Ведущие сценооформители в антрепризах С.П.Дягилева.

Изобразительное искусство в “Русском балете” С. Дягилева представлено очень выразительно. На премьере поднимался занавес, и до того, как раздавались первые звуки увертюры, зал начинал рукоплескать: убранство сцены было столь великолепно, что не аплодировать одному этому было невозможно. Декорационно-оформительское искусство в “Русском балете” не уступало по способности очаровывать зрителя ни музыке, ни балету, и в совокупности это все давало поразительный эффект.

В оформлении “Русского балета” пальма первенства принадлежит художникам-мирискусникам, как когда-то им принадлежала идея обращения к декоративно-прикладному искусству как необходимой составляющей изобразительного искусства. А. Бенуа, Л. Бакст, М. Добужинский, Анисфельд, А. Головин, К. Коровин, И. Билибин - все они вошли в историю дягилевских сезонов. Преуспел здесь и Н. Рерих, поклонник стилизации в духе доисторической легенды.

Для парижской публики такое внимание к декорациям было новым. Устав от бесцветных произведений декоратора французской Опера Гамбона, зритель увидел настоящее пиршество для глаза, немедленно переходящее в усладу для сердца.

Все эти изысканные новинки захватили воображение Парижа и обусловили то, что успех “Русского балета” удерживался на завидном уровне в течение пяти лет, хотя повторить триумф сложнее, чем его создать.

Совокупность новаторских элементов создала стиль, подобного которому не существовало ни до его рождения, ни после его завершения. Само по себе новаторством было объединение различных видов искусства в одном, и когда в каждом виде появляется что-то самобытное и новое – открывается еще одна страница истории искусства. Если прибавить к этому стремление идти навстречу эксперименту, результат получается самым неожиданным, но продуктивным: богатство внутреннего содержания культурного феномена позволяет развивать его и трансформировать, достигая в поиске новых форм некоего абсолюта, чтобы потом он вновь послужил отправной точкой.

· Александр Николаевич Бенуа.

Александр Николаевич Бенуа (1870-1960) родился в семье известного архитектора и рос в атмосфере почитания искусства, однако художественного образования не получил. Обучался он на юридическом факультете Петербургского университета, но при этом самостоятельно изучал историю искусства и занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Делал он это настолько основательно, что сумел написать главу о русском искусстве для третьего тома “Истории живописи в XIX веке” Р. Мутера, вышедшего в 1894 году. О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства. В 1897 году по впечатлениям от поездок во Францию он создал первую серьезную работу - серию акварелей “Последние прогулки Людовика XIV”, - показав себя в ней самобытным художником.

К работе в театре он впервые обратился в 1902 году, оформив оперу Р. Вагнера “Гибель богов” на сцене Мариинского театра и вслед за тем исполнив эскизы декораций к балету Н. Н. Черепнина “Павильон Армиды” (1903), либретто которого сочинил сам. Увлечение балетом оказалось настолько сильным, что по инициативе Бенуа и при его непосредственном участии была организована частная балетная труппа, начавшая в 1909 году триумфальные выступления в Париже – “Русские сезоны”. Бенуа, занявший в труппе пост директора по художественной части, исполнил оформление к нескольким спектаклям.

В “Русских сезонах” А.Н.Бенуа оформлял декорации к таким балетам как: “Павильон Армиды” (1909), “Сильфиды” (1909), “Жизель” (1910).Но главным его достижений были декорации к балету И. Ф. Стравинского “Петрушка” (1911); этот балет создан по идее самого Бенуа и по написанному им же либретто. После этого он сделал декорации к еще нескольким постановкам, в том числе к “Соловью” (1914)Вскоре после того зародилось сотрудничество художника с МХТ, где он удачно оформил два спектакля по пьесам Мольера (1913) и некоторое время даже участвовал в руководстве театром наряду с К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Данченко.

