Читайте также:
|
Если творчество Микеланджело во второй своей половине уже несет на себе черты новой эпохи, то для Венеции весь XVI век проходит еще под знаком чинквеченто. Венеция, сумевшая сохранить свою независимость, дольше хранит и верность традициям Ренессанса.
Из мастерской Джанбеллино вышло два великих художника Высокого венецианского Возрождения: Джорджоне и Тициан.
Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, по прозванию Джорджоне (1477-1510), - прямой последователь своего учителя и типичный художник поры Высокого Возрождения. Он первый на венецианской почве обратился к темам литературным, к сюжетам мифологическим. Пейзаж, природа и прекрасное нагое человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом поклонения. Чувством гармонии, совершенством пропорций, линейным ритмом, мягкой светописью, одухотворенностью и психологической выразительностью своих образов и вместе с тем логичностью, рационализмом Джорджоне близок Леонардо, который несомненно оказал на него и непосредственное влияние, когда проездом из Милана в 1500 г. был в Венеции. Но Джорджоне более эмоционален, чем великий миланский мастер, и как типичный художник Венеции интересуется не столько линейной перспективой, сколько воздушной и главным образом проблемами колорита.
Уже в первом известном произведении "Мадонна Кастельфранко" (около 1505) Джорджоне предстает вполне сложившимся художником; образ мадонны полон поэтичности, задумчивой мечтательности, пронизан тем настроением печали, которое свойственно всем женским образам Джорджоне. За последние пять лет своей жизни (Джорджоне умер от чумы, бывшей особенно частой гостьей в Венеции) художник создал свои лучшие произведения, исполненные в масляной технике, основной в венецианской школе в тот период, когда мозаика отошла в прошлое вместе со всей средневековой художественной системой, а фреска оказалась нестойкой во влажном венецианском климате. В картине 1506 г. "Гроза" Джорджоне изображает человека как часть природы. Кормящая ребенка женщина, юноша с посохом (которого можно при-нять за воина с алебардой) не объединены каким-либо действием, но соединены в этом величественном ландшафте общим настро-ением, общим душевным состоянием. Джорджоне владеет тончайшей и необычайно богатой палитрой. Приглушенные тона оранжево-красной одежды юноши, его зеленовато-белой рубашки, перекликающейся с белой накидкой женщины, как бы окутаны тем полусумеречным воздухом, который свойствен предгрозовому освещению. Зеленый цвет имеет массу оттенков: оливковый в де-ревьях, почти черный в глубине воды, свинцовый в тучах. И все это объединено одним светящимся тоном, сообщающим впечатле-ние зыбкости, беспокойства, тревоги, радости, как само состояние человека в предчувствии надвигающейся грозы.
Тициан Вечеллио (1477-1576) - величайший художник венецианского Возрождения. Он создал произведения и на мифологические, и на христианские сюжеты, работал в жанре портрета, его колористическое дарование исключительно, композиционная изобретательность неисчерпаема, а его счастливое долголетие позволило ему оставить после себя богатейшее творческое наследие, оказавшее огромное влияние на потомков. Тициан родился в Кадоре, маленьком городке у подножия Альп, в семье военного, учился, как и Джорджоне, у Джанбеллино, и первой его работой (1508) была совместная с Джорджоне роспись амбаров Немецкого подворья в Венеции. После смерти Джорджоне, в 1511 г., Тициан расписал в Падуе несколько помещений scuolo, филантропических братств, в которых несомненно ощущается влияние Джотто, работавшего некогда в Падуе, и Мазаччо. Жизнь в Падуе познакомила художника, конечно, и с произведениями Мантеньи и Донателло. Слава к Тициану приходит рано. Уже в 1516 г. он становится первым живописцем республики, с 20-х годов - самым прославленным художником Венеции, и успех не оставляет его до конца дней. Около 1520 г. герцог Феррарский заказывает ему цикл картин, в которых Тициан предстает певцом античности, сумевшим почувствовать и, главное, воплотить дух язычества ("Вакханалия", "Праздник Венеры", "Вакх и Ариадна").
