Барокко и рококо в европейской культуре 18 в.

1. Барокко в архитектуре

2. Рококо во французской культуре

1. Наиболее значительные памятники были созданы в Баварии, Саксонии и Пруссии, Вене, где развивалось преимущественно барокко.

Бальтазар Нейман (1687-1753). Самая крупная постройка – резиденция архиепископа Франконии в Вюрцбурге: огромный дворец с четырьмя внутренними дворами и длинным фасадом (167 м), украшенным скульптурой. В интерьере наиболее интересна монументальная и изысканная парадная лестница.

Маттеус Даниель Пёппельман (1662-1736). Основное дело – сооружение парадной резиденции курфюрстов Саксонии – Цвингер (клетка для зверей). Воздвигая Цвингер, выдающийся правитель преследовал двоякую цель. Во-первых, в непосредственной близости от своего дворца Август Сильный желал видеть прямоугольное поле для празднеств и придворных увеселений. Во-вторых, на бывшей территории сада он вознамерился разбить оранжерею для выращивания очень модных тогда апельсинов. Кроме того, в 1709 году по случаю приезда короля Дании Август Сильный распорядился устроить здесь же парадный плац. представляет собой комплекс из четырёх зданий. Название происходит от его местоположения, в средневековье цвингером называли часть крепости между наружной и внутренней крепостными стенами: обширный двор окружен двухэтажными павильонами, соединенными одноярусными галереями с застекленными арками, в центре – купол с «короной». При жизни Пеппельмана комплекс ансамбля Цвингер не был завершен. К 1732 году были закончены только три стороны прямоугольного здания галерей, в том числе воздвигнуты «Ворота под короной», купол которых увенчан польской королевской геральдикой.

Четвертая, обращенная к Эльбе сторона сначала представляла собой кирпичную стену, несколько раз перестраивалась и обрела окончательный облик в 19 веке стараниями архитектора Готфрида Земпера. В 1847 году Земперу было поручено построить вместо стены картинную галерею, и он создал проект двухэтажного здания в стиле Высокого Возрождения.

Гаэтано Кьявери (1689-1770) – дворцовая церковь в Дрездене: над входом – высокая и обильно украшенная колокольня, высота и обилие украшений которой сразу притягивают к себе внимание.

Георг Бер (1666-1738) –храм Фрауэнкирхе в Дрездене. Облик дрезденского храма был строг, даже суров: для его декорации использовались лишь простые плоские архитектурные украшения, скульптура полностью отсутствовала. Бер попытался показать, что архитектура барокко прекрасно может передавать строгий и сосредоточенный дух протестантского богослужения.

Георг Венцеслаус Кнобельсфорд (1699-1747) – королевская резиденция Сан-Суси (фр. – без забот) в Потсдаме: одноэтажное, вытянутое, декорированное здание с овальным залом, удачно вписанное в парковую архитектуру – ощущение гармонии. Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Огромные окна-двери паркового фасада, делающие стену почти прозрачной, и плавно сбегающие в парк лестницы-террасы создают ощущение единства природы и дворцовых интерьеров. Все элементы: скульптура, декоративная живопись, мебель, зеркала — образуют цельный, тщательно продуманный ансамбль. Своей изысканной простотой резиденция должна была создавать ощущение гармонии, настраивать на особое восприятие мира — радостное и беззаботное.

Самым известным скульптором барокко был Адреас Шлютер (1660-1714) – конный бронзовый памятник курфюрсту Фридриху Вильгельму 2 в Берлине: в античной одежде и парике 17 в. Постамент подпирают скованные рабы, олицетворяющие побежденных врагов Пруссии, внимание к деталям, желание угодить.