В 1926 году Бенуа, сделав вынужденный выбор между трудностями эмигрантского существования и все более пугающей перспективой жизни в советской стране, уехал во Францию. Там он работал главным образом в театрах: сначала в "Гранд-опера" в Париже, а после Второй мировой войны - в "Ла Скала" в Милане. Работал на прежнем профессиональном уровне, но ничего принципиально нового и интересного создать уже не смог, часто довольствуясь варьированием старого (одних вариантов ставшего легендарным балета "Петрушка" было исполнено не менее восьми). Главным же трудом последних (с 1934 года) лет были его воспоминания, на страницах которых он подробно и увлекательно воскрешает годы своего детства и юности.

· Лев Самуилович Бакст.

Бакст Лев Самуилович - живописец. Родился в Гродно в 1866 году, учился в гимназии, был вольнослушателем в Академии Художеств; довершил свое художественное образование за границей. Впервые представил свои работы на выставке в 1889 г., приняв в качестве псевдонима сокращенную фамилию бабушки по матери (Бакстер). В начале 1890-х годов выставлял свои работы, в основном, пейзажи, в “Обществе акварелистов”. С середины 1890-х примкнул к кружку писателей и художников, объединившихся вокруг С. Дягилева и А. Бенуа, и в дальнейшем стал одним из инициаторов создания “Мира искусства”.

Именно графические работы для журнала “Мир искусства” принесли Баксту широкую известность. В годы первой русской революции сотрудничал с сатирическими журналами “Жупел”, “Адская почта” и “Сатирикон”, затем оформлял журналы “Золотое руно” и “Аполлон”. Занимался книжной графикой и декоративным искусством, оформляя интерьеры и выставки.

К концу 1900-х г.г. Бакст ограничил себя работой в театре, благодаря которой и вошел в историю как выдающийся театральный художник. Дебютировал в театре он еще в 1902 г. Позднее художник делал театральные костюмы для артистов.

Бакст стал ведущим художником “Русских сезонов” и “Русского балета С.П. Дягилева” и создал декорации и костюмы к таким балетным спектаклям как “Клеопатра” (1909) в театре Chatelet, “Шехерезада” (1910) и “Карнавал” (1910) в Большой Опере, “Ориенталии” (1910), “Призрак розы” (1911), “Нарцисс” (1911) снова в Chatelet, “Дафнис и Хлоя” (1912) и множество других в том числе и “Спящая красавица”, поражавшие зрителей своей фантазией, сказочной роскошью, утонченной изысканностью костюмов, новыми и смелыми сочетаниями красок. Особо нужно сказать о костюмах. Мастером которых был Л.С. Бакст, его пленительные костюмы для “восточных” балетов поражали своей экзотичностью и полуобнаженностью, отражая специфику сюжета. Юбки на теннисистках в балете “Игры” произвели переворот в моде: их длина до колен была в то время явлением эпатирующим. На них обратила внимание и небезызвестная Коко.

Все эти годы Бакст проживал в Европе, что было вызвано необходимостью находиться возле балетной труппы, а также тем, что, как еврей, он не имел вида на жительство в Петербурге.
В 1914 г. Бакст был избран членом Императорской Санкт-Петербургской Академии Художеств.

Нараставшее напряжение в отношениях Бакста и Дягилева привели к тому, что в 1918 г. художник был вынужден покинуть труппу.

· Константин Алексеевич Коровин.

К.А.Коровин родился 23 ноября 1861г. и вырос в семье старообрядцев. Дед по отцовской линии владел ямщицким извозом, а по материнской был крупным чаеторговцем, Родители будущего художника получили хорошее образование и увлекались музыкой и живописью. Среди друзей дома были художники Л,Каменев и И.Пря-нишников. В 1875 Коровин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, в следующем году перешел на живописное отделение, где познакомился с И.Левитаном, М.Нестеровым, А,Архиповым. Учился у Прянишникова, В.Перова, В.Поленова, А.Саврасова, В 1882-83 несколько месяцев учился в Петербургской Академии художеств, затем в 1883-86 завершал обучение в Московском училище. Получил малую серебряную медаль за живописные этюды, стипендию князя Долгорукова — за рисунки (1883); звание неклассного художника (1884).

