Проскений(переднюю стену) - со времён Эсхила закрывали подвижной декорацией – просцениуимом.

Читайте также:

Театрон» в виде подковы, располагался на склоне холма, давая свободный обзор площадки, так, чтобы все зрители могли видеть действие, происходящее на «орхестре».

В центре «орхестры» был расположен Алтарь – пережиток архаических обрядовых действ.

В глубине «орхестры» возвышалась «скенэ». Первоначально это была палатка, для переодевания актёра, а впоследствии передняя стена – «проскений», превратилась в специальное, украшенное сооружение, изображающее фасад здания или дворца в виде колоннады.

Проскений закрывался декорациями, который переходили в естественный ландшафт. Перед проскением и происходило действие.

Проскений(переднюю стену) - со времён Эсхила закрывали подвижной декорацией – просцениуимом.

К скенэ примыкали два боковых строения – параксении, в которых хранили декорации и костюмы.

Между скенэ и тетраэном лежали проходы – пароды, через которые актёры и хор выступали на «орхестру», если они по ходу пьесы, прибывали из другого города или страны.

В качестве декораций употреблялись ковры, драпировки, ткани. С развитием драматургии менялись и декорации. Сначала, в трагедиях Эсхила, они выполнялись из дерева, были массивны и маловыразительны – например, изображая гробницу или скалу.

Позднее, при Софокле, появились расписные декорации, изображающие фасад дома, дворца или палатки. Это было уже более ярко, интересно и выразительно.

Впоследствии начали применять специальные театральные машины – «эккиклемы» и «эоремы». «Эккиклема» - это высокая деревянная площадка на колёсах, которая выдвигалась из центральной двери «скенэ» и показывала происходящее внутри помещения. «Эорема» - машина, помогающая актёрам подняться в воздух.

Также использовались примитивные машинные приспособления для воспроизведение раскатов грома и т.д.

Занавеса греческий театр не знал. В виду того, что представление смотрели со всех сторон, плоскостные декорации не применялись.

Предание гласит, что Феспид был единственным актёром в своих трагедиях. Его партия просто чередовалась с песнями хора.

Эсхил ввёл второго актёра – «девтерагониста», а Софокл третьего – «тритагониста». Но основные роли исполнял третий актёр – «протагонист».

Актёр обычно находился перед сценэ. Только в особых случаях он появлялся на возвышении – «логейон» (?или логетон?). Это было то место, где говорили в исключительных обстоятельствах.

Актёром мог быть только свободнорождённый человек. Актёра пользовались почётом. С середины V века до н. э. протагонисты принимали участие в театральном состязании наравне с драматургом и хорегом.

Каждый актёр в течение пьесы играл несколько ролей и должен был в совершенстве владеть дикцией, вокальным мастерством, искусством танца и пластикой. В особенно торжественных местах текст пелся – исполнялся в виде своеобразной «арии» – монодии.

Актёры играли в масках. Это отчасти связано с тем, что представление происходила на открытом воздухе. Вместе с тем, актёрские маски явились пережитком раскрашенных масок – принадлежности архаичных маскарадных действ. Маски напоминали шлемы, с орлиным носом и имели большие отверстия для рта и глаз. Маски были деревянные или полотняные. Поэтому актёрам приходилось говорить громко, а их жесты должны были очень точно выражать состояние героя. Предполагают, что в маску был вделан рупор, для усиления голоса.

Маска проникла в театр ещё со времён Дионисий – жрец, изображающий бога, был в маске. Но в театре она уже не играла культового значения. С её помощью создавались крупные, обобщённые образы – героические и карикатурно-комические. Кроме того, женские роли играли мужчины и поэтому маски были им совершенно необходимы. Маски закрывали всю голову и часто к ним прикреплялись причёски и бороды. У трагических масок надо лбом делали выступ – онокс, увеличивающий рост героя. Чтобы придать своим героям величественность и значительность поверх маски водружали высокий головной убор и подкладывали утолщения под одежду.

Одежда актёра отличалась намеренной архаичностью. Костюм трагических актёров напоминал пышные одежды жрецов – это была либо одежда из грубой льняной ткани – хитоны, с длинными рукавами, опускающимися до пят, либо плащи. Передвигаться нужно было на чрезвычайно неудобной обуви с деревянными подставками на подошвах – «котурнах». Такая обувь увеличивала рост.

Комические актёры прикрепляли под одежду подушки и всевозможные подкладки для нарушения пропорций тела, вызывая тем самым смех у зрителя.

Всё это говорит об архаических чертах торжественно-обрядовых истоках первоначальной трагедии.