Джотто ди Бондоне, который ввел в живопись чувство трехмерного пространства, писал фигуры более объемными, больше внимание уделял обстановке и, главное, проявил особенный, чуждый экзальтированной готике, реализм в изображении человеческих переживаний. Первое упоминание о Джотто относится к 1298; оно содержится в документе о полученной им оплате за мозаику Навичелла в старом соборе св. Петра в Риме; при перенесении из собора она, к сожалению, утратила свой первоначальный облик. Самые ранние из сохранившихся работ художника – сцены из жития св. Франциска в верхней церкви в Ассизи (1300–1304). Однако эти фрески сильно переписаны, и многие исследователи не признают их подлинными произведениями мастера. Стиль Джотто достиг зрелости во фресках капеллы дель Арена в Падуе (1304–1306). Капелла перекрыта коробовым сводом; на торцовой стене помещено изображение Страшного суда, а на боковых – сцены из жизни Христа и Богоматери, расположенные в три регистра. Сдержанность и достоинство в трактовке сюжетов, пластическая моделировака объемов, четкость пространственных построений, выразительность жестов и поз, светлый праздничный колорит и внутреннее художественное единство делают эти росписи уникальными в истории монументально-декоративной живописи.
Среди других упоминающихся в документах и приписываемых Джотто фресок сохранились только росписи капеллы св. Магдалины в нижней церкви св. Франциска в Ассизи (между 1314 и 1329) и капелл Барди и Перуцци в церкви Санта Кроче во Флоренции (после 1317). Во фресках Санта Кроче, открытых в 20 в. под слоем штукатурки, представлены сцены из жития св. Франциска, композиции которых с небольшими изменениями заимствованы из фресок в Ассизи, а также эпизоды из житий Иоанна Крестителя и Иоанна Богослова. Из алтарных образов Джотто сохранился только один – Мадонна во славе (ок. 1310, Уффици).
Джотто был человеком светским и практичным. У него было шестеро детей. В последние годы жизни Джотто достиг вершины славы; в 1330 король неаполитанский Роберт пожаловал ему титул придворного, а в 1334 он был назначен главным архитектором Флорентийского собора. В этом же году был заложен фундамент кампанилы, которую обычно называют кампанилой Джотто, хотя, насколько нам известно, рисунки мастера сыграли крайне незначительную роль в сооружении этой постройки. Умер Джотто во Флоренции 8 января 1337.
Проторенессанс (конец XIII-XIV вв.)
Черты нового, истинный перелом, особенно ярко проявились в творчестве Джотто ди Бондоне (1266/76 - 1337 гг.). Лучшее творение Джотто - фрески в капелле дель Арена в Падуе, посвященные жизни Христа, Марии и ее родителей Иоакима и Анны. Джотто впервые совершенно иначе истолковывает события Священного писания. Он изображает жизнь реальных земных людей (фрески "Поцелуй Иуды", "Оплакивание Христа").
В 1334 г. на Джотто было возложено руководство строительством Флорентийского Собора Санта Мария дель Фьоре (завершен в XV в.). По его проекту построена знаменитая кампанила (колокольня) собора. Он же выполнил рельефы для стен. Джотто опередил свое время, и многое в его творчестве осталось недоступно современникам.
Сиенна - Симоне Мартини (около 1286 - 1344).
Канонические сюжеты у Симоне Мартини проникнуты светским духом и ощущением земной красоты. "Благовещение" - очень тонкое и изысканное цветовое решение. С.Мартини был другом и любимым художником Петрарки; поэт посвящал ему сонеты, заказал художнику портрет Лауры.
Раннее Возрождение (XV в., кватроченто)
Кватроченто - это радостный, мощный взлет итальянского искусства.
Обилие талантов, высокий уровень художественных произведений поражают. Искусство играло огромную роль в жизни этой эпохи.
В ее начале стоят три величайших художника Флоренции:
· архитектор Филиппо Брунелески (1377 -1446)
· скульптор Донателло (1386 - 1466)
· живописец Мазаччо (1401 - 1428)
Брунелески: 1419 г. "Дом детского приюта" (Оспедале дельи Инноченти) - сооружение нового стиля. Новые архитектурные принципы, на основе античных, воплотил Брунелески: расчленение пространств на завершенные зоны, упорядоченность построения, использование ордерной системы, способность служить украшением окружающей среды. Славу Брунелески принесло создание грандиозного купола собора Санта Мария дель Фьоре.
Диаметр купола 42 м. Брунелески применил новую конструкцию: он сделал купол их 2-х оболочек, скрепленных ребрами. (Константинопольский собор св. Софии - диаметр 30 м). Флорентийский купол знаменовал торжество человеческой воли, умения, смелости.