Иоганн Бернгард Фишер фон Эрлах церковь Св. Карла Борромея (Карлскирхе) в Вене (1716—1737) - наиболее значительное произведение австрийского барокко, где ярко проявлялись оба влияния, итальянское и классическое французское. Карл дал обет своему святому покровителю построить Карлскирхе за спасение города от эпидемии чумы. Своим по-императорски великолепным зданием Фишер задумал не только прославить святого Карла, но и создать памятник императору. Созданный Фишером фон Эрлахом план венской церкви Сан-Карло Борромео состоит из центрированного ядра в окружении дополнительных отсеков. В этой церкви он попытался использовать и привести в гармонию основные идеи, заключенные в самых важных священных строениях — Иерусалимском храме, Пантеоне, и Соборе святого Петра в Риме, святой Софии в Стамбуле, а также Доме инвалидов в Париже и Соборе святого Павла в Лондоне. Относительно независимые части здания — пара римских высоких триумфальных колонн, низкие башни, высокий овальный купол, центральный портик, повторяющий римский храмовый фасад, поперечный неф готического собора (трансепт) ипресбитерий приводятся в гармонию для создания визуального единства для осмотра с любой точки. Соединение формальной и символической структуры здания возникло в результате его двойного назначения. Например, самая впечатляющая деталь церкви — пара огромных триумфальных колонн, стоящих на противоположных концах портика, украшенных рельефами на духовные темы, прославляющими жизнь святого Карла. Однако две колонны также намекают на герб императора — "Геркулесовы столбы". Внутреннее пространство — овальной формы и перекрыто овальным же куполом.

Итальяеское барокко претерпело изменения: криволинейность заменила овальность, меньше асимметрии, остался только декор. Барокко приблизилось к классицизму.

Филиппо Ювара (1678-1736) – выполнял заказы в Португалии и Испании, где и умер. В Италии его лучшие работы находятся в Турине: храм Суперга (древнеримский пантеон, но с богатым декором), палаццо Мадама (пристройка к средневековому замку, вестибюль с декоративной лестницей), королевский охотничий замок Ступиниджи (овальный зал с куполом, дворы с узкими аллеями, парк).

Совместная работа архитектора Никколо Сальви и скульпторов Пьетро Браччи и Джованни Батиста Маини – фонтан Треви и палаццо Поли (громоздкость).

Лучший памятник позднего барокко – Лестница на площади Испании (Испанское посольство) архитекторов Алессандро Спеки и Франческо де Санктиса: соединяет площадь с храмом, описывает фасад храма и обелиск и разделяется на 2 рукава. На площади находится фонтан Баркачча (La Barcaccia, Лодочка, 1629). Его создал Пьетро Бернини, отец знаменитого Джан-Лоренцо, сумевший использовать небольшую скорость струящейся воды и сконструировать подобие полузатопленной лодки.

2. Рококо (фр. Рокайль – раковина) – стилевая система светской к-ры. Родина – Франция, время – правление Людовика 15: легкомысленная атмосфера, наслаждение, галантные праздненства – стиль Помпадур. Мода 18 в. претерпела серьёзные изменения. Из Пруссии – парики: косы с 4-угольным бантом из чёрной тафты на конце, иногда 2 и более кос. Для каждого сословия – свой фасон парика. Затем стали причёсывать волосы как парик и пудрить. Символ достатка – перчатки, часы, трость, табакерки. Женский костюм: накрахмаленные юбки на каркасе из тростниковых и стальных обручей и распорок китового уса (1722 г. Нидерланды – субсидия в 600 тыс. флоринов об-ву китоловов, прибыльное дело). Каблуки до 15 см. причёски – в 8 раз больше головы, укрепляли проволокой и китовым усом, украшали павлиньими и страусиными перьями, шнурами, жемчугом, цветами. Мария-Антуанетта: горы, ручьи, долины; лес, парки, корабль с пушками. Болезнь волос – скромный кудрявый парик. Мужской костюм: застёгнутый укороченный кафтан с использованием китового уса, в конце 18 в. – фрак без карманом с узким стоячим воротником.

Разновидность барокко, отказавшегося от монументальности, или самостоятельный стиль? Принцип: ни одной прямой линии, ни одного прямого угла. Искусство изящное, но поверхностное. Термин «рококо» возник во Франции в конце 18 в., в эпоху расцвета классицизма, как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства 18 в.: изогнутая, капризная линия, напоминающая очертания раковины,— его главный признак. Искусство рококо — это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу — они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.

