическим искусством. Мотив «комнаты умирающего» появлялся впоследствии в творчестве Мунка неоднократно, да и сама композиция «Больная девочка» тоже существует не менее чем в шести вариантах. «Я пишу не то, что вижу, а то, что видел», — сказал как-то Мунк о своих работах.

Этой же теме посвящена картина «Смерть в комнате больного» (Døden i sykeværelset) (ок. 1893). Члены семьи собрались в комнате Софи, которая сидит на стуле спиной к зрителю. Справа стоит тетка Карен Бьёльстад, которая взяла на себя ведение хозяйства в семье Мунков после смерти своей старшей сестры, матери Эдварда. На заднем плане изображен отец художника с молитвенно сложенными руками, которые символизирует и набожность, и бессилие: будучи по профессии врачом, доктор Кристиан Мунк, вероятно, чувствовал себя возле умирающей дочери вдвойне беспомощным. Мужская фигура ближе к центру картины — это, видимо, сам Эдвард. На переднем плане сидит его сестра Лаура со сложенными на коленях руками, а сестра Ингер стоит лицом к нам. В мужской фигуре слева обычно видят младшего брата Эдварда, Андреаса.

В картине каждый погружен в себя, персонажи предельно замкнуты, физический контакт между ними отсутствует и в комнате господствует мрачная, подавляющая атмосфера. Сцена тщательно скомпонована, в ней нет ничего лишнего. Темные одежды персонажей и ядовито-зеленые стены комнаты усугубляют гнетущее впечатление.

На картине «Переходный возраст» («Созревание») (Pubertet) (1894-95) Мунк изобразил хрупкую обнаженную девочку примерно четырнадцати лет, сидящую на краю постели скрестив руки на коленях. За ее спиной нависает, как призрак, тяжелая, непропорционально большая, зловещая тень, создающая ощущение угрозы. Мы чувствуем страх девушки от того, что в ее теле просыпаются какие-то неведомые, пугающие силы, пробуждается сексуальность. Возможно, ее напугал эротический сон или первая менструация. Так или иначе, Мунк показывает половое чувство как темную и опасную силу. Картина, как и многие другие работы Мунка, существует в нескольких вариантах. Версия, хранящаяся в Национальной галерее в Осло, была написана в Берлине.

Еще одна картина Мунка, вызвавшая много шума, — «На другой день» (Женщина после бурной ночи) (Dagen derpå) (1894-95). Полуобнаженная женщина с расстегнутой на груди блузой лежит на кровати. Рядом — стол с бутылками и стаканами. Рука и волосы откинуты в сторону зрителя. Наконец женщина может поспать. Когда в 1908 году Национальная галерея в Осло купила эту картину, один из ведущих критиков написал: «Отныне горожане не смогут водить своих дочерей в Национальную галерею. Доколе пьяным проституткам Эдварда Мунка будет разрешено отсыпаться с похмелья в государственном музее?» [8]

В 1895 году Мунком был написан «Автопортрет с сигаретой» (Selvportrett med sigarett). Мунку тогда был 31 год. Художник изобразил себя лицом к зрителю на фоне неясного темного фона. Его лицо и руки освещены ярким светом, как будто он выступает из тьмы, полной странных теней. Пристальный взгляд художника обращен на самом деле не на зрителя, а внутрь себя. Его фигура освещена снизу, и вместе с размытым фоном и дымом от сигареты это придает картине атмосферу таинственности. Возможно, здесь нашло отражение увлечение Мунка мистикой под влиянием Стриндберга. За пару лет до создания этой картины Мунк жил в Берлине, где был участником интернационального богемного кружка, куда входили Густав Вигеланн, Август Стриндберг и польский писатель Станислав Пшибышевский. Все они были завсегдатаями артистического кафе «У чёрного поросенка» (Zum Schwarzen Ferkel). Именно Пшибышевский написал первую биографию Мунка, а женой Пшибышевского, Дагни Юль, увлекались в том числе Мунк (она неоднократно ему позировала) и Стриндберг.