По сравнению со Средневековьем, иным стал внутренний вид соборов.
Новым явлением в архитектуре стал городской дворец - палаццо. *
Начало расцвета Возрождения в скульптуре связано с творчеством Донателло - (Донато ди Никколо би Бетто Барди), - (1386 - 1466). Он также, как и Брунелески новатор в своей сфере искусства. Он возродил типы произведений, не создававшихся со времен античности: отдельно стоящую круглую скульптуру, обнаженную фигуру, конный памятник, скульптурный портрет.
"Юный Давид". Образ Давида был одним из самых привлекательных для людей эпохи Возрождения: простой человек выдвинулся благодаря своей смелости и любви к народу.
"Памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе" (предводителю наемных войск Эразмо ди Карми, по прозванию Гаттамелате). Образ сложен, противоречив. Художник раскрывает жестокость, изворотливый ум этого человека, но и передает чувство горечи и какой-то отрешенности.
Мазаччо (Томмазо ди Джованни ди Симоне Гвиди) - (1401 -1428).
В живописи Мазаччо принадлежит роль преобразователя, хоть он и прожил всего 27 лет.
Главное произведение Мазаччо - росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине, изображающие эпизоды из жизни св. Петра и два библейских сюжета "Грехопадение" и "Изгнание из рая". В этой фреске многое в живописи сделано впервые: анатомически правильно изображены обнаженные тела; с помощью светотени моделирован их объем; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы; Адам и Ева прекрасны, несмотря на грехопадение.
Мазаччо довел до конца завоевание живописью трехмерного пространства.
Необычайный расцвет искусства в ХV в. имел много причин. Римские папы, герцоги, банкиры, богатые горожане высоко ценили искусство, любили красоту, роскошь. Они оспаривали друг у друга честь приглашения лучших художников работать у себя.
Во Флоренции, где с 1434 года и до конца ХV в. установилось правление династии Медичи, соперничество за власть утихло и перешло в соперничество в роскоши, в обладание шедеврами искусства.
Искусство выполняло роль универсального познания, опередив в этом отношении науку и философию. И первым способом изучения было ясное, трезвое видение, постигающее природу вещей.
Изображать мир так, как человек его видит, как отражает его зеркало, было исходным принципом ренессансных художников, - принципом, который в то время, был настоящим переворотом, отказом от прежней художественной системы. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души - все это становится условием творчества и потребностью художников.
Новое искусство стало наукой и мастерством, которому можно научиться.
Свое стремление утверждать силу и красоту человека, любовь ко всему земному художники Возрождения воплощали в основном в произведениях на религиозные сюжеты. Это не было чистой условностью. Просто религиозность стала другой. Дистанция между божественным и земным сократилась, а в искусстве исчезла совсем.
Мирской характер с особой силой проявился в изображениях Богоматери.
Одним из важнейших завоеваний художников Возрождения стала свобода сочинительства.
Пьеро делла Франческа (1416 - 1492). Это был ученый художник. Работал по теории Альберти и математически вымерял перспективу. Он сам создал трактаты - "О живописи" и "О правильных телах". Фрески и картины Пьеро делла Франческа обладают удивительным воздействием. В них царит закономерность и уравновешенность, торжественный ритм и монументальные формы, а его образы полны достоинства, благородства и возвышенного спокойствия.
Еще одна особенность работ художника - сдержанный, изысканный колорит чистых тонов, пропитанных воздухом и светом.
Сандро Боттичелли (Алессандро ди Мариано Филипепи) - (1444 -1510). "Рождение Венеры" около 1485. Флоренция. Уффици. Одна из самых знаменитых картин Возрождения.
Палаццо (дворцы) эпохи Возрождения украшались фресками * (роспись по сырой штукатурке) на различные мифологические сюжеты. Эта картина была написана на холсте - материале, который до появления масляных красок считали подходящим для временных экранов.
Боттичелли был любимым художником Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Картина "Весна" написана в 1477-1478 г.
На этой картине возле центральной фигуры Флоры стоят три грации, какими их представлял Боттичелли. Эти же образы появляются в "Триумфе Венеры" (1470) Франческо дель Косса.
Портрет в эпоху Возрождения был излюбленным жанром. Он воплощал высокие представления эпохи о человеческой личности. Портрет не был новым жанром, как появившиеся позднее пейзаж, натюрморт, бытовой жанр. Первые портреты были профильные. Они вели свое происхождение от изображений донаторов (заказчиков, дарителей). Донаторы всегда обращены лицом к Богу, следовательно боком к зрителю.