Основоположник в живописи – Антуан Ватто (1684-1721) – придворный живописец, любимец короля и Помпадур. Сын кровельщика, в юности – копиист. В Люксембургском дворце изучал картины Рубенса. В 1717 г. – звание академика за полотно «Паломничество на о-в Киферу»: отправляются или покидают? Фигуры со спины, подёрнутый дымкой фон – таинственное, меланхоличное звучание. В целом, пр-ния – образец утончённой живописи. Выполнены в неярких нежных тонах (секрет красок). Герои – актрисы в роскошных платьях, величественные мужчины, амуры, резвящиеся в воздухе. Создал новый тип сцен «Галантные праздники» - аристократические пасторали придуманного мира: «Праздник любви», «Радость жизни», «Общество в парке», «Венецианский праздник», «Пасторальные танцы». (с. 582-4). Как живописец – глубже и сложнее последователей: мир человеческих чувств – естественных, а не напыщенных барочных. В царстве мечты – реальные персонажи, чувства. Последние годы – тонкость письма и пластичность форм «Вывеска Жерсена». Рисунки в 3 цвета: ит.карандаш, сангина, мел – движение света, воздушная среда.

Франсуа Буше (1704-1770) – сменил предшественника при дворе. Любимец короля и Помпадур (с. 585), самый яркий представитель рококо. Работал в области декоративной живописи, делал эскизы для гобеленов (руководил королевской мануфактурой гобеленов) и росписи по фарфору (д-р королевской академии живописи и ск-ры), расписывал веера. Ввёл в моду небольшие рисунки, которые худ-ки хранили только для себя: мифологические сцены с амурами и нимфами, пасторальные жанровые сцены – нарасхват (с. 670, в.44). Характерные черты – декоративность, жеманность, фарфоровость. Эротизм и манерность – «Купание Дианы», «Туалет Венеры»: обилие розового и голубого, жеманная грация. В картине «Юпитер и Каллисто» обратился к «Метаморфозам» Овидия, пересказавшего миф о боге, который, влюбившись в нимфу Каллисто и желая её соблазнить, принял облик богини Дианы. Чувственный эпизод античной мифологии. Противники – Гримм (рисунки и колорит отвратительны) и Дидро (недостаток реализма).

Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) – уч-к Буше. Лёгкая кисть, изящная манера, прозрачные краски – передавал тело, ткань. Сюжеты картин:

-галантные праздненства («Поцелуй украдкой»), идиллистические сцены («Фонтан любви», с. 598, «Триумф любви», «Мечтания» в. 47), бытовые зарисовки («Качели»),портреты.

В отличие от других стилей, рококо не стал придворным искусством. Большинство построек – частные дома французской аристократии: городские особняки (отели) и загородные дворцы.

Отели имели парадный зал с большими окнами и комнаты с криволинейными очертаниями, украшенные скульптурой, живописью и зеркалами. Отель Субиз (по имени принца де Субиза), архитектор Пьер Алексис Деламер (1675-1745), имел необычный Овальный зал, углы которого были закруглены, а картины помещены в криволинейные рамки. Интерьеры отеля Субиз, как и других особняков первой половины столетия, представляют собой изысканный и органичный ансамбль архитектуры, живописи, скульптуры и прикладного искусства. Тонкие лепные декорации скульптора Эрпена сочетаются с наддверными живописными панно Тремольера и Буше, изящные бронзовые накладки украшают двери и мраморные камины, светло-зеленые и малиновые ткани, которыми затянуты стены, расшиты золотым узором. Резная деревянная мебель рококо, эскизы для которой делали известные декораторы Мейссонье и Оппенор, легка и разнообразна, формы ее прихотливы подобно орнаменту декора, изогнутые опоры кажутся неустойчивыми.

Тяжеловесная и помпезная мебель 17 в. сменяется более уютными шезлонгами, креслами и диванами, небольшими комодами и консольными столиками. Они покрыты изящной резьбой в виде завитков, раковин и букетов, росписями, изображающими китайские и пасторальные мотивы, и инкрустациями. Подобно тому как узор в рокайльном фарфоре оставлял свободное поле «резерва», в мебели бронзовые накладки легкой гирляндой обрамляют часто ничем не украшенную поверхность, составленную из драгоценных пород дерева разных оттенков. В прихотливости конструкции и орнамента ускользает ясность очертаний, миниатюрность и изысканность соответствуют характеру интерьера. Одним из самых известных мебельщиков этой поры был Жак Каффиери.