Посмотрим теперь на портрет писателя Ханса Егера (1889). Здесь Мунк изобразил писателя-анархиста и социального критика Ханса Егера (Hans Jæger) (1854-1910). Егер, автор «Библии анархиста» и романа «Богема Христиании», не признавал мораль и религию, видел в христианстве причину всех зол, ненавидел брак как опору ханжества, придерживался идеи свободной любви и считал величайшей добродетелью человека честность и откровенность. В Осло (Кристиании) Егер был одной из центральных фигур богемного радикального кружка писателей и художников, в который одно время (в 1880-х) входил и Мунк. На портрете Мунка Ханс Егер представлен как надменный отстраненный человек, который небрежно откинулся на спинку дивана и словно бы изучает нас сквозь очки. Постепенно Мунк дистанцировался от богемного кружка Егера, но продолжал относиться к старшему товарищу и его идеалам с уважением.

Одной из главных тем в творчестве Эдварда Мунка были отношения между мужчинами и женщинами, причем женщина зачастую предстает как пугающее существо, носительница смерти. У художника было множество коротких романов, но ни одну свою связь с женщинами он не вспоминал с радостью или благодарностью. «Мунк говорил о них как о странных и опасных крылатых существах, пьющих кровь из своих беспомощных жертв. Любовный эпизод юности, когда ему отстрелили сустав пальца, вызвал к жизни весь скрывавшийся в нем страх. Он боялся женщин. Он говорил, что, несмотря на всю их прелесть и очарование, они — хищные звери» [7]. Под одной своей картиной Мунк написал: «Улыбка женщины — это улыбка смерти» [8].

Одна из известнейших картин Мунка на эту тему — «Мадонна» (Madonna) (1894-95) из цикла «Фриз жизни». Этот мотив существует в нескольких вариантах и первоначально назывался «Любящая женщина» или «Женщина в акте любви» (Kvinne som elsker). Был и другой вариант названия: «Зачатие». Помимо варианта маслом, Мунк исполнил «Мадонну» в виде литографии, которая отличается рамой с изображениями сперматозоидов и маленького эмбриона. На лице молодой обнажённой женщины с распущенными волосами блуждает странная усмешка. Полузакрытые в экстазе глаза и поза указывают на любовный акт. Мягко изгибающиеся линии вокруг ее тела создают овальную змеевидную форму, напоминающую ореол, а вокруг головы светится «нимб», но не золотой, а красный — как страсть, боль, жизнь. Этот нимб вместе с названием картины рождают религиозные аллюзии, создающие удивительный контраст с явно эротической темой полотна. В то же время религиозные элементы подчеркивают экзистенциальную серьезность изображенного. В этом можно усмотреть обожествление оргазма как жизнетворного акта. Также картину трактуют как странный религиозный образ, прославляющий декадентскую любовь. Культ сильной роковой женщины, подавляющей мужчину, придает фигуре монументальные размеры, но одновременно делает ее образ дьявольским, вампирообразным. Позировала Мунку для «Мадонны» его подруга норвежка Дагни Юль, жена писателя Станислава Пшибышевского.

На картине «Пепел» (Aske) (1894) мы видим женщину в светлом платье на темном фоне вертикальных древесных стволов. Ее широко открытые глаза, растрепанные волосы и распахнутый лиф говорят нам, что произошло в лесу. Руками она схватилась за голову, и вся ее фигура выражает отчаяние, но одновременно некую победоносную силу. В нижней левой части картины изображен мужчина, повернувшийся к женщине спиной, погруженный в себя. Герои уже не касаются друг друга: лишь длинный рыжий волос протянулся до плеча мужчины.

«Я чувствовал, что наша любовь лежит на земле как куча пепла», — написал Мунк на литографическом варианте этой композиции. Картина полна контрастов и напряжения: открытые и замкнутые формы, прямые и извилистые линии, темные и светлые цвета. «Пепел» — одна из самых пессимистичных работ Мунка на тему отношений мужчины и женщины. Мужчина, как это часто бывает у Мунка, показан более слабой, проигравшей стороной. Здесь, очевидно, нашел отражение личный опыт художника, который всю жизнь боялся женщин.

