Нидерланды.

Северное Возрождение.

Под северным Возрождением принято подразумевать культуру 15-16 веков в европейских странах, лежащих севернее Италии. Этот термин достаточно условен. Его применяют по аналогии с итальянским Возрождением, но если в Италии он имел прямой первоначальный смысл – возрождение традиций античной культуры, то в других странах ничего не возрождалось, там памятников античной эпохи было немного. Главные очаги северного Возрождения – это Нидерланды, Германия и Франция. Искусство этих стран в 15 веке развивалось как прямое продолжение готики, как её внутренняя эволюция в сторону мирского.

Нидерланды.

Небольшой стране суждено было стать в 15 веке самым ярким после Италии очагом европейского искусства. Нидерландские города, хотя и не были политически самостоятельными, давно уже богатели и крепли. Они вели обширную торговлю, развивали у себя мануфактурное производство тканей, ковров, стекла. Крупным центром международной торговли был старинный город Брюгге, поэтический город каналов. К концу 16 века он заглох, уступив первенство оживлённому Антверпену. Готическая архитектура Нидерландов – это не только храмы, но ещё и большие ратуши, городские стены и башни, дома купеческих и ремесленных гильдий, торговые ряды, склады, жилые дома с узкими фасадами и высокими треугольными или ступенчатыми фронтонами.

Среди видов художественной деятельности, как и в итальянском Возрождении, лидировала живопись.

Чем отличается итальянское Возрождение от Северного? Для итальянца эпохи Возрождения главное – красота и совершенство мира. И самое прекрасное в этом мире – человек. Человек заслоняет собой всё, он господствует надо всем. Северяне тоже относились с почтением к индивидуальным качествам человека, но всё же не мыслили себе личности вне общества. Если у итальянцев герой – это прекрасный человек в прекрасном мире. То люди, жившие по ту сторону Альп, интересовались в большей степени душевными качествами человека. Проблемы этические и моральные были для них важнее эстетических.

Вопрос 1. Ян Ван Эйк (около 1390-1441).

Дату рождения художника следует, по всей вероятности, относить к первой половине 1390-х гг.; родиной же его традиционно считают город Маасэйк в нидерландской провинции Лимбург. Первыми уроками мастерства, опять-таки предположительно, Ян был обязан своему старшему брату Губерту.

К 1422 г., когда имя ван Эйка впервые упоминается в документах, это был уже известный живописец, состоящий на службе у Иоанна Баварского, графа Голландии и Зeландии, двор которого располагался в Гааге.

Не позднее 1426 г. была написана «Мадонна в церкви» — одна из ранних работ Ван Эйка. Как и большинство его произведений, картина как бы светится изнутри, рождая ощущение возвышенной радости.

Такой поразительный эффект внутреннего свечения достигался за счет послойного нанесения масляной краски на белую гипсовую грунтовку, тщательно отшлифованную и покрытую лаком.

Тут надо немного остановиться на открытии художника, давшем толчок бурному распространению техники масляной живописи по Европе. Дело в том, что Яна ван Эйка долгое время считали изобретателем масляных красок. Это не совсем так.

Красящие составы на основе растительных масел были известны еще в ХII в., но популярностью не пользовались: они долго сохли, часто блекли и растрескивались. Многие художники стремились улучшить старинные рецепты. Лишь Ван Эйк, где-то около 1410 г., нашел ту магическую формулу, которая делала краски быстросохнущими, позволяла живописцу наносить их плотными или прозрачными слоями, не опасаясь смешения. Теперь их можно было бесконечно варьировать по цвету, добиваясь невиданных ранее оттенков. И самое главное — тонкая масляная пленка наподобие линзы одновременно и отражала падающий свет, и вбирала его в себя, создавая тот самый эффект внутреннего сияния картины.

Новые возможности масляной живописи помогли братьям Ван Эйк сотворить Гентский алтарь — один из величайших живописных памятников Европы XV в. Работа над ним была начата, видимо, около 1422 г. Губертом, а после его смерти в 1426 г. продолжена младшим братом.

