Интерес к ордеру вновь возникает в Европе в эпоху Возрождения, а в XVI-XVIII вв. начинается теоретическое осмысление классического ордера. Он активно применяется в архитектуре барокко и особенно, классицизма. Лишь с середины XIX в. значение ордера. Для архитектуры стало уменьшаться, практически исчезнув к середине XX в.
ОРНАМЕНТ (лат. ornamentum - украшение) - узор, построенный на регулярном ритмическом чередовании и расположении геометрических или изобразительных элементов. Орнамент используется для украшения зданий, сооружений, предметов, принадлежащих к сфере декоративно-прикладного искусства, широко применяется в прикладной и книжной графике, плакате и др. Свойства орнамента зависят также от назначения, формы, структуры и материала той вещи, которую он украшает. По характеру построения орнамента обычно выделяют три широко распространенные его разновидности:!) орнаментальные ленты (фризы, окаймления, бордюры); 2) розетки (орнамент, вписанный в круг); 3) сетчатые орнаменты (заполняющие поверхность сплошным узором). По изобразительному началу принято разделять растительный орнамент, геометрический и тератологический (изображение зверей).
ПАСТЕЛЬ (фр. pastel от итал. pasta - тесто) - живопись сухими мягкими цветными карандашами без оправы, спрессованными и отформованными из стертых в тонкий красочный порошок минеральных красителей с добавлением скрепляющего или разбеливающего вещества - гуммиарабика, молока, мела, гипса, талька. Пастельные карандаши бывают твердые, средней твердости и мягкие.
Пастелью называют также произведения, выполненные пастельными карандашами. Ими рисуют на шероховатой бумаге, картоне, загрунтованном холсте, замше, пергаменте. Обычно начинают рисовать твердыми карандашами, заканчивают мягкими. Нанесенный красочный слой растирают пальцами или растушкой. Художественная образность и выразительность пастелей достигается в основном с помощью штриха, что сближает их с графикой. Пастели характеризуются бархатистым матовым красочным слоем, чистым цветом, долго сохраняющим свою свежесть. Чтобы не повредить сотрясением красочный слой, его иногда закрепляют фиксатором, который наносится из пульверизатора.
Считается, что впервые пастель была использована во второй половине XV в. в многоцветных рисунках Ж.Фуке во Франции. Сам термин «пастель» появился в конце XVI в. в трактате теоретика маньеризма Дж. П. Ломаццо. Расцвет пастели приходится на XVIII в. В этой технике работали такие мастера, как Р. Каррьера в Италии, М. К. де Латур, Ж. Б. С. Шарден, Ж. Б. Перронно во Франции, Ж.Э.Лиотар в Швейцарии. Позже классицизм отверг пастель из-за ее изнеженности, приглушенности, отсутствия напряженности. В XIX в. пастели писали Э.Делакруа, Э.Мане, О.Ренуар, Э. Дега во Франции; А. Г. Венецианов, И. И. Левитан, В. А. Серов в России; М. К. Чюрленис в Литве.
ПЕЙЗАЖ (фр. pay sage) - жанр изобразительного искусства, имеющий своим предметом изображение окружающей природы, ландшафтов, городов, исторических памятников, растений. В качестве самостоятельного жанра пейзаж существует в европейском искусстве с XVII в. благодаря творчеству Питера Брейгеля, Альбрехта Альтдорфера, Питера Рубенса, Никола Пуссена и др. В русском изобразительном искусстве пейзаж получил значительное развитие с конца XVIII в., а в XIX столетии стал одним из ведущих жанров. Лучшими мастерами пейзажной живописи в России стали Саврасов, Шишкин, Поленов, Левитан, Серов, Коровин.
В зависимости от главного предмета изображения и характера природы в пейзажном жанре принято выделять сельский, городской, парковый, архитектурный, индустриальный, морской и речной его виды. В современной действительности предметные возможности пейзажного жанра становятся все более разнообразными. По мере развития технического прогресса сегодня появились произведения, которые относятся к фантастическому и космическому видам пейзажа.
Художников, работающих в области пейзажного жанра, называют пейзажистами.