Основой трагедии до Эсхила включительно, являлся Хор, из которого постепенно выделились актёры – сначала один, затем два, и, наконец, три. Дальше этого числа античная трагедия не пошла.

В древнегреческом театре Хор состоял первоначально из 12 человек, затем число было увеличено до 15., а в комедиях – до 24 человек. Участники хора назывались – хоревтами, а их солист – корифеем.

Вначале действия Хор торжественно выходил на «орхестру» и исполнял «парод». А в заключительной части действа Хор таким же торжественным маршем уходил с «орхестры» - эта часть получила название «эксод»

Находясь на сцене, Хор исполнял «стасимы», сопровождая их движениями то в одну, то в другую сторону. Соответственно характеру и направлению движения пение Хора разделялось на: Строфу, Антистрофу, и Эпод. Здесь применялся принцип 3-х частности, впервые применённый в хоровой лирике.

Торжественная декламация актёра чередовалась с пением хора. Иногда актёр переходил на речитатив, а когда нужно было выразить особенно глубокие чувства – актёр пел. Пластичные движения актёра оттенялись или подчёркивались танцем хора – то величественным и спокойным, то радостным, то скорбным.

Музыка, исполняемая на лире, флейте, авлосе или кифаре, также способствовала созданию трагического эффекта.

Всё театральное действие было направлено на то, чтобы вызвать у зрителя чувство сострадания, страха или радости. Помочь зрителю постигнуть смысл жизни, определить своё место в обществе, понять, что такое истина и добро, доблесть и мудрость.

Авторами музыки выступали сами драматурги. В хоре, состоящем из 12-15 человек, пели любители музыки. Участие в исполнении трагедий считалась почётной гражданской обязанностью. Музыка в трагедии помогала раскрыть эмоциональную сторону происходящего. Античная трагедия захватывала, потрясала и, вместе с тем, в самом процессе сопереживания, несла зрителям нравственное очищение. Это был синтетический жанр, объединивший музыку, танец, действие и напевную декламацию.

В основе древнегреческой трагедии лежали – текст, диалоги, сольные и вокальные номера. Это было главным достоинством спектакля и поэтому остальные атрибуты – небольшое число актёров, скромность и условность декораций и всего сценического убранства, исполнение женских ролей мужчинами, необходимость выступать одному актёру в разных ролях - не были помехой для зрительского восприятия.

В трагедиях Хор изображал людей близких и сочувствующих главному герою. В комедиях Хор мог изображать не только людей, но и сказочные существа. Во всех представлениях Хор был выразителем общественного мнения. Он помогал зрителям понять философский и общечеловеческий смысл трагедии.

Небольшое число актёров, скромность и условность декораций и всего сценического убранства, исполнение женских ролей мужчинами, необходимость выступления в спектакле одного актёра в разных ролях – всё это говорит о том, что не актёрская игра лежит в основе древнегреческой трагедии, текст, диалоги, сольные вокальные номера на фоне движущегося и поющего хора. Всё это говорит о том, что не актёрская игра и не внешние аксессуары лежали в основе древнегреческой трагедии, а текст, диалоги, сольные, вокальные номера, на фоне движущегося и поющего хора.

Таким образом, античная трагедия представляла синтетический жанр, объединяющий в единое целое музыку, танец, действие и разговорно-повествовательное изложение текста. Соотношение этих элементов трагедии между собой было далеко не одинаково на разных этапах её развития.

Трагедии писали в стихах. Впервые трагедия появилась во времена Великих Дионисий в Афинах 2500 лет назад (в 534 г. до н. э.). В ней выступил только один актёр. Он выполнял либо функцию рассказчика, либо отвечал на вопросы хора. Сам хор песнями, плясками и ритмическими движениями откликался на рассказ. Главная роль в трагедии принадлежала хору.

Воспитательно-просветительскую роль, которую играл театр в то время сегодня даже трудно представить. Все драматические поэты были наставниками и учителями народа.

Великие драматурги Древней Эллады – Эсхил, Софокл, Еврипид и Аристофан жили в Афинах времён Перикла в одну эпоху - V век до н. э.

ЭСХИЛ ок. 525 - 456 до н. э.

СОФОКЛ ок. 496 - 406 до н. э.

ЕВРИПИД ок. 480 - 406 до н. э.

АРИСТОФАН ок. 445 – ок. 385 до н. э.

Каждый из них наблюдал различные этапы исторического развития своей страны, и это не могло не отразиться на их творчестве.