Гентский алтарь уникален. Он представляет собой грандиозный многоярусный полиптих, достигающий в центральной части трех с половиной метров в высоту и пяти метров в ширину в раскрытом виде. Даже если бы Ян ван Эйк в своей жизни больше ничего не создал, он все равно вошел бы в историю как aвтop Гентского алтаря. В 1432 г. работа была закончена, и складень занял предназначенное для него место в церкви Св. Иоанна Крестителя (ныне собор Св. Бавона).

Гентский алтарь открыт

Гентский алтарь закрыт

С октября 1428 года до конца 1429 находился в Португалии в составе посольства, заключившего брачный договор между бургундским герцогом и Изабеллой Португальской. После этого он поселился в Брюгге, где в 1431 году купил дом.

вскоре женился. В 1434 г. герцог Филипп III стал крестным отцом первого из десяти детей Яна и, в связи с рождением сына, преподнес ему в подарок шесть серебряных чаш.

В 1433 году мастер работал в герцогском дворце в Брюсселе.

Ян Ван Эйк был выдающимся портретистом. Будучи придворным художником бургундского герцога, он выполнял также и частные заказы.

Ян ван Эйк был первым, кто начал создавать портреты, преследуя цель точнейшего воссоздания индивидуального облика модели и аналитического исследования натуры человека с ее разнообразными приметами и свойствами. Сохранившиеся портреты свидетельствуют о его проницательности и высоком уважении к человеческой индивидуальности.

Портрет ювелира

Портрет человека с гвоздикой

Заказы в обилии поступали от богатых купцов Брюгге и от иностранных. Джованни Арнольфини, принадлежавший к видной купеческой семье итальянского города Лукки, приехал во Фландрию как представитель банкирского дома Медичи. Здесь он приобрёл большое влияние, занял пост советника при Филиппе Добром, который возвёл его даже в рыцарское достоинство. Его жена Джованна Ченами также происходила из Лукки. Этот двойной портрет стал новой вехой в истории мировой живописи.

Портрет четы Арнольфини

Итальянский купец изображен держащим за руку свою молодую жену в момент торжественной супружеской клятвы в присутствии двух свидетелей, чьи отражения видны в висящем на стене круглом зеркале — символе всевидящего Божьего ока. Надпись на стене «Ян ван Эйк был здесь» позволяет думать, что художник присутствовал при этом старом нидерландском обычае обручения в домашней обстановке. Обряд совершается в святая святых бюргерского дома—спальне, где все вещи имеют затаенный смысл.

Художник скончался 9 июля 1441 г. в Брюгге, городе, ставшем для него родным, и был похоронен «в ограде» церкви Святого Донациана. Лишь через год родственникам удалось перезахоронить его тело, уже внутри церкви, около купели.

Ян ван Эйк был одним из величайших гениев, чье творчество, исполненное огромной духовной силы и глубины идей, стало источником для развития искусства Нидерландов и других стран Европы. В своеобразном девизе Ван Эйка «Как умею» слились смирение и достоинство, присущие как самому художнику, так и всему его творчеству.

Вопрос 2. Иероним Босх (около 1450-1516).

Достоверных исторических сведений о художнике сохранилось немного. Псевдоним Босх, использованный художником для подписи целого ряда картин, происходит от сокращённого названия его родного города Гертогенбосх (Герцогский лес), расположенного в Северном Брабанте. Сегодня это территория королевства Нидерландов. Настоящая фамилия ван Акен указывает на происхождение семьи из немецкого города Аахена. Дед, отец, два дяди и один из братьев Иеронима были художниками, и он получал образование в семейной мастерской. Самые ранние самостоятельные работы Босха относятся к 1470-м годам, это произведения на сатирические темы, высмеивающие людские пороки и глупость. В 1480 году, будучи уже самостоятельным мастером, он завершил роспись алтаря для Братства Богоматери. Чуть позже он стал членом этого братства. Культурная и общественная жизнь европейских горожан с эпохи средних веков была тесно связана с деятельностью религиозных братств.