Для интерьера рококо были также типичны шпалеры, исполнявшиеся на мануфактуре гобеленов и мануфактуре в Бове по картонам Жана Берена, Клода Одрана, Жана Франсуа де Труа, Франсуа Буше и других живописцев. Их сюжеты — галантные сцены и пасторали, охоты и времена года, китайские мотивы («шинуазри»). Последнее связано с обилием привезенных с Востока тканей и фарфора. Светлые красочные созвучия и легкие грациозные орнаменты характерны для ковров этого времени, предназначенных для украшения рокайльных интерьеров. Авторы картонов для шпалер были чаще всего мастерами декоративных панно. Среди декораторов середины 18 в. выделяются резчик Жан Верберкт (версальские интерьеры) и живописец Кристоф Гюе (интерьеры замка в Шан). Наиболее известный мастер скульптуры рококо – Жан Батист Лемуан Младший (1704-1778), выполнивший скульптурные украшения для интерьеров отеля Субиз: грациозность поз, лиризм, асимметричность.

Клодион (Клод Мишель, 1738-1806). Учился у Ж. Б. Пигаля и в Королевской школе. Здесь в 1762 он получает первый приз по скульптуре и право продолжать обучение в Италии. Здесь Клодион вступил в контакт с первыми заказчиками и покупателями его произведений. Среди них были Ларошфуко и русская императрица Екатерина II. Его друг и биограф Л.-А.Дэнже пишет: "Во время пребывания в Риме его работы раскупались даже прежде, чем он успевал их завершить. Он много работал для императрицы Екатерины II, которая тщетно пыталась звать его к своему двору". Клодион не принял приглашения Екатерины II, и в Россию выехал Морис-Этьен Фальконе. Скульптор прославился небольшими камерными статуэтками, изображающими молодых миловидных девушек с корзинами фруктов, танцующих сатиров, вакханок, нимф, украшенных гирляндами цветов. Произведения Клодиона декоративны, от них веет радостным приятием жизни, простодушной эротикой, ощущением беспечности и свободы (Сатир и вакханка, Нью-Йорк, музей Метрополитен; Сатир и нимфа, 1770, Париж, Лувр; Фавн, Париж, Музей Клюни; Речная нимфа, Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; Девушка с ребенком, Вакхические сцены, 1788, обе — Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Излюбленный материал Клодиона — терракота (розовая глина), которая после обжига приобретает теплый золотистый оттенок. Глина пластична, она сохраняет малейшее прикосновение руки мастера, ей доступна передача любой фактуры, любой детали. Фигурки Клодиона вылеплены с подлинным мастерством и артистизмом, движения исполнены естественной грации, образы — обаяния. Многие работы Клодиона послужили моделями для фарфора: Нимфы, устанавливающие герму Пана (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

Этьен Морис Фальконе (1716-1791) – руководил фарфоровой мануфактурой, находившейся под покровительством Помпадур, делал маленькие композиции в стиле рококо на античные сюжеты: «Пигмалион и Галатея», «Аполлон и Дафна». Статуи «Музыка», «Амур», «Купальщица», полные рокайльной изысканной грации, естественны и изящны без жеманства, — аллегорические образы по-земному конкретны Самая необычная работа – «Милон Кротонский»: герой бросил вызов богам (расщепить дерево руками), но рука застряла в трещине, и Милона растерзал лев.

Преклоняясь перед античным искусством, мастер, однако, никогда не воспринимал его как холодный и безжизненный канон. «Только природу, живую, одухотворенную, страстную должен воплощать скульптор в мраморе, в бронзе или в камне», — эти слова всегда были девизом Фальконе. Образы сидящей девочки-подростка с розами у ног, юной девушки в античном хитоне с голубем в руках, ожившей Галатеи, перед которой склонился восхищенный Пигмалион, исполнены нежного элегического настроения, силуэты фигур плавны и изящны, легкие наклоны полны музыкальной грации.

Подлинным шедевром мастера явилась статуя «Зима», о которой восторженно отозвался друг скульптора Дени Дидро, не раз повторявший, что ценит в творчестве Фальконе прежде всего верность природе. Облик сидящей девушки, олицетворяющей зиму и прикрывающей плавно спадающими складками одеяния, как снежным покровом, цветы у ног, полон тихой мечтательной грусти. Аллюзией зимы являются знаки зодиака, изображенные по сторонам постамента, и чаша у её ног, расколовшаяся от замерзшей воды. «Это, может быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша», — писал Фальконе.

Дата добавления: 2015-08-05