В 1885 К. познакомился с С.Мамонтовым, вошел в Абрамцевский кружок, увлекся театром и сценографией. В Частной опере оформлял (вплоть до 1900) спектакли “Снегурочка”, “Псковитянка”, “Садко” (совм. с С.Малютиным и М.Врубелем), “Хованщина”, “Князь Игорь”, “Аида”, “Кармен”, “Фауст” и др. В 1899-1900 Коровин работал над оформлением Русского павильона и, в частности, Кустарного раздела для Всемирной выставки в Париже: исполнил 30 панно на темы Сибири, Средней Азии и Севера. Был удостоен Ордена Почетного легиона, Гран-при и нескольких медалей Выставки за декоративные работы. К этому времени относится его сближение с художниками круга “Мира искусства”.

С 1900 К. начал работать для императорских театров. Назначен главным художником Большого театра в Москве, За 1900-е —1910-е оформил более 100 оперных и балетных постановок, в том числе: “Конек-Горбунок”, “Аленький цветочек”, “Сказание о невидимом граде Китеже”, “Дон Кихот” и др. А в 1909 Константин Алексеевич оформляет дивертисмент “Пир”, для “Русских сезонов” Музыку к нему писали такие композиторы как: П.Чайковский, М.Мусоргский, Н.Римский-Корсаков, А.Глазунов, М.Глинка, а исполнителями были: Т.Карсавина, В.Фокина, Б.Нижинская, В.Нижинский, А.Больм, Г.Розай.

· Николай Константинович Рерих.

Николай Константинович Рерих родился 27 сентября 1874г. Сын нотариуса К.Ф.Рериха; мать — М.В.Калашникова — из купеческой семьи. Окончив в 1893 частную петербургскую гимназию К.Мая, поступил на юридический факультет Петербургского университета (где прослушал также полный курс исторических дисциплин) и одновременно в Академию художеств, своим “учителем жизни” считал А.Куинджи, испытал влияние В.Стасова и Л.Толстого. В 1900 учился в Париже у Ф.Кормона и Пюви де Шаванна. В 1901 женился на Е.Шапошниковой, которая стала, по словам Рериха, его “другиней, спутницей, вдохновительницей”,

Из-за болезни легких Рерих жил с конца 1916 с семьей в Сердоболе, в 1917 этот город отошел к Финляндии. Здесь были написаны лирические пейзажи, пьесы из которых сохранилась одна — “Милосердие” и мн. др. Работы этого периода Рерих выставил в ноябре 1918 в Стокгольме затем — в других скандинавских странах и осенью 1919— в Лондоне, где также оформил “Половецкие пляски” из оперы “Князь Игорь” у Дягилева и несколько русских опер. А в 1913 декорировал “Весну священную”. За свою жизнь Рерих совершил множество экспедиций, каждая из которых была увенчана множеством гениальных произведений.. В годы 2-й мировой войны написал картины, в которых, используя образы русской истории и мифологии, предрекал России победу над фашизмом. Всего им было создано около 5 тысяч художественных произведений.

· Наталья Сергеевна Гончарова.

Наталья Сергеевна Гончарова родилась 21 июня 1881г. Она из дворянского рода, ведущего начало со второй половины XVIII века, приходилась правнучатой племянницей жене А. С. Пушкина. С детства жила в Москве. После окончания гимназии и недолгих занятий на историко-филологическом факультете “Высших женских курсов” в 1901 поступила на скульптурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, где училась у С. М. Волнухина и Я. П. Трубецкого; посещала класс живописи К. А. Коровина. В 1904 получила малую серебряную медаль за этюды животных из глины, но вскоре прекратила учебу из-за слабого здоровья.

В дальнейшем занималась в основном живописью. Решающую роль в ее судьбе сыграла встреча с соучеником по училищу М. Ф. Ларионовым, который стал спутником ее жизни.

В 1901-06 писала импрессионистские пейзажи акварелью и пастелью. А в 1906 пришла к своеобразному синтезу кубизма и примитивизма, использовала традиции лубка, провинциальной вывески, русской иконы. Именно в этом стиле она и проработала в течении нескольких последующих лет. В 1922 Наталья Гончарова оформила постановку Бронеславы Нежинской “Лиса”, а в следующем году “Свадебку”.