Босх прославился странными аллегориями, где элементы реальности причудливо перемешаны с порождениями необузданной фантазии. За фантазией Босха прячутся вполне конкретные идеи, за кажущимся произволом выступает железная логика. То, что нам непонятно, было вполне доступно современникам Босха. Пословицы, поговорки, крылатые слова были тогда в большей степени достоянием народа, чем сейчас, и поэтому ими часто пользовались писатели и художники. Да и в те времена, когда еретиков жгли на кострах и подвергали пыткам, было безопаснее выражать свои мысли в завуалированной форме.

Картина «Семь смертных грехов» (1475-1480). Эта картина считается одной из первых самостоятельных работ художника. Ключом к её пониманию является центральный образ Христос – Незапятнанное Зерцало. Образ сопровождается латинской надписью «Остерегайся, остерегайся, Бог всё видит». Круглая центральная часть действительно решена как Всевидящее око Господне, в «зрачке» которого Сын Божий предъявляет миру раны Распятия. Вокруг в сегментах основного поля представлены сцены с аллегориями человеческих грехов. Они трактованы в занимательном жанровом ключе, отображают самые обычные, повседневные занятия. Сверху по часовой стрелке здесь показаны 7 грехов. Обжорство (семейка объедается от пуза), лень (мужчина не желает даже привстать с кресла), похоть (весёлая компания гуляк-любовников развлекается на лужке в шатре), гордыня (красотка разглядывает себя в зеркале, которое услужливо придерживает дьявол), гнев (пьяные крестьяне готовы убить друг друга), зависть (обыватели с ненавистью разглядывают более состоятельных прохожих), жадность (дворянин готов отнять последнюю монету у должника). В круглых медальонах по углам картины, обособленные от центральной композиции чёрным фоном, изображены Четыре Последние Вещи: Смерть, Страшный суд, Ад, Рай. Они призывают задуматься о том, что произойдёт в конце существования человеческого рода. Таким образом, картинки из обыденной жизни включены здесь в интеллектуальную символическую схему, раскрывающую духовные и морально-нравственные понятия.

Вступление в этап зрелого творчества ознаменовали работы «Воз с сеном» и «Сад земных наслаждений».

1500-1502 «Воз с сеном». Триптих. Сено в средневековых нидерландских представлениях символизировало тщету, то есть всё преходящее. На переднем плане тучный монах руководит хлопотливыми монахинями, которые загружают большие охапки сена в объёмистые мешки. Мир – стог сена, из которого каждый пытается урвать свой клок, то есть свою долю мирских благ. Присутствие композиций Ад и Рай на створках триптиха сообщает глобальный смысл судеб человеческого рода. На левой створке в 4 этапах представлено грехопадение. Эпизоды следуют сверху вниз как бы из глубины к переднему плану. Это низвержение восставших ангелов, сотворение Евы, грехопадение прародителей и изгнание Адама и Евы из Эдемского сада. Центральная часть, давшая название всему произведению, представляет торжество человеческих заблуждений, бренность и ничтожество земных утех. Здесь изображён символ человеческой жадности – повозка с сеном, которую медленно, но неуклонно влекут вперёд чудовищные создания. Конечный пункт этого греховного, пагубного пути – Ад, изображённый на правой створке. Потерянное человечество, вступившее на путь безумия после грехопадения, толпится и беснуется вокруг стога сена, толкая друг друга под колёса повозки. Её эскорт образуют едущие верхом Папа Римский, император, король и их свита. На верхушке стога царит один из 7 смертных грехов – сладострастие. К нему причислялись все чувственные наслаждения: группа музицирующих, плотские желания (обнимающаяся пара), честолюбие и тщеславие (крылатый демон справа - это трубящая слава). Именно сладострастие, согласно Босху, правит миром и человеческими желаниями. От этого их бессилен уберечь даже ангел-хранитель, в отчаянии взывающий к явившемуся на небе Христу.

Справа, на фоне разгорающегося на заднем плане пожара, команда демонов-мастеровых строит исполинскую башню. Здесь в изображении Ада возникает тема Вавилона, бесовского города, традиционно противопоставляемого Граду небесному Иерусалиму.