Картина Мунка «Меланхолия» (Melankoli) (известна еще под названием «Ревность»), написанная под впечатлением от пейзажей Осгордстранда, также затрагивает тему отношений между мужчиной и женщиной. Произведение существует в нескольких версиях. Данный вариант был написан в 1892 году. На картине «Меланхолия» извилистая береговая линия проходит по диагонали в сторону пирса, на котором можно различить три фигуры, которые готовятся уплыть на пришвартованной лодке. Мужчина на переднем плане отвернулся от них. Его голова и понурые плечи четко выделяются на фоне бледного пляжа, а форме головы вторят большие валуны на берегу. Из цветов преобладают меланхоличные оттенки голубого, лилового и бежевого, смягченные летней ночью. В картине заметны характерные для символизма приемы упрощения и стилизации.

Предполагают, что главный персонаж картины — друг Мунка, писатель и критик Яппе Нильсен, входивший в круг «богемы Кристиании» вместе с Одой Крог, Хансом Егером и другими. В тот период Нильсен как раз переживал несчастную любовь к обаятельной и талантливой художнице Оде Крог, жене Кристиана Крога, которую называли «королевой богемы». Наряду с другими работами, картина «Меланхолия» демонстрировалась на большой выставке Мунка в Берлине в 1892 году. Выставка вызвала скандал и была закрыта через несколько дней. В прессе поднялась настоящая буря критики, но главное, что эти дебаты привлекли внимание публики и ценителей искусства к Мунку и его творчеству. Так что скандал в каком-то смысле принес художнику успех, и у него появилось много почитателей. Уже через несколько лет критики, в том числе немецкие, стали к художнику куда более благосклонны, хотя широкая публика продолжала находить его работы странными.

На полотне Мунка «Лунный свет» (Måneskinn) (1895) представлено упрощенное изображение норвежского прибрежного ландшафта в свете летней ночи. Тематически эта работа близка к картине «Голос» (сейчас в музее Мунка), написанной ранее и изображающей женскую фигуру на фоне лунного пейзажа. Но, в отличие от нее, в картине «Лунный свет» присутствует только природа. Наше внимание привлекает необычный столб лунного света, варианты которого встречаются в нескольких картинах Мунка; горизонтальный противовес лунной дорожке и строгой вертикали деревьев образует извилистая линия побережья. Застывший пейзаж хорошо передает состояние природы. В то же время в картине можно усмотреть и сексуальность, если трактовать воду и мягкие изгибы берега как символ женственности, которой противостоит жесткая вертикаль деревьев и колонны света (по словам Петра Вайля, «фаллос лунной дорожки врезается в похотливо прогнувшийся берег Осло-фьорда» [8]).

Картина предположительно была написана в городке Осгордстранд (Åsgårdstrand), где Мунк часто проводил лето. Это место он очень любил. Море и здешние пейзажи притягивали и вдохновляли художника. В 1889 году он приобрел здесь дом, куда возвращался на протяжении более 20 лет почти каждое лето (в этом доме, Munchs hus, сейчас музей). Виды региона встречаются в целом ряде картин Мунка 1890-х годов. «Береговая линия в Осгорстранде, маленькие домики и узкие крутые улочки многое ему говорили. Здесь он нашел свой пейзаж, линии, условия, которые лучше соответствовали состоянию его духа» [7]. «Гулять по Осгордстранду — это будто гулять среди моих картин. У меня непреодолимое желание писать, когда я нахожусь в Осгордстранде», — говорил Мунк [9].

Еще одно полотно Мунка, навеянное пейзажами Осгорстранда, — «Девушки на мосту» (Pikene på broen i Åsgårdstrand /Pikenepå bryggen) (ок. 1901), которое знаменует начало нового этапа в творчестве художника. Картина была создана в самом начале XX века после того, как Мунк вернулся из путешествия в Италию под впечатлением от ренессансного искусства. Его палитра стала ярче, чем в картинах 1890-х годов. Мы видим трех девушек в красочных платьях, облокотившихся на перила моста. На заднем плане — дом, большое дерево, отражающееся в воде, и полная желтая луна. Изображенный на картине дом существует и сегодня. Но, хотя композиция топографически точна, яркие цвета, извилистые формы и загадочные фигуры совершенно преобразуют сцену, так что перед нами скорее «внутренний пейзаж», отражение психологического состояния художника.