Эсхил - (ок. 525 - 456 до н. э) - видел становление греческих городов-государств, становление эллинского самосознания в ходе патриотической войны с Персией. Герои его произведений: - «Персы», «Прометей прикованный» - волевые, несгибаемые люди, борющиеся во имя человека и для его блага. В трагедии «Персы» гордость за победоносную Грецию перерастает у Эсхила в гордость за человека. И, хотя поэт верил в богов, в их могущество, однако его Зевс в трагедии «Прометей» - настоящий тиран, деспот, презирающий людей, а центральный образ самого Прометея выступает на первый план. Психологическая обрисовка характеров отражена в последующей трилогии «Орестея».

Характерно, что Эсхил писал трилогии. Большую роль в его трагедиях играла идея кровной мести, проклятия за грехи предков, столкновение человека с непреодолимой судьбой. Это основной стержень трагедий Эсхила. Действующие лица его трагедий в большинстве случаев далеки от жизни и напоминают богов греческой мифологии. Первые трагедии Эсхила ещё близки религиозно-обрядовому действу. В них доминирующую роль играл хор. В основе его произведений – хоровые песни и эпическое повествование. В дальнейшем ведущее значение хора было утрачено.

Эсхил ввёл в спектакль второго актёра, благодаря чему появился диалог, который очень оживил трагедию.

Эсхил сам будто бы назвал свои трагедии «крохами с пиршественного стола Гомера». Он, а за ним и остальные драматурги черпали свои сюжеты в мифологии. Самым её обильным источником были поэмы Гомера - «Илиада» и «Одиссея».

Софокл - (ок. 496 - 406 до н. э) - жил в эпоху расцвета общественной жизни и культуры Древней Эллады, особенно Афин. Большое место в его творчестве занимает нравственное развитие личности. Трагедии Эсхила отличаются психологически верным раскрытием характера и большей драматургической законченностью. Его герои гармоничны, величественны, благородны и приближены к реальному миру. По словам Софокла, «он изображает людей такими, какими они должны быть». Таковы его Электра, Антигона в одноименных драмах. Чрезвычайно психологична его трагедия «Царь Эдип». И, хотя, герои трагедий Софокла наделены подчас сильной волей и противятся слепому року, однако рок, в конце концов, побеждает. Значительное внимание уделял Софокл идее возмездия. Наиболее ярко эта идея отображена в трагедиях «Царь Эдип», «Эдип в Колонне», «Антигона».

Софокл уравновесил хоровое и сольное начало. Ввел третьего актёра. Но, при этом, хор в его трагедиях оставался главным действующим лицом.

Дальнейший шаг от хорового действа к лирической драме делает Еврипид (ок. 480 - 406 до н. э.). Творчество Еврипида проходило во времена утраты национальной сплочённости, идейного разброда и, неизбежных в таких случаях, ослабления моральных устоев. Его творчеству свойственны демократические черты. Основным достижением в трагедиях Еврипида является замена «сверхчеловека» и мифологических героев образами из повседневной жизни.

Еврипид – творец реалистической психологической драмы. Он стремился привлечь внимание к чувствам и переживаниям простых людей. Он изображал своих героев такими, «как они есть», а именно, истерзанных страстями, поглощённых семейными неурядицами.

Сюжеты трагедий Еврипида взяты исключительно из мифологии: - «Альцеста» - трагедия о смерти, «Медея», «Ипполит».

Еврипид уже не ограничивался хором. Он использует напевную сольную лирику, способную ярко раскрыть внутренний мир человека.

Сближается с музыкантом Тимофеем Милетским, а позже с музыкантом Агафоном. Значительное достижение – создание лирической сцены, где актёры поют сольные партии.

С расцветом творчество Аристофана (ок. 445 – ок. 385 до н. э.) критика стала настоящей стихией афинского театра. Критика Аристофана, прежде всего политическая. Так, комедия «Вавилоняне» заставила Гелеона возбудить против поэта судебное дело за дискредитацию должностных лиц. Аристофан постоянно пародирует драматургов. Например, в комедиях «Мир» и «Всадники», он пародирует трагедии Еврипида «Беллерофонт» и «Алкеста», а в комедии «Осы» - самого Гомера. Но и этого мало – он пародирует молитвы и религиозные обряды. Герой Аристофана – здравый крестьянский смысл, который всегда добр и человечен.

Аристофан использовал театр как арену борьбы за гражданские идеалы. Его комедии вывели на сцену ярких социальных типов, создали живой сценически выразительный тип представления, насыщенного острыми диалогами, буффонадой. Всё это требует от постановщика и актёров изобразительности, яркости характеристик и остроумных мизансцен. Его комедии обычно назывались по составу хора: - «Птицы», «Облака», «Лягушки», «Осы».