ПЕРСПЕКТИВА (лат. perspicio - ясно, правильно видеть) - в изобразительном искусстве способ изображения объемных тел на плоскости. Знание правил перспективы помогает художнику передать объем и величину предметов в зависимости от их положения в пространстве, удаления от наблюдателя и освещения.
В истории искусства сложилось несколько систем изобразительной перспективы, среди которых первостепенное значение приобрели линейная, воздушная и обратная перспективы. Линейная (прямая) перспектива позволяет художнику за счет перспективного сокращения предметов в пространстве создавать иллюзию глубины плоскости. Воздушная (свето-воздушная) перспектива позволяет художнику передавать изменение цвета в зависимости от степени удаления предмета в пространстве и характера его взаимодействия с окружающей свето-воздушной средой. Благодаря обратной перспективе художник как бы накладывает пластами изображение на плоскости, за счет чего достигается эффект большей декоративности и монументальности.
Начала пространственной перспективы были введены в живопись в Древней Греции художником Аполлодором, применившим в своих картинах эффект светотени (вторая половина V в. до н.э.). При этом большое влияние на развитие учения о перспективе оказала теория зрительных лучей Евклида. В эпоху Возрождения возникло понятие «художественной перспективы», которую называли также «центральной», «прямой» или «итальянской». Деятели эпохи Возрождения Ф. Брунеллески, П. Учелло, Пьеро делла Франческа, А.Альберти, Леонардо да Винчи в Италии, А.Дюрер в Германии и др. дали подробную разработку и математическое обоснование перспективе как глубинному пространству картины.
Предписывая изображению точные правила построения видимого, перспектива расширила сферы субъективного. В XX в. русский художник К. С. Петров-Водкин разработал принципы «сферической», или «наклонной», перспективы, дающей возможность видеть предметы с разных сторон в многократном отражении и преломлении.
ПЛАСТИЧЕСКИЕ ИСКУССТВА - совокупность видов искусства, произведения которых существуют в пространстве, создаются путем обработки вещественного материала и визуально воспринимаются зрителями. Пластические искусства делятся на неизобразительные (тектонические) - архитектура, декоративно-прикладное искусство, дизайн и изобразительные - живопись, скульптура, графика, фотография.
Все пластические искусства базируются на трех главных основаниях: 1) композиции (организации материала в трехмерном пространстве на основе гармонического единства целого и частей); 2) выразительности (отражением в произведении эмоций, индивидуального темперамента, воображения, динамики); 3) изобразительности (воспроизведение как форм видимого мира, так и символов невидимого, идеального мира в виде реального, видимого мира). Вместе с тем пластические искусства зачастую называют «прекрасными» или «изящными» за их наглядность, чувственное выражение красоты бытия, совершенства, идеала.
В современных условиях пластические искусства тяготеют к слиянию, взаимодействию друг с другом, включаются в состав синтетических искусств (театр, кино), объединяются с музыкой («цветомузыка»).
ПЛЕНЭР (фр. pleinair - открытый воздух) - живопись не в мастерской, а на открытом воздухе, т.е. под открытым небом. Живопись в естественных, природных условиях позволяет полнее и лучше передавать красочное богатство натуры, воздушной среды, тончайшие оттенки и полутона. Пленэрная живопись сложилась в результате работы художников на открытом воздухе на основе непосредственного изучения натуры с целью возможно более полного воспроизведения ее реального облика. Наиболее последовательное выражение пленэрная живопись нашла в творчестве французских художников второй половины XIX в. (Коро, Дюпре, Руссо, Добиньи), а также в творчестве крупнейших русских живописцев этого же времени (Поленов, Левитан, Серов, Коровин, Грабарь).
Термин «пленэр» чаще всего употребляется по отношению к жанру пейзажной живописи.