За свою жизнь Наталья Сергеевна написала множество картин, которые выставлялись в лучших музеях мира. В 1988, в соответствии с волей Гончаровой и Ларионова, по завещанию их общей наследницы А. К. Томилиной (вдовы Ларионова), несколько сот ее работ поступило в Москву.

· Борис Израилевич Анисфельд.

Анисфельд Борис (Бер) Израилевич родился в местечке Бельцы (Бессарабская губерния) 2 (14) октября 1878. Учился в Одесской рисовальной школе с 1895г. до 1900г. у Г.А.Ладыженского и К.К.Костанди. Занимался также в петербургской Академии художеств с 1901г. по 1909г., в мастерских И.Е.Репина и Д.Н.Кардовского.

Получил известность живописными образами сказочных грез и феерий, стремился к особой, ирреальной звучности цвета. Наиболее органичным способом самовыражения стало для него искусство театра. Дебютировал как сценограф, оформив спектакль “Свадьба Зобеиды” по Г.фон Гофмансталю в 1907г., в театре В.Ф.Комиссаржевской. С 1909 работал для “Русского балета” С.П.Дягилева, исполняя декорации по эскизам Л.С.Бакста и других мастеров. Самостоятельно оформил балеты “Подводное царство” на музыку Н.А.Римского-Корсакова. Так же он оформил такую постановку как “Исламея” в 1912, в Мариинском театре, балетмейстером, где был М.М.Фокин. Затем были такие спектакли как: “Прелюды Ф.Листа” и “Семь дочерей Горного Короля” А.А.Спендиарова, “Египетские ночи” А.С.Аренского, “Видение розы” на музыку К.М.Вебера и “Сильфиды” на музыку Ф.Шопена и другие. Самобытно воплотил характерную для “живописного театра” модерна тенденцию к превращению сценического действа в бессюжетно-красочное, “чисто музыкальное” зрелище.

В 1917 Анисфельд выехал через Сибирь и Дальний Восток в Японию, а с 1918 обосновался в Нью-Йорке. Плодотворно сотрудничал с театром «Метрополитен-опера», а с 1921 – и с Чикагской оперой. Переехав в Чикаго (1928), вплоть до 1957 преподавал в местном Художественном институте. Активно работал и как станковист, создавая полотна в духе декоративно-лирического экспрессионизма, в 1940–1950-е годы исполнил цикл картин на евангельские темы. Умер Анисфельд в Уотерфорде (шт. Коннектикут) 4 декабря 1973.

Заключение.

Рассказав о стольких замечательных и талантливых людях, я хочу закончить словами одного из них. Словами одного из близких людей для Сергея Павловича Дягилева – Николая Константиновича Рериха: “ Ушел Дягилев. Нечто гораздо большее, нежели великая индивидуальная сила ушла с ним. Можно рассматривать весь подвиг Дягилева как большую индивидуальность, но гораздо естественнее увидеть в нем истинного представителя целого синтетического движения. Оценим в нем вечно юного охранителя великих мгновений, когда современное искусство освобождалось от многих условностей и предрассудков.

Вся жизнь Дягилева была очень бурная, как и подобает жизни истинного представителя творчества. Не один раз и наше личное отношение с ним затемнялось, чтобы опять возобновиться в еще большем единении.

В последний раз я встретил его в Париже в 1923 году. Вспоминаю это последнее свидание с чувством особого мира и дружбы. Можно было во многом спорить с Дягилевым, но никогда это не переходило на личную почву. Конечно, вопросы искусства в его жизненном проявлении всегда вызывают такие многообразные суждения. Но в этих обменах мнений о деле не вспоминаются никакие личные выпады. Чувствовалась только большая положительная работа созданий нового выражения искусства.

Дягилев был чужд спячке жизни: с детства будучи очень одаренным музыкантом, он признал истинный путь искусства. Это не был поверхностный модернизм. Он не был условным “носителем зеленой гвоздики”, но был искренним рыцарем эволюции и красоты.