1503-1504. «Сад земных наслаждений», триптих.

Это наиболее загадочное и впечатляющее произведение Босха. Оно представляет собой судя по всему образ сновидения или грёзы о невозможном. Либо это мир до потопа, поглощённый исключительно удовольствиями плоти. Либо, что более вероятно, картина изображает человеческое сообщество в том состоянии, в каком оно могло бы существовать вне христианской доктрины, в неведении моральных запретов и потому свободным от греха как жизнь самой природы. Композиции на створках триптиха называются Сотворение Евы и Ад музыкантов.

В центральной части представлено более сотни различных персонажей, все они обнажены, однако здесь нет греховных оргий и проявления похоти. Центром композиции является фонтан молодости.

Затем Босха привлекла сатира Себастьяна Бранта «Корабль дураков», где речь шла о глупцах, плывущих на корабле день и ночь безо всякой цели. И так как они не знают, где причалить, пути этому не видно конца.

Пассажиры лодки брошены на произвол судьбы. Вместо того, чтобы стремиться к цели, они предаются мирским забавам: пьют, едят, поют и играют. Главные персонажи здесь – монах и монашенка, они, по мнению художника, являются носителями зла. О том, что в лодке собрались дураки и нестоящие люди, свидетельствуют и присутствие шута и глупые занятия людей: один карабкается по гладкому стволу Майского дерева, которое служит мачтой, чтобы срезать куриную тушку, другие пускаются вплавь, чтобы набрать воды, вместо того, чтобы зачерпнуть её, сидя в лодке. Босх недвусмысленно выразил своё пессимистическое отношение к человечеству. Вместе с тем он осудил чревоугодие и блудливость духовенства, став на сторону противников этого сословия.

Графика Босха.

Две ведьмы (перо, бистр)

Человек-дерево (перо, бистр)

Гнездо сов (перо, бистр)

Бистр – прозрачная коричневая краска из древесной сажи, смешанной с растворимым в воде растительным клеем. Употреблялась европейскими художниками 15-18 веков для рисования пером и кистью.

К 1510 году Босх стал знаменитостью, небольшие заказы от Братства Богоматери уступили место престижным предложениям высокопоставленных заказчиков.

9 августа 1516 года художник был торжественно похоронен в капелле Братства Богоматери.

памятник Босху

Вопрос 3. Питер Брейгель Старший (Мужицкий) (1525/30-1569).

Мало найдётся в истории искусства личностей столь загадочных и неоднозначных. В течение всей своей жизни Брейгель оставался «немым». Он не писал статей и трактатов, не оставил переписки за исключением двух-трёх близких по духу лиц, почти не имел друзей. Но благодаря привычке художника подписывать и датировать свои работы, можно составить точную хронологию его картин, рисунков и гравюр.

Принято говорить, что у выдающихся людей, оставивших свой след в истории, есть только дата рождения. У Питера Брейгеля эта дата неизвестна. Родился он в деревеньке Брейгель около города Гертогенбосха где-то после 1525 года и между 1530. Деревень с этим названием две, и в какой из них родился Питер, тоже неизвестно.

Первый документ, свидетельствующий о жизни Брейгеля Старшего, относится к 1551 году. Это запись о вступлении его в цех художников Антверпена в должности мастера. Свою творческую деятельность он начал как график. Затем он совершает путешествие в Италию. Об этом уже имеются документальные свидетельства – тонкие кружевные рисунки молодого художника. Эти рисунки – своеобразный дневник путешествия, который время не сохранило целиком. Но и то, что дошло, позволяет нам проследить его путь через Южную Францию, Альпы, где он тонкой линией наносит суровые горные пейзажи на листы белой бумаги. Художник посещает Венецию, Болонью, Рим, Неаполь, но его не покорят творения Тициана, Рафаэля и Микеланджело. В душе у него было иное искусство, он знал и чувствовал свою тропу в искусстве. Уезжая из Италии, Питер оставляет там первую свою картину «Неаполитанская гавань».