ПОП-АРТ (англ. popular art - популярное искусство; pop - отрывистый звук, хлопок, хлопанье пробки, буквально - искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект) - направление в искусстве 1950-1960 гг., для которого характерны использование и переработка образов массовой культуры. Он явился своеобразной реакцией на абстрактное искусство, хотя обнаружил свою связь с дадаизмом и сюрреализмом. Начало поп-арту было положено в 1952 г., когда лондонская «Независимая группа» начала заниматься изучением имиджей массового искусства. Но популярность поп-арт приобрел в его американском варианте, в деятельности Р. Раушенберга, К. Олденберга, Д. Розенквиста, Д. Джонса, Р. Лих-тенстайна. Своими целями они провозгласили возвращение к реальности, раскрытие эстетической ценности массовой продукции и средств массовой коммуникации (реклама, фото, репродукция, комикс), всей окружающей человека искусственной материальной среды. Для этого элементы массовой культуры вводились в картины как коллаж, прямая цитата или фоторепродукция (картины Раушенберга, Уорхола, Хэмилтона). Розенквист и Весселман имитировали в картинах приемы и технику рекламных щитов. Лихтен-стайн увеличивал комикс до размера большого полотна. Олденберг создавал подобия витринных муляжей больших размеров из необычных материалов. Так в искусство вошли вещи домашнего обихода, упаковка товаров, фрагменты интерьеров, детали машин, популярные печатные изображения известных личностей и событий.
Поп-арт стал реакцией художников на новую урбанистическую среду, созданную массовой культурой. Ее образы помещались в иной контекст, использовался иной масштаб, материал, выявлялись приемы производства и его дефекты. В результате исходный образ парадоксально изменялся, перетолковывался, обесценивался. Художники поп-арта были в числе инициаторов таких форм, как хэппенинг (событие, не организованное, а спровоцированное его авторами, происходящее непосредственно в городе или на природе, важной его частью является публика и ее реакция на это событие; отражает стремление авангардистов к слиянию искусства с жизнью), предметная инсталляция (пространственная композиция, созданная художником из различных предметов быта, промышленности, природных объектов, текстовой и визуальной информации), энвайронмент (композиция, охватывающая зрителя наподобие реального окружения, часто имитация интерьеров с фигурами людей), ассамблаж (расширенный тип коллажа), видео-арт (опыты с видеотехникой, компьютерным и телевизионным изображением). Эти приемы в дальнейшем широко распространились как в Европе, так и в других регионах мира.
ПОРТРЕТ (фр. portrait - изображение) - один из жанров живописи, скульптуры и графики, имеющий своим предметом изображение какого-либо конкретного человека или группы людей. Главной отличительной чертой жанра портрета является передача индивидуального сходства в его произведениях. При этом сходство не ограничивается лишь внешними признаками. Воспроизводя индивидуальный облик человека, художник одновременно раскрывает его внутренний мир, сущность характера, выявляет типические черты эпохи и социальной среды.
Портретный жанр известен в мировом искусстве с глубокой древности. Уже в Древнем Египте скульпторы создавали довольно точное подобие внешнего облика человека. Правдивостью и психологическим реализмом отличались древнеримские скульптурные портреты. Своего расцвета портретное искусство достигло в эпоху Возрождения. Множество своих современников - поэтов, ученых, властителей - запечатлел Тициан. В XVII в. в европейской живописи на первый план выходит камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официальному. Здесь проявился выдающийся талант голландского художника Рембрандта. С начала XVIII в. портретный жанр быстро развился в русском искусстве. Его основоположниками стали Никитин, Левицкий, Боровиковский, Рокотов.
В настоящее время существует много разновидностей портрета. По характеру изображения выделяются две основные группы - парадные и камерные. Парадный портрет предполагает изображение человека в полный рост (стоящим, сидящим на коне и т. п.). Камерный портрет представляет собой поясное, погрудное, оплечное изображение. Разновидностью камерного портрета является интимный портрет. Кроме того, по этому основанию различают аллегорический, мифологический и исторический портрет.
По числу изображений на одном холсте обычно выделяют двойной и групповой портрет. Произведения портретного жанра различают также по размеру. На этом основании принято выделять станковый, малоформатный и миниатюрный портрет.
Портретный жанр не утратил свое значение и в наши дни.