Весь этот лирический пейзаж светлой летней ночи проникнут таинственной, нереальной атмосферой, будто это происходит во сне. Картина навевает чувство ностальгии, горьковато-сладкого прощания с невинным прошлым. Искаженный, уплывающий в бесконечность мост и дорога намекают на уход, движение, как в пространстве, так и во времени. Композиция по обыкновению была выполнена Мунком в нескольких вариантах. Это был один из его излюбленных мотивов.

Посмотрим теперь на картину Мунка «Танец жизни» (Livets dans) (1899-1900), давшую название всей экспозиции Национальной галереи в Осло. «Танец жизни» — ключевая композиция из мунковского цикла «Фриз жизни». Художник изобразил несколько пар, кружащихся на траве в ясную летнюю ночь. Центральное место занимает женщина в ярко-красном платье, которое обвивается вокруг ног ее партнера по танцу, так что они становятся одним целым. По бокам стоят две одинокие женщины, одна молодая и свежая, в белом платье с цветами, другая — бледная, осунувшаяся, одетая в черное. Мунк рассказывает нам историю о разных этапах в жизни женщины. Виднеющийся вдали пляж, с его извилистой береговой линией и характерным морским ландшафтом, навеян видами всё того же Осгордстранда. Персонажи на переднем плане, имеющие основное значение для смысла картины, наделены индивидуальными чертами, тогда как фигуры на заднем плане играют роль ритмичных цветовых пятен или даже напоминают карикатуры (таков толстяк, который пытается поцеловать или, скорее, укусить свою партнершу в шею).

Возможно, Мунк написал эту картину под влиянием пьесы датского писателя-символиста Хельге Роде (Helge Rode) «Танец продолжается» (Dansen gaar), где описана похожая сцена. Эту пьесу художник впервые прочитал в 1898 году и потом хранил в своей библиотеке. Женские образы справа и слева от танцующей пары напоминают возлюбленную Мунка, рыжеволосую Туллу Ларсен (Tulla Larsen). Именно с ее именем связан упоминавшийся выше трагический эпизод 1902 года, когда в результате ссоры с отвергнутой любовницей у Мунка осталась пистолетная рана (возможно, он сам случайно нажал на курок, отбирая револьвер у женщины, пытавшейся покончить жизнь самоубийством). Так или иначе, тематика картины «Танец жизни» универсальна: различные фазы жизни и танец как выражение ее изменчивости и быстротечности. Женщины на переднем плане символизируют три стадии: юность и невинность; эротизм и привязанность; и, наконец, старость и уход. Как и многие другие картины Мунка, «Танец жизни» балансирует на грани между изображением реальной действительности и символом.

Мы завершим осмотр этого зала самой известной и растиражированной картиной Мунка, «Крик», которая, как ни удивительно, по-норвежски называется очень похоже: Skrik. Существует четыре варианта этой композиции, выполненные в разных техниках. Тот вариант, что находится в Национальной галерее, был создан в 1893 году. Это самая ранняя версия, выполненная маслом. Вообще Мунк писал «Крики» с 1893 по 1910 год, и все они имеют схожую композицию: на всех изображена охваченная ужасом фигура на фоне пейзажа с тревожным кроваво-красным небом. Сам Мунк изначально называл композицию по-немецки, Der Schrei der Natur, то есть «Крик природы». На литографической версии он сделал немецкую надпись: «Ich fühlte das Geschrei der Natur» («Я почувствовал крик природы»). Человеческая фигура на мосту предельно обобщена, универсальна, беспола. Главное для художника — передать эмоцию. Персонаж обхватил голову руками, его рот раскрыт в беззвучном вопле, а волнообразные линии пейзажа словно повторяют контуры слабой фигуры, обвивая ее чудовищными извилинами. От картины веет всепоглощающим страхом. Это одно из самых тревожных произведений в истории современного искусства. Недаром «Крик» считается «иконой экспрессионизма» и предтечей модернизма с характерными для него темами одиночества, отчаяния и отчуждения.

Дата добавления: 2015-08-09