АВТОПОРТРЕТ - графическое, живописное или скульптурное изображение художника, выполненное им самим с помощью зер­кала или системы зеркал. Эта особая разновидность портретного жанра выражает оценку 3 страница

Идеи русского конструктивизма о тотальном художественном проектировании среды обитания человека получили распростра­нение среди художников других европейских стран. Сходные кон­структивизму направления появились в культурах Германии, Ни­дерландов, Польши, Чехословакии.

КРУГЛАЯ СКУЛЬПТУРА - является одной из разновидностей скульптуры как вида изобразительного искусства. Она рассчитана на обход кругом и осмотр с разных точек зрения. К круглой скульп­туре относятся статуя, статуарная группа, торс и бюст. В зависимо­сти от функционального назначения, трактовки образов и форм различаются монументальная и станковая скульптура. Монумен­тальная статуя или статуарная группа рассчитана на взаимодейст­вие с архитектурой и с окружающим ландшафтом. Станковые раз­новидности круглой скульптуры предназначены для интерьера. В построении художественной формы круглой скульптуры больШую роль играет выбор материала и техника его обработки. Материалы подразделяются на мягкие (воск, глина) и твердые (дерево, различные виды камня и металла). Мягкие материалы обрабаты­ваются способом лепки. При обработке твердых материалов используются два способа: изнутри наружу - путем прибавления материала (лепка) и снаружи вовнутрь путем отсекания больших или меньших лишних частей (ваяние). Скульптор начинает реализацию своего замысла с рисунка, наброска, эскиза, после этого переходит к модели в мягкой глине или пластилине, дающей представле­ние об общем пластическом мотиве, затем - к непосредственной обработке выбранного материала. Самой популярной техникой обработки металла является литье из бронзы. Статуи, предназначенные для рассмотрения издали, изготавливаются техникой хо­лодной ковки При изготовлении мелкой пластики (медали, пластины и др.) используется литье, ковка и чеканка.

КУБИЗМ (фр. cube - куб) - модернистское течение в изобразительном искусстве начала XX в., предшествовавшее абстракционизму. Зародился и развивался во Франции. Его основоположниками и крупнейшими представителями были Пабло Пикассо и Жорж Брак, а в России - Казимир Малевич. Название кубизму бы­ло дано современными критиками на основании характерной осо­бенности картин этого направления - преобладанию в них прямых линий, граней и кубоподобных форм. Дело в том, что представи­тели кубизма свое творчество ориентировали на формальные экс­перименты - конструирование объемных форм на плоскости. На этой основе они разработали новые формы неглубокой многомер­ной перспективы, что дало им возможность представить изобра­жаемый объект в виде множества пересекающихся линий и гео­метрических форм (куб, конус, цилиндр).

В истории кубизма принято выделять три периода: сезаннов­ский (до 1909 г.), аналитический (1909-1912 гг.), синтетический (1913-1914 гг.). В картинах сезанновского периода массивные объ­емы, выраженные прямыми ломающимися линиями, напоминают формы негритянской пластики. В аналитический период форма дробится на мелкие грани и сходящиеся под углом плоскости. К концу аналитического периода в картинах Пикассо и Брака появ­ляются надписи, а вслед за тем и наклейки. Поэтому коллаж стано­вится основным художественным приемом для произведений син­тетического периода. Здесь объект изображения как бы собирается, синтезируется из разнотипных фрагментов: графических знаков, красочных мазков, схематичных рисунков, обрывков газет, цветной бумаги, обоев с орнаментом, изобразительным рисунком или ими­тацией фактур. Поэтому общий текст картины складывается из зна­ков разных языков (живописи, письменного слова, печатных изо­бражений и имитаций). Созданный этими знаками сюжет, как пра­вило, лишь обозначается художником, а весь образ произведения уже воссоздается воображением зрителя.

К числу наиболее известных произведений этого направления следует отнести картины «Авиньонские девицы» Пикассо, «Жен­щина с гитарой» Брака, «На сенокосе» Малевича, «Натурщица» Татлина и др.