Греческий театр существенно изменился в эпоху эллинизма (IV – I в. в. до н. э.). В это время Афины утратили своё главенствующее положение в стране, а сама страна становится зависимой от Македонии. Политическая свобода утрачивается и в театральном искусстве, поэтому тематика пьес становится более узкой и ограничивается вопросами семьи и быта.

Комедии этого периода получили название – новоаттические. В них прославляется всемогущество случая. В середине IV в. до н. э. появляются актёры-профессионалы, которые объединяются в «синоды технитов».

Эллинистические театры строились из камня, например, в середине IV в. до н. э. в Эпидавре был построен театр, рассчитанный на 25 тысяч человек. Это здание сохранилось до наших дней. Почти в это же время в Афинах на южном склоне Акрополя был сооружён театр Диониса на 17 тысяч человек. Он вмещал почти всё взрослое население Афин.

САТИРОВСКАЯ ДРАМА И ХОРОВОДНАЯ КОМЕДИЯ

Наряду с трагедией, античный театр создал и другие жанры: - «драму сатиров и «хороводную комедию».

Сатир – особый мифологический персонаж. Народ любил сатиров. Около 500 г. до н. э. сатировские хоры включались в драматические представления в виде самостоятельной «сатировской драмы». Было установлено следующее соотношение: 1 сатировская драма приходилась на 3 трагедии.

«Драма сатиров» сохранила архаические черты причудливой фантастики, стремительные переходы от безудержного веселья к стонам и жалобам. Сатировскую драму обильно уснащали каламбуры, и нередко она пародировала трагедию.

Драму сатиров современники называли – весёлой трагедией. Она явилась промежуточным жанром, сочетавшим сюжет и круг действующих лиц трагедии с вольностью и стихийной непосредственностью сатировского действия.

В прежние времена остроты сатировских хоров послужили истоком трагедии. Впоследствии они всё более отдвигались на сторой план и в V в. до н. э. были исключены из трагедии. Около 500 г. до н. э. сатировские хоры включались в произведения в виде самостоятельной сатировской драмы. Они исполнялись в тот же день, сразу после 3-х трагедий. Сатировская драма была весёлым, шумным зрелищем, которое давало разрядку после трагедий.

Комедия была введена в программу праздника Диониса несколько позже трагедии – в начале V в. до н. э. В специальный день представлений выступали 3 соревнующихся комедийных поэта, каждый – с одной пьесой.

В отличие от сатировской драмы, «Хороводная комедия» вся была построена на импровизированных остротах, на разнузданных песнях и плясках дионисиевских гулянок, которые были связаны с культом плодородия. Шумное, весёлое гуляние – «комос» дало название театральному жанру – комедия.

Сведения о характере музыки античной комедии крайне скудны. Центральное место в ней занимал хороводный танец – «звериный хоровод» ряженых с участием шутников-импровизаторов.

Действие античной комедии составляла цепь симметрично построенных звеньев:

Парод- - выход хора на орхестру

Агон - спор противоборствующих сил

Парабаза - обращение хора к зрителям

Эписодии

Эксод - уход хора с орхестры

Актёры комедии тоже носили маску, но свою, с растянутым до ушей ртом и приплюснутым носом. Весь вид комического актёра – его огромное брюхо, манера держаться, вызывали смех у зрителей. Это был карикатурный образ.

Хор носил маски и костюмы зверей, птиц, или фантастических существ.

Народный характер комедии обеспечивал ведущую роль в ней своего рода «словесных состязяний», подобно тому, как в трагедиях на I порах, господствовало состязания хоров.

Комедия достигла расцвета в творчестве Аристофана (ок. 445 – ок. 385 до н. э.)

Постепенно, начиная с IV.в. до н. э. из комедии исчезают грубый шарж и острые политические нападки. Таковы комедии Менандра (343 – 291 г.г. до н.э..)

В новоаттической комедии (IV –III в.в. до н. э.) оформляются устойчивые маски и типы персонажей:

· хвастливый и трусливый воин

· ловкий раб-обманщик

· болтун

· и задира-повар, льстивый прихлебатель

Из комедий почти исчезает хор, он используется только в интермедиях – вставных сценках между действиями.

А в III –I в.в. до н. э. становятся популярны мимы. Большое распространение получил новый модный жанр - пантомима (от слова панма – все). Это сценки с бытовым содержанием, где всё действие воспроизводилось с помощью движения.

К концу I тыс. до н. э. греческая культура распространилась на Запад и на Восток. Она соединилась с местными культурами. Такую смешанную культуру называют эллинистической. Создавались огромные оркестры, а в крупных городах учреждались специальные концертные залы – одеоны.

Дата добавления: 2015-12-01; просмотров: 31 | Нарушение авторских прав

mybiblioteka.su - 2015-2024 год. (0.016 сек.)