Вспоминаю, как во время выставки Мира Искусства 1903 года, поздним вечером, я совершенно перестроил мою картину “Город строят”. К полночи пришел Дягилев. Увидев перестроенную картину, он схватил мою руку: “Ни одного мазка больше; вот это сильное выражение! Долой академические формы!” Этот девиз “Долой академизм” в суждении Дягилева не был пустым разрушением. Ведь это он понял и явил в новом величии красоту гения Мусоргского. Он глубоко ценил лучшие моменты творчества Римского-Корсакова. Вопреки современным ничтожествам, он вызвал мощь Стравинского и заботливо ценил искусство Прокофьева и лучших французских композиторов, и художников.

Только тот, кто лично соприкасался с ним во время жесточайшей битвы за искусство, во время неописуемых затруднений, мог оценить его созидательный гений и утонченную чувствительность. Его сотрудники могут вспомнить, как однажды в Париже, в течение всего дня он был обычно деятелен и никто не мог приметить в воздухе какую-нибудь опасность. Но вечером Дягилев сказал собравшимся друзьям: “Вы заслужили спокойный ужин; ведь сегодня мы были совершенно разорены и только пять минут тому назад я получил сведение, что нам не угрожает продажа с торгов”.

С улыбкою великого сознания он встречал новые прекрасные битвы за искусство, принимая на свои плечи всю ответственность. Он никогда не щадил свое имя, ибо он знал, насколько необходима священная битва за украшение жизни.

Кто-то говорил, что его антреприза была личным делом и как импресарио он работал для себя. Только злой язык и злобный ум могли произносить такую клевету на этого крестоносца красоты. Щедро отдавая свое имя, он покрывал своею личною ответственностью многие события и людей, и больших и малых. Помню, что даже в час затруднения, в критическую минуту, он говорил: “Ладно, я сам подпишу. Считайте меня одного ответственным за это”. И это не было знаком эгоизма, но это был девиз единоборца, который знает, для чего он держит меч и щит.

Был он широк в суждениях своих. Только невежда может сказать, что он вводил лишь модернизм. В своих исторических портретных выставках он явил всю историю России, с одинаковым уважением как к современности, так и к древним иконописателям. В его журнале “Мир Искусства” одинаково заботливо были показаны как модернистические художники, так и лучшие достижения старых мастеров. Будучи очень чутким, он ясно ощущал источники, из которых приходили расцвет и возрождение. С одинаковым энтузиазмом он выявлял как скрытое сокровище древности, так и наши надежды на будущее.

Он далек был от дешевой популяризации и тем более вульгаризации искусства. Во всех многообразных проявлениях он показывал искусство истинное. Перечислять все постановки, выставки и художественные предприятия Дягилева — это значит написать историю русского искусства от 90-х годов до 1928 года. Вспомните потрясающее впечатление, произведенное его журналом “Мир Искусства”. Вспомните его работы с княгинею Тенишевой. Как живые стоят блестящие выставки иностранных и современных русских мастеров! А все эти бесчисленные постановки балетов и опер, пронесшие русское имя по всему миру? Может быть, со временем имя Дягилева будет смешано со слишком многими понятиями, на которые он сам бы и не согласился, но он был щедр и никогда не скупился даже именем своим. Когда он чувствовал, что оно может быть полезно, он легко давал его, — эту свою единственную собственность.

Утонченный, благородный человек, воспитанный в лучших традициях, он встретил и войну, и революцию, и все жизненные вихри с настоящею улыбкою мудреца. Такая мудрость всегда является знаком синтеза. Не только он расширял свое сознание, но и утончал его и в этом утончении он мог одинаково понимать как прошлое, так и будущее.

Вспоминаем личность и труды Дягилева, перед нами встает благороднейший и гигантский итог синтеза. Его широкое понимание, непобедимая личная бодрость и вера в красоту создали прекрасный, незабываемый пример для молодых поколений. Пусть они учатся, как хранить ценности прошлого и как служить для самой созидательной и прекрасной победы будущего”.

Список литературы.

1. “История русского искусства”, Москва, 1980г., изд: “Изобразительное искусство”.

2. “Русские художники” энциклопедический словарь, Санкт-Петербург, 1998г., изд: “Азбука”.

3. “Александр Бенуа, русская школа живописи”, Москва, 1997г., изд: “Арт-родник”.

4. “Очерки по истории русской культуры”, Москва, 1994г.

Дата добавления: 2015-07-10