Модели ренессансных профильных портретов представлены в скованных позах, с застывшими лицами.
Вскоре появился другой тип портрета - лицо в фас или в трех четвертном повороте, позы более свободные, выражения лиц более оживленные. Главными в изображении были не внутренний мир изображаемого, не душевное состояние, а типичные качества человека Возрождения - уверенность в себе, чувство собственного достоинства, самоутверждение, цельность и значительность.
Во многих портретах кватроченто * человек изображен на фоне пейзажа, а точнее - на фоне мира. Мир открывающийся бесконечен и прекрасен.
Проторенессанс - примерно 1,5 столетия (конец ХIII -ХIV вв.)
Раннее Возрождение - примерно 1 столетие (ХV в.)
Высокое Возрождение - менее 4-х десятков лет.
Его конец связан с 2 событиями:
Разгромом и разграблением Рима в 1527 г. войсками Карла V Габсбурга, императора Германии и короля Испании.
Падением последней флорентийской республики в 1530 г. (Правда, творчество Микеланджело продолжалось до 1564 г.), а в Венеции до конца ХVI в. творили великие мастера:
В ХIV и ХV вв. Италия была самой передовой страной Западной Европы, в ХVI в. - переживала глубокий кризис политический и экономический, Италия потеряла рынки на Востоке, постоянные междоусобицы. Италия - арена постоянных войн. Она опустошена и разорена.
После разгрома Рима Италия оказалась под властью габсбургской монархии.
Но прежде чем свершились эти трагические события, Италия пережила период общественного подъема, вызванного борьбой итальянских государств против порабощения и стремлением к объединению страны. В этот период и наступил высший расцвет искусства Возрождения в и Италии - Высокий Ренессанс.
Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. На смену поискам, аналитическому исследованию натуры и окружающего мира, пришло синтетическое обобщение, извлекающее из явлений самое их существо, а также уверенное владение всеми приемами и тайнами изображения. Н.А.Дмитриева пишет: "Кватроченто - это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинквеченто - синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса".
В искусстве Высокого Возрождения центральное место безоговорочно занял Человек!
Среди художников чинквеченто * (XVI век) Средней и Северной Италии отчетливо возвышаются три вершины:
Леонардо да Винчи - самая необыкновенная фигура в истории мировой культуры. Это был "Homo universale" (человек универсальный): умел все и был во всем гениален, к тому же красив, силен, элегантен, обходителен, красноречив.
В сфере искусства Леонардо был живописцем, скульптором, рисовальщиком, музыкантом, архитектором, сочинял басни, сонеты, написал "Книгу о живописи".
Картин его дошло около 15. Он оставил рисунки машин и механизмов с прообразами экскаватора, токарного станка, самолета, вертолета...
В Эрмитаже находятся две картины Леонардо да Винчи: "Мадонна с цветком" (Мадонна Бенуа), 1478 и "Мадонна с младенцем" (Мадонна Литта), 1470-1490.
В "Мадонне с цветком" Леонардо уходит от статичности, застылости кватрочентовских композиций. Особенности искусства мастеров кватроченто - интерес к психологическим решениям и пространственному построению, стремление к лаконичности и обобщению.
Художники ХV века овладели перспективой.
Леонардо овладел пространством.
Персонажи его картин уже располагались не на фоне далекой перспективы, а внутри пространства. Не было разрыва между передним и задним планами, персонажи не "наложены" один на другой, между ними чувствуется воздух.
Мягкая, с переходами светотень - знаменитое леонардовское "сфумато".
"Поклонение волхвов" - не закончена.
"Мадонна в гроте" - здесь Микеланджело ввел пирамидальное построение, ставшее классическим.
Фреска "Тайная вечеря" - удивляет интеллектуальной силой художника, тем как продумана и разработана композиция произведения. Она написана на торцовой стене трапезной монастыря так, что иллюзорное пространство фрески кажется продолжением реального пространства интерьера. Христос и его ученики как бы сидят в той же трапезной, но на возвышении. Центральное положение Христа подчеркнуто тем, что точка схода перспективы совпадает с его головой. Художник поместил Христа в светлом проеме окна, отдалив простенком от апостолов.