ПРИМИТИВИЗМ (лат. primitivus - первый, самый ранний) - направление в изобразительном искусстве конца XIX - начала XX в., ориентированное на сознательное упрощение художественных образов и выразительных средств, на примитивные формы наивного искусства. Образцами для примитивизма стали первобытное искусство, традиционное искусство народов Африки, Океании и Америки. Возникновение и развитие примитивизма было вызвано неприятием современной урбанизированной жизни, унифицированной массовой культуры, изощренности элитарного искусства. Примитивисты стремились приблизиться к чистоте, эмоциональности и незамутненной ясности народного и детского сознания. Поэтому примитивисты искали опору в народном искусстве, в детском творчестве, в архаичной культуре Востока. Они стремились воспроизвести свойственную фольклору наивность стиля, воплотить зависимость каждого средства, приема от смысла - то, что лежит в основе целостного художественного мышления. Среди примитивистов выделялись живописцы-самоучки (М. Ле-Дантю, Н. Пиросманишвили и др.) и художники-авангардисты (А. Руссо, А. Петерсон и др.), искавшие новые средства художественной выразительности. К примитивизму тяготели экспрессионисты объединения «Мост» и представители группы «Синий всадник». Русские примитивисты (М. Ларионов, Н. Гончарова, А. Шевченко и др.) в отличие от западноевропейских стремились не к стилизации, а к воплощению тех эстетических принципов, которыми руководствовались народные мастера: непосредственная выразительность, условная манера, тщательная разработка деталей, типичные для народного искусства мотивы сбора урожая, застолья, изображение домашних животных как выразительной сущности рода и вида, передача самооценки каждого предмета, интерес к профессиональной характеристике человека. Но нередко Гончарова прибегала к повышенной экспрессии, а Ларионов использовал прием намеренного эстетического снижения, что способствовало проявлению индивидуальности, собственного эстетизма.
РАКУРС (фр. raccourci - сокращение от raccourcir - укорачивать) - в изобразительном искусстве - перспективное сокращение размеров и формы изображаемых предметов при их удалении от глаза. Широкое использование началось с XV в. после разработки линейной перспективы, а с XVII в. были разработаны научные основания перспективной живописи. Ракурсы часто используются для наиболее эффектной передачи движения и пространства. При разработке масштабных произведений их создатели должны заранее учесть возможные ракурсы, зрительные сокращения, которые возникают при реализации проекта и приводят к нежелательным эффектам восприятия. После этого вносятся необходимые поправки.
РЕАЛИЗМ (лат. realis - действительный, вещественный) - направление и метод в художественном творчестве, основывающийся на объективном, правдивом и натуралистическом воспроизведении и изображении действительности. В более строгом смысле реализмом называют движение в европейском искусстве и литературе середины XIX в., возникновение которого явилось ответной реакцией на романтическую и классическую идеализацию, а также на отрицание общепринятых академических норм. Реализм основан на художественном отражении жизни в формах самой жизни, на правде видимого, через которую художник проникает в сущность окружающего мира. В рамках реалистического творчества возможны фантастические или гротесковые образы, символы и иносказания, отдельные отступления от внешнего правдоподобия ради выразительности и правды целого.
Термин «реализм» был предложен французским литературным критиком Шанфлери в 50-х гг. XIX в. и быстро получил распространение в различных видах искусств и национальных культурах. Реализм предполагает стилевое многообразие и имеет свои конкретно-исторические формы: древние наивные наскальные изображения, идеализированный реализм античного искусства, одухотворенность и одновременно «натурализм» поздней готики и т. д. Однако наиболее реалистичным было искусство Возрождения, которое и стало прологом реализма как самостоятельного художественного явления.
Основой реализма XIX в. было резко критическое отношение к буржуазной действительности. Отсюда характерной чертой этого направления стало отражение в художественном творчестве острых социальных проблем, целенаправленное стремление давать оценку явлениям общественной жизни.
На рубеже XIX-XX вв. реализм в живописи был вытеснен импрессионизмом, а в литературе - натурализмом.
РОКОКО (фр. rococo, от орнаментального мотива rocaille - рокайль, осколки камней, раковины) - направление в европейском искусстве и архитектуре XVIII в., которое отличается стремлением к легкости, грациозности, изысканности и прихотливому орнаментальному ритму. Этот стиль отличается применением изгибов и спиралевидных форм, а также использованием фантастического орнамента и прелестных натуралистических деталей. В силу этих отличительных черт стиль рококо проявился преимущественно в украшении интерьеров, мебели и декоративных изделий, утратив присущие барокко монументальность и размах.