После возвращения жил в Антверпене, затем в Брюсселе. Здесь он женился в 1563 году и достиг процветания, пользуясь признанием современников и получая более чем достаточное количество заказов от влиятельных покровителей.

Уже в ранних, выполненных с натуры рисунках и акварелях, Брейгель проявил себя как новатор пейзажа.

На Брейгеля производил впечатление его современник и предшественник Босх. Картины ада, пороки и добродетели, искушения и соблазны – всё это было распространённой тематикой средневековья и от Босха пришло к Брейгелю.

16 век принёс с собой новое отношение к миру. Под воздействием естественнонаучных теорий Коперника и великих географических открытий впервые возникло представление о необъятности вселенной. Вместе с этим родилось сознание ничтожества человека на фоне этих грандиозных пространств. Раздумья над делами людей, над смыслом жизни, зачастую окрашенные горечью разочарований, преклонение перед красотой природы формировали творчество Питера Брейгеля.

Отзвуком размышлений художника о смысле человеческой и вселенской жизни была картина «Падение Икара» (около 1558). Гибель античного героя, который дерзко устремился к солнцу на восковых крыльях, оказывается тут мелким эпизодом. Брейгель изображает лишь торчащие вдали из воды ноги Икара, упавшего в море. В картине на холме, который возвышается над усеянной кораблями бухтой, пахарь, пастух и рыбак занимаются своей повседневной работой. Никто из них не замечает бьющих по воде ног Икара, тонущего далеко от берега. Брейгель трактует зрелище его смерти как незначительную деталь в ничем не нарушаемом ритме вселенной. Только в согласии с природой, постигая её могучий мировой ритм, человек может добиться успеха, иначе его усилия обречены подобно усилиям тщеславного Икара.

Вслед за пейзажной серией гравюр Брейгель создаёт серии «Добродетели» и «Пороки».

На картине «Битва Масленицы и Поста» запечатлён народный праздник на улицах фламандского городка. Сюда художник включает множество конкретно-бытовых эпизодов. Скученная, суетящаяся толпа – ряженые, нищие, торговцы, музыканты, игроки, пьяные, гуляки, монахи, зрители – пульсирует массой разных действий. Здесь водят хороводы, танцуют, играют на волынках, мечут кости. Охваченные неудержимым весельем, люди находятся в непрерывном движении, но за праздничной пестротой чувствуется мудрая философская ирония художника. Брейгель видит не только забавное, но и грубо гротескное: жизнь кажется ему и суетой и мощным источником свободной, природной энергии, причём оба эти начала сосуществуют. Из чердачного оконца смотрит художник на площадь этого маленького городка, заполненную веселящимся людом. С иронией наблюдает он за этой суетной толпой и, может быть, задаёт вопрос: «Пошто беснуетесь?»

Обращаясь к национальной традиции, к фольклору и народным пословицам, Брейгель философски переосмысляет их и создаёт на основе фольклора панораму современного общества. Различные пороки – скупость, себялюбие, чревоугодие, сладострастие… - воплощаются в образах живых людей, их конкретных поступках. Это отражает полотно «Фламандские пословицы» (1559). Характерен метод Брейгеля: он не навязывает зрителю своих выводов, не выделяет фигуры носителей порока из общего течения деревенской жизни.

В небольшом пространстве художник сумел разместить более 100 сюжетов-миниатюр. Вверху слева по черепице круглые лепёшки: крыша крыта пирогами – «рай дураков». Ниже по скату – лучник «пускает вторую стрелу, чтобы найти первую» - бессмысленное упорство. Часть крыши лишена черепицы – «у стен есть уши». Внизу слева мужчина в голубой рубахе – «кусающий колонны» (религиозный лицемер). Рядом дама расправляется с рогатым джентльменом - «она может даже дьявола привязать к подушке» (упрямая баба победит самого дьявола). Над этой сценой – женщина, в одной руке она несёт ведро, в другой – дымящуюся головню. «У неё в одной руке огонь, в другой – вода» (она двулична и лжива). Внизу справа человек пытается ложкой собрать что-то, выливающееся из котла. «Тот, кто, разлил кашу, уже не соберёт всю обратно» (что пользы плакать над убежавшим молоком).