Новое, не традиционное решение темы дает Леонардо да Винчи: он впервые изображает конфликт, (сам процесс!) драматического события.
Христос сказал апостолам: "Один из вас предаст меня". Иуду обычно выделяли на противоположной стороне (А.Кастаньо, Гирландайо). Леонардо помещает Иуду рядом с любимыми учениками, выделяя лишь падающей тенью на лицо. Самое знаменитое произведение художника и, пожалуй, во всей мировой живописи - "Портрет Моны Лизы", супруги богатого флорентийца Франческо дель Джокондо.
К, сожалению, никакое воспроизведение не может передать всего богатства сложных и тонких нюансов оригинала. С "Джокондой" связаны различные легенды, ее похищали, подделывали, "разоблачали".
Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем, при внешней неподвижности модели передана жизнь души, само ее течение, неуловимо сменяющиеся оттенки мыслей, чувств, ощущений. Леонардо говорил: "Хороший живописец должен писать две главные вещи - человека и представление его души". С "Джокондой" связано зарождение психологического портрета.
Рафаэль - (1483 -1520) - гений иного склада. Он не был новатором. Его искусство синтез достижений предшествующих художников.
У Рафаэля человек совершенен, мир в гармонии.
Образ Мадонны особенно близок искусству Рафаэля. Здесь художник наиболее полно раскрывает свои представления о благородстве, совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты.
"Мадонна Конестабиле", "Мадонна в зелени", "Мадонна дель Грандука", "Мадонна с щегленком", "Мадонна садовница", "Мадонна Альба", "Мадонна в кресле", "Сикстинская Мадонна" (1513 -1514), возвращена в 1956 г. - одно из любимых произведений мировой живописи.
Святые Сикст и Варвара в благоговении склоняются перед Богоматерью, идущую в облаках. Высокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав может быть самое глубокое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны, то, как она держит младенца, выражают и бесконечную любовь и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности, и скорбную готовность принести его в жертву ради людей.
37 лет прожил Рафаэль. Ему была поручена огромная работа - роспись 4-х станц (комнат) в Ватикане (папский дворец).
Ватиканские фрески Рафаэля, вместе с Тайной вечерей Леонардо да Винчи и Сикстинским потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.
Главные фрески станцы - "Диспуты" - (апофеоз теологии), "Афинская школа" - (апофеоз философии) и "Парнас" - (апофеоз искусства) и "Мудрость, Мера и Сила" - (олицетворение главных добродетелей правосудия).
Рафаэль был прекрасным рисовальщиком, великолепным портретистом, архитектором, археологом, мечтал восстановить Рим в его прежнем величии.
В Эрмитаже было выполнено точное повторение росписей лоджии двора Сан Дамазо (Ватиканский дворец) - Лоджии Рафаэля.
Микеланджело Буонарроти (1475 -1564). Превыше всех искусств он ставил скульптуру, хотел быть только скульптором, но волею судьбы стал и живописцем и архитектором, был также рисовальщиком, поэтом, инженером.
Прожил долгую (89 лет) и трагическую жизнь. Он боролся за независимость Флоренции, видел унижение Родины, разгром Рима. Человек свободолюбивый, дерзновенный, он вынужден был служить папам. Микеланджело в одной единственной фигуре был "способен воплотить все добро и все зло человечества". Он стремился показать человека таким, каким он должен быть.
Таков его Давид.
Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Вазари писал, что статуя Микеланджело: "...отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских".
В 1505 г. папа Юлий II призвал Микеланджело в Рим, для создания своей гробницы, 40 лет жизни Микеланджело отдал ей, выполнив три статуи.
Роспись потолка Сикстинской капеллы также возложил Юлий II на Микеланджело. На потолке капеллы Микеланджело создал мир титанов.
Фреска "Страшный суд" (1508 - 1512) в Ватикане - роспись потолка и алтарной стены Сикстинской капеллы. Роспись потолка свыше 500 кв.м и включает 343 фигуры. Без помощников работал 4 года, лежа на лесах. Площадь "Страшного суда 13,7 х 12,2 м.
Художник, который не считал себя живописцем и вначале упорно отказывался от этой работы, создал в результате беспримерное творение. В эпоху Возрождения плафонная живопись носила преимущественно декоративный характер, Микеланджело же изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог - вдохновенный творец, создающий Вселенную и человека.