Изобразительное искусство рококо отличает асимметрия композиции, демонстративное легкомыслие, изящество, легкие светлые краски и светские, преимущественно любовные, сюжеты. К стилю рококо относятся живопись Ватто, скульптура Лемуана, предметы мейсенского и севрского фарфора и др. В России рококо проявилось в декоре барочных зданий (архитекторы Б. Растрелли, Ухтомский, Чевакинский).
РОМАНСКИЙ СТИЛЬ - художественный стиль, господствовавший в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве Западной Европы в Х-ХП вв. Со времен античности это был первый крупный художественный стиль, объединивший все виды искусства. В XIII в. его сменила готика. Термин «романский стиль» был введен в начале XIX в.
Основой единства романского стиля было формирование феодальных отношений в Европе, а также господство католической церкви - самой значительной идеологической силы общества. Именно она выступала в роли покровительницы искусств, заказчика многочисленных построек; исполнителями (строителями, рабочими, живописцами) нередко выступали монахи.
На формирование романского стиля оказали влияние элементы ранне христианского искусства, искусства Меровингов и «каролингского возрождения». Косвенно повлияли также Византия и арабский Восток. Синтез важнейших видов искусств был осуществлен на основе архитектуры. Наиболее типичными постройками в романском стиле были церкви, монастыри и замки. Обычно они размещались на холмах или на берегах рек, господствуя над окружающим ландшафтом, но при этом органично вписываясь в него. Характерными особенностями романского стиля были четкость форм, суровая мужественная красота, внушительность и торжественная мощь. В целом романские постройки производят впечатление спокойной, суровой силы. Этому способствуют массивные стены с узкими окнами, тяжеловесные крыши и башни - важнейшие элементы архитектурной композиции. Романское здание состоит из простых геометрических фигур (кубов, призм, цилиндров), поверхность которых расчленялась лопатками, аркатурными фризами и галереями, что придавало постройкам строгий ритм, но не нарушало их целостности.
Романский храм представляет собой дом Бога, место для объединения верующих и совершения ритуалов. Обычно это базилики (трехнефные), в месте пересечения трансепта с продольными нефами возводились световые или круглые башни. Массивные стены несли тяжесть цилиндрических или крестовых сводов. Особое значение имела восточная часть базилики, где располагался алтарь, недоступный для паствы (она занимала нефы). Поэтому алтарь выдавался из тела здания, делая его в плане похожим на латинский крест. Центральный неф имел равную высоту и ширину и был вдвое шире боковых нефов. Пересечение центрального нефа с трансептом образовывало средокрестие. Освещался храм через окна центрального нефа. Каждая из главных частей храма представляла собой отдельную пространственную ячейку, четко обособленную от остальных как внутри, так и снаружи. Эти ячейки сменяли друг друга со строгим, незыблемым ритмом, что рождало ощущение неизменности божественного мироустройства.
Ранние романские постройки украшались настенной живописью. Но в конце XI - начале XII в. ведущим видом декора стали монументальные рельефы, вначале плоские, а затем все более выпуклые, но сохраняющие органичную связь со стеной, вырастающие из нее. Главными темами романского изобразительного искусства стало изображение божественного могущества, картин «Страшного суда», устрашающих верующих. При этом изображаемые фигуры имеют многочисленные отклонения от реальных пропорций, тела подчинены абстрактным схемам, становясь частью орнамента. Отвлеченные строгие человеческие фигуры (с увеличенными головами), суровые лица с широко раскрытыми глазами соответствуют духу христианского вероучения. При этом они удивительно одухотворены и экспрессивны. Живопись и скульптура были подчинены формам и ритмам архитектуры, оживляя ее. Обычно на апсидах изображались Христос во славе или Богоматерь, на западной стене -Страшный суд, в росписях - сцены из Ветхого и Нового Заветов. Они должны были служить Библией для неграмотных. На капителях и в порталах располагается стилизованная, плоскостная, но очень выразительная скульптура. Появляется также искусство витража.