Большинство пословиц осуждают глупое, безнравственное поведение.

Более 30 из 45 картин Брейгеля посвящено изображению природы, деревни и её жителей. Безликие представители сельских низов становятся главными героями его работ. За это он получил прозвище Мужицкий. Никто из художников раньше не осмеливался создавать произведения на такие темы. Искусство того времени обычно представляло крестьян тупицами, обжорами и пьяницами. Таковыми они изображены в сатирических стихотворениях, рассказах и масленичных пьесах. Брейгель же показывает, что природное, неокультуренное начало является неотъемлемой частью человека.

В серии картин «Месяцы» (1565) сменяющие друг друга времена года неразрывно объединены с сезонным трудом крестьян. Эта работа принесла ему широкую известность и по праву занимает видное место в мировой истории живописи, хотя до нас дошло лишь 5 картин из 12. Брейгель тонко чувствует поэзию сельского ландшафта. Он пишет бурное весеннее пробуждение («Сумрачный день»), напряжённый ритм жаркого летнего дня («Жатва»).

В картине «Охотники на снегу» («Декабрь») метко схвачено своеобразие зимнего пейзажа с прозрачным морозным воздухом. Художник выбирает высокую точку зрения, завершая дальний план величественной цепью гор. Охотники возвращаются домой со сворой собак. Они устало бредут по снегу. На втором плане развёртывается панорама небольшого посёлка, жители занимаются своими делами, веселятся, катаются на коньках, заготавливают хворост для печей.

Сумрачный день

Жатва

Охотники на снегу (Декабрь)

Возвращение стад

Страна лентяев

Брейгель продолжает творить, однако, как верный сын своего народа, он не может оставаться в стороне от событий, начинающих развиваться довольно стремительно.

Начинается время преддверия революции, активной борьбы с испанцами. В 1567 году герцог Альба, заслуживший прозвище Кровавый, с войсками вступает во Фландрию. По приговору «кровавого совета» подвергаются казни 18 тысяч фламандцев разного сословия. Пылают костры, воздвигаются виселицы, гибнут невинные люди. Написанная 3 года назад серия картин «Триумф смерти» и казавшаяся тогда кошмарным сном теперь становится реальной действительностью.

Брейгель пишет картину «Избиение младенцев», где изображает расправу карательного испанского отряда с жителями фламандской деревни. Он не побоялся одеть карателей в форму испанских солдат и со свойственной ему правдивостью изобразил как фон разыгравшейся трагедии обычную деревню в хмурый зимний день.

Картину «Вавилонская башня» художник писал по крайней мере 3 раза. Сохранились «Вавилонская башня» (1563) и «Малая Вавилонская башня» (около 1563). Гигантское строение было запечатлено дважды. Никогда раньше не удавалось художникам так живо передать чудовищную величину башни. Уникальность Брейгеля как художника в том, что он совмещает приёмы панорамной живописи и миниатюры. Гармоничность его картин вытекает из уравновешенности целого и его частей. К уступам башни успели прилепиться деревни. Город, готические крыши которого виднелись далеко внизу, стал для этих людей чужим. Теперь их отделяет от этого места огромное расстояние. Башня была гигантским олицетворением тщетности. Всё это рано или поздно исчезнет. Вся эта конструкция из камня, такая прочная и так умело построенная, когда-нибудь уподобится песку на морском дне. От Вавилона, как и от Трои, останутся только воспоминания, метафора этой тщетной погони за ветром, которая и есть наша жизнь…

Но и в эти тяжёлые для родины годы Брейгель не теряет веры в силу народного духа, его нравственное здоровье и физическую мощь. Свидетельство этому картины «Крестьянский танец», «Крестьянская свадьба», «Танец на свадьбе». В этих произведениях человек обретает характер, становится личностью.