Его люди могучи и прекрасны телом и духом; пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, обнаженные юноши раскрывают в многообразных проявлениях красоту и пластику человеческого тела.
Этот жизнеутверждающий пафос сменяется трагической безысходностью, когда Микеланджело работает над фреской "Страшный суд". Многое изменилось в мире, в судьбе родины - изменилось и мироощущение художника. Суд, изображенный на фреске, действительно страшен: праведники, обступившие Христа, гневны, они требуют возмездия, и Христос властным жестом руки низвергает грешников в ад. В этом сюжете можно видеть крушение ренессансной гордыни - и шире - образ всечеловеческой катастрофы.
Последние скульптуры Микеланджело - три "Пьетты" - (Пьетта - оплакивание) - несут образ сломленного страдания человека; от них веет бесконечной усталостью и глубокой скорбью. Им созвучны строки его сонета:
"Надежды нет, и все объемлет мрак,И ложь царит, а правда прячет око".Капелла Медичи была построена в 1520 - 1525 гг. по проекту Микеланджело как усыпальница членов семьи Медичи. Вместо задуманных четырех надгробий было исполнено два - Лоренцо ("Утро" и "Вечер") и Джулиано ("День" и "Ночь") Медичи. Фигуры, традиционно символизирующие быстротечность времени, Микеланджело наполнил переживаниями, рожденными трагической судьбой своей родины, крушением своих идеалов.
В одном искусстве Микеланджело остался верен заветам своих героических лет в архитектуре: во Флоренции он создал капеллу Медичи и интерьер библиотеки Лауренциана (первая публичная библиотека в Европе), в Риме разработал проект перестройки Капитолия и увенчал грандиозным куполом собор св. Петра, главную святыню христианского мира.
Собор св. Петра строили около 150 лет (первоначальный проект был создан арх. Д. Браманте). Над собором Микеланджело работал до конца жизни.
Собор святого Петра - венец архитектурного гения Микеланджело, где мастер развил идею центричности, автором которой был Д.Браманте. И все же главное творение Микеланджело - зодчего - грандиозный, вознесенный к небу купол над центральной частью храма. Внутри он кажется легким и пронизанным светом, покоряюще прекрасным. Купол собора св. Петра Микеланджело царит над всем вечным городом, над бесчисленными архитектурными памятниками, которыми так богат Рим.
Б.Соловьева, анализируя эпоху и творчество Микеланджело, пишет: "В архитектуре эпохи Возрождения много прекрасных творений, однако, этот вид искусства перестал быть ведущим, перестал быть основой синтеза искусств. Архитектура сама начинает подчиняться и даже подражать изобразительным искусствам - живописи, скульптуре, и эти тенденции к концу эпохи нарастали. Стала преобладать забота о красоте фасада; конструктивные элементы использовались в декоративных целях. Нередко случалось, что в интерьерах архитектурные формы - абсиды, купол, карнизы, пилястры, * арки * - изображали на стенах потолке красками.
И все-таки именно в живописи был наиболее очевиден закат большой культурной эпохи. У поколения художников, которое сложилось в период захвата Рима, падения флорентийской республики, крушения надежд на объединение страны, феодально-католической реакции, контреформации и инквизиции, вера в силу, разум человека, возможность гармонического развития личности была утрачена или сильно подорвана. Они восхищались и чтили Леонардо, Рафаэля, Микеланджело и считали, что следуют их заветам, но внутренняя опустошенность, отсутствие собственного вдохновляющего идеала рождали только манерное подражание отдельным внешним приемам. Это направление и получило название маньеризм. * Сознание неудовлетворенности, бессилия перед неразрешимыми противоречиями приводило к стремлению отгородиться от жизни. Художники-маньеристы, которые работали, главным образом, при дворах герцогов и королей, следовали в своем творчестве придворно-аристократическим вкусам. Они вдохновлялись не реальным миром человеческих чувств, а стремлением к причудливым формальным эффектам. Их картинам присущи вычурность и манерность, жеманное изящество, стремление поразить необычайной трактовкой сюжета, тесное расположение фигур, их деформации, удлинение, "змеевидные" движения и повороты. Типичным произведением маньеризма является "Мадонна с длинной шеей" Пармиджамино".
Дата добавления: 2015-08-27; просмотров: 89 | Нарушение авторских прав
| <== предыдущая страница | | | следующая страница ==> |
| Позднее Возрождение. Кризис Гуманизма | | | Возрождение в Венеции |