Такими же массивными, тяжеловесными и прочными были и светские замки-крепости с донжонами - высокими башнями (четырехугольными или круглыми в плане), размещенными отдельно на территории двора замка. Обычно они служили убежищем Для владельца замка и его семьи во время штурма крепости. Романский стиль известен, кроме того, своей книжной миниатюрой, а также различными видами декоративно-прикладного искусства - чеканкой, резьбой, эмалями, ювелирными изделиями, коврами.
РОМАНТИЗМ - идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII - первой половины XIX в., противопоставившее себя классицизму и основывавшееся на воображении, эмоциональности и творческой одухотворенности художника. Слова «романтизм», «романтический» появились раньше, чем термин для обозначения направления. Словом «романтический» в Англии XVIII в. первоначально обозначили литературу Средневековья и Возрождения, затем - нечто таинственное, чудесное. Впервые этот термин как обозначение литературного направления был употреблен в конце XVIII в. в Германии. Там же была разработана теория романтизма школой «йенских романтиков» - братьев Шлегелей, Новалиса, Тика, Ваккенродера и др., оказавших влияние на все течения европейского романтизма. В качестве истоков появления романтического направления сами романтики называли события 1793 и 1814 гг. - французской революции, сломавшей эволюционный ход развития и вовлекшей массу людей в исторический процесс, и наполеоновских войн, заставивших пересмотреть старые ценности. Появившись в период, когда многое угрожало личности (возросшее машинное производство, социоэкономические отношения и др., приводящие к процессам отчуждения человека), романтики поставили вопрос о человеке в эмоционально-трагическом ключе как следствие тяжелых раздумий над казавшимися неразрешимыми проблемами бытия. Романтик находился в постоянном конфликте как с собой, так и с буржуазным обществом, которое являлось для него олицетворением пошлости, обыденности и повседневности. Это привело к абсолютному отрицанию действительности, к потере всякой веры в доводы разума. Действительности романтики противопоставили мечту. Весь романтизм строится на контрастах: божественное и дьявольское, реальное и идеальное, темное и светлое, динамичное и статичное. Социальные конфликты времени разрастаются в произведениях романтиков во вселенские картины космических катастроф, различные жизненные явления приобретают крайние формы, выступают как символы.
Отличительной особенностью романтического искусства является наличие в нем ценностей, лежащих за пределами реальной действительности: экзотической природы, исторического прошлого, Религиозной мистики, безграничной свободы, патриархальной Жизни нецивилизованных народов. Главной ценностью являлась Личность творца: поэта, художника, музыканта. Ярко выраженное авторское начало сообщает романтическим произведениям особую эмоциональную энергию и выразительность. Только художнику-творцу доступна книга бытия, именно он объявляется романтиками высшим типом личности, а искусство - своеобразным прибежищем, где можно скрыться от жизненных невзгод. Романтики выступили против всяких норм и правил, ограничивающих свободу творчества: трех единств в драме, жанровых и стилистических регламентации, деления героев на положительных и отрицательных. Они создали лироэпическую поэму, лирический роман, лирическую драму, фортепианную миниатюру, преобразовали романс, симфонию, ввели пейзаж души, фрагменты, этюды, арабески, соединенные с исповедью.
Романтическое отрицание мира привело к созданию особенного романтического героя, необыкновенного, одинокого и трагического человека, способного на сильные и яркие чувства, на таинственные движения души, заключавшего в себе протест и вызов. Нередко это борец против тирании, против национального и социального гнета. На поздней стадии развития романтического сознания появляется романтическая ирония, основная функция которой - раскрыть несоответствие между романтической концепцией личности и реальным положением человека в обществе.
Чрезвычайно сложное романтическое искусство отличалось неоднородностью творческих принципов, имело различные течения, различные оттенки и внутренние мотивировки, различные проявления в национальных культурах. Английские романтики ярче всего выявили себя в поэзии (В. Блейк, Д. Байрон, В. Вордсворт, С. Колъридж, П. Шелли, Д. Ките и др.) и в прозе (В. Скотт), Французские романтики отличались своим общественным темпераментом (В. Гюго, Э. Делакруа, Г. Берлиоз и др.). Немецкие ро-: мантики сумели раскрыть свои творческие возможности в литературе, философии, музыке, живописи (Новалис, Э. Т. А. Гофман, А. Шопенгауэр, Р. Вагнер, К. Д. Фридрих, Р. Шуман и др.). В славянских культурах романтики связывали идеи романтизма с национальным самосознанием, национально-освободительным движением (А. Мицкевич, Б. Сметана). Русских романтиков (В. А. Жуковский, К. Н. Батюшков, А. С. Пушкин, М. Ю. Лермонтов и др.) I больше привлекало не мистическое и сверхчувственное, а действительное, постигаемое как инстинктом, так и разумом, что вело к ослаблению индивидуального личностного начала и порожденной им «романтической иронии».