В картинах «Крестьянский танец» и «Крестьянская свадьба» зритель сам становится участником события, он может познакомиться с каждым героем. Вот волынщик, комично надувший щеки, вот лихой парень, который пустился в пляс и увлекает за собой партнёршу. Центральная фигура не убедительна по рисунку и нелепа по пропорциям, но от картины веет могучей силой и жаждой жизни. Мы можем себе представить, что где-то в толпе, переодетый в крестьянскую одежду, затерялся и сам художник, наблюдая с юмором и любовью этих веселящихся взрослых детей.

Крестьянский танец

«Крестьянская свадьба» - единственная картина Брейгеля, где действие происходит в интерьере. Эта картина – протест против особого приказа, изданного ещё отцом Филиппа II, Карлом V, который запрещал собрания, сходки. Даже за свадебным столом не разрешалось собирать более 20 человек.

В поздних произведениях Брейгеля углубляются настроения пессимистического раздумья. В картине «Слепые» (1568) евангельская притча использована для воплощения идеи о слепом человечестве, пассивно следующем за судьбой-фортуной. Вожак, возглавляющий цепочку калек-слепых, падает, остальные, спотыкаясь, неудержимо следуют за ним, судорожны и беспомощны их жесты. Неизбежен печальный финал – все попадут в яму. Картина адресована политическим деятелям Фландрии, показавших свою слепоту и бессилие в руководстве событиями, приведшими страну к катастрофе.

Калеки

В картине «Калеки» перед нами уродливый и страшный мир. На фоне зелёной травы теснятся жалкие калеки, человеческие обрубки, некогда бывшие полноценными людьми. В их глазах мы видим недоверие, непонимание. Обиду и постоянную боль. А красные кирпичные стены намертво стискивают пространство и ещё больше усиливают ощущение трагичности происходящего в мире. Здесь художник не создаёт аллегорию, а в жестокой манере показывает трагедию отдельных людей, как назидание всему человечеству.

В картине «Мизантроп» размещены слова «Так как мир столь коварен, я иду в траурных одеждах». Затем изображён молодой злобный карлик, крадущий кошелёк у мрачного старика.

В конце своей жизни Брейгель ещё раз в пейзажной живописи заявит о своей привязанности и родстве со всем, что живёт и умирает. Это картина «Сорока на виселице» (1568). Это последнее полотно, оставшееся на мольберте в мастерской художника, когда к нему пришла смерть. Опять зритель словно сверху обозревает леса, луга, скалы, реку, впадающую в море чуть ниже линии горизонта. Замок на высокой скале, небольшой городок. Всё это растворяется в мягком, влажном воздухе тёплого солнечного дня. В правом углу картины водяная мельница с огромным колесом, как символ вечного движения. Идиллический пейзаж. И в эту идиллию вдруг вторгается диссонанс – силуэт виселицы. Она занимает центр картины. На верхней перекладине сидит птица, чуть дальше – крест, означающий место погребения казнённого. Остановись, путник, задумайся! – говорит художник. Сам он думал о жертвах, которые, как он видит теперь, быстро забыты да и вообще напрасны. И это особенно горько, обидно. Поэтому с таким весельем заставляет он трёх селян отплясывать свой танец почти у подножия виселицы. На первом плане парочка изрядно подвыпивших мужчин идёт мимо, подбоченясь. Народ веселится, он живёт сегодняшним днём. Сегодня солнце сияет, вокруг тишина и благодать. Забыты грозные дни, забыты те, кто пал жертвой кровавого произвола, но о них помнит художник и как завещание потомкам оставляет на мольберте эту картину. Он возвращает нас, живущих через 400 лет после его смерти, к раздумьям о его времени.

Брейгель умер в Брюсселе 5 сентября 1569 года. Два его сына, Питер Брейгель Младший и Ян Брейгель, стали известными художниками.

Продолжая традиции Босха, Брейгель необычайно расширил тематику жанровой живописи, ярко раскрыв в своих произведениях единство человека и плодоносящей природы, воплотил национальное своеобразие характера народа, в первую очередь крестьянства. Героем его картин стала не отдельная личность, а коллектив, народные массы.

Своим искусством Брейгель блистательно завершил сложные и противоречивые искания нидерландского Возрождения.

Дата добавления: 2015-07-16