СИМВОЛ (греч. symbolon - знак, опознавательная примета) - особый вид художественно-образного мышления и условный вещественный знак, выражающийся в форме предметов, природных процессов, животных, растений, сказочных существ, имеющих определенный смысл и значение. С помощью символов разнообразно и иносказательно раскрывается содержание и сущность определенных ценностей, норм и идеалов той или иной культуры. В силу своей многозначности символы присущи различным видам, стилям, жанрам изобразительного искусства и художественным эпохам.
На основе специфических свойств символов в искусстве XIX-XX вв. сформировалось особое художественное течение - символизм, в котором символ приобретает иную по сравнению с классическим или реалистическим искусством художественную роль. В этом течении символ является способом выражения и изображения смысла, находящегося за пределами реального земного бытия.
СИМВОЛИЗМ (от греч. symbolon - символ) - литературно-художественное направление в европейском искусстве конца XIX -начала XX в., проникнутое мистицизмом, таинственностью, стремлением постичь новые высшие ценности с помощью символов, иносказаний, обобщений, особой ассоциативности. Возник в результате кризиса европейской культуры второй половины XIX в., который толкнул многих художников на путь бегства от действительности к субъективизму, мистицизму. Стремление к поиску чистой красоты и чистого эстетизма сделало символизм продолжением линии романтизма и «искусства для искусства». Теоретические корни символизма восходят к философии А. Шопенгауэра и Э. Гарт-мана, к творчеству Р. Вагнера, к философии жизни Ф.Ницше и интуитивизму. Эстетика символизма сложилась в творчестве французских поэтов Стефана Малларме, Артюра Рембо, Поля Верлена и Шарля Бодлера, сборник стихов которого «Цветы зла» стал первым художественным произведением нового стиля. Термин «символизм» был впервые использован в 1886 г. поэтом Ж. Мореасом. Символисты считали, что рассудок и рациональная логика не могут проникнуть в мир «скрытых реальностей», «идеальных сущностей» и «вечной красоты». На это способно только искусство - благодаря творческому воображению, поэтической интуиции и мистическому прозрению. Для них поэтический символ - более действенное познание мира, чем художественный образ. Отказались символисты и от веры в изначальную доброту человека, и от убежденности в возможности разумной организации общества - постулата рационализма. Он обвинялся в кризисе современной европейской культуры с ее засильем зла и порока. Себя символисты называли певцами декаданса, заката и гибели буржуазной культуры. Протестуя против позитивизма, натурализма и рационализма, символисты использовали язык литературы, живописи, музыки, поэзии, веря, что именно внутренняя жизнь поэта, воплощенная в поэтической речи, ближе всего к абсолютному, ирреальному миру вечной Красоты. Потому символисты и стремились освободить искусство от интеллектуального содержания, от того, что постигается разумом, а не чувствами. Они стремились к поиску неуловимых смысловых оттенков, психологических состояний, к обнаружению соответствий и аналогий. Поэтому в символизме распространены многозначность образов, игра метафор и ассоциаций, доходящие до нарочитой многозначительности, зашифрованности содержания, утрированной экстатичности образов. Символисты также считали музыкальную стихию праосновой жизни и искусства. Они обогатили поэзию принципами музыкальной композиции, стремясь вслед за Вагнером к синтезу разных искусств. Картина мира символистов представляла собой систему символов, находящихся в соотношении иерархического соподчинения. Это во многом напоминало неоплатонические и христианские символические концепции мира и культуры.
Дата добавления: 2015-11-04; просмотров: 41 | Нарушение авторских прав
| <== предыдущая лекция | | | следующая лекция ==> |