Кубизм оказал большое влияние на развитие авангардистского искусства XX в., а также способствовал зарождению абстракцио­низма и его основных направлений - супрематизма, футуризма, пу­ризма и др.

КУЛЬТУРА (лат. cultura - возделывание, обработка, уход) -особая форма человеческой жизнедеятельности, сложившаяся в процессе активного освоения человеком окружающей природы для удовлетворения своих потребностей.

В ходе человеческой истории термин «культура» имел много значений и интерпретаций. Первоначально в латинском языке он означал обработку земли, разведение растений и животных и т.п. Однако данный термин уже в римской культуре получил и другое, переносное значение - воспитанность, просвещенность. В этом зна­чении он вошел в XVIII в. во все европейские языки, а в XIX в. и в русский язык.

В настоящее время понятие «культура» имеет довольно большое количество значений: 1) совокупность достижений человечества во всех сферах его жизнедеятельности; 2) высокий уровень разви­тия какого-либо вида человеческой деятельности; 3) современный уровень развития просвещения и образования в историческом раз­витии какого-либо общества; 4) определенная совокупность пере­даваемых из поколения в поколение символов, идей, ценностей, обычаев, традиций, норм и правил поведения, посредством кото­рых люди организуют свою совместную жизнь, и т. д.

Кроме того, понятие «культура» употребляется также для ха­рактеристики определенных исторических эпох (например, антич­ная культура, средневековая культура), конкретных исторических обществ (византийская культура), народностей, наций (русская культура), а также отдельных сфер человеческой деятельности или жизни (художественная культура, культура быта, культура пове­дения и т. д.).

МАНЬЕРИЗМ (итал. manierismo - манера, стиль; буквально - вычурность) - художественный стиль в европейском искусстве XVI в., возникший первоначально в Италии в связи с кризисом культуры позднего Возрождения, когда главной целью творчества было провозглашено следование «красивой и умной манере», «идеальным» образцам искусства Ренессанса, но без присущей им глубины содержания и гуманизма. Для произведений искусства это­го стиля свойственна усложненность, изощренность формы, вы­чурность образов.

Основной причиной появления маньеризма стал глубокий кри­зис ренессансного мировосприятия, что нашло выражение в драма­тическом протесте против изобразительных принципов «классиче­ского стиля» флорентийско-римского Высокого Возрождения, в поисках новых, часто экстравагантных форм выражения смятен­ного, раздвоенного мира. В работах теоретиков маньеризма (Арменини, Ломаццо и др.) был выдвинут тезис о «внутренней идее», или «внутреннем рисунке» как основе художественного образа. Внешним выражением этой «внутренней идеи» становится «мане­ра» как сумма определенных стилистических приемов. Отличитель­ными чертами произведений этого стиля стали произвольная вытянутость пропорций человеческих фигур, иррациональность про­странственных и цветовых отношений, сложный, змеевидный ритм, пронизывающий позы, и т. д.

В середине XVI в. в Италии маньеризм превращается в ведущее художественное течение, охватившее живопись, скульптуру и архи­тектуру. Маньеризм распространился также в искусстве других европейских стран. В Италии представителями маньеризма были Франческо Пармиджанино, Джорджо Вазари, Бенвенуто Челлини.

МИНИАТЮРА (лат. minium - киноварь: красная краска, кото­рой в древности пользовались для расцвечивания заглавных букв в рукописных книгах) - живописные изображения, украшавшие и иллюстрировавшие средневековые рукописи в виде заставок и ил­люстраций. Художника-миниатюриста называли миниатором или иллюминатором.

Первоначально миниатюры выполнялись на том же материале, что и вся рукописная книга - папирусе, пергаменте, бумаге. Рисо­вали художники-миниатюристы кистью или пером гуашевыми и акварельными красками, а фоны изображений и отдельные детали прописывали золотом и серебром. В странах мусульманского Вос­тока и Индии лист с миниатюрой мог быть самостоятельным про­изведением.

Но миниатюра - это не только книжная иллюстрация. Миниа­тюрой называют также и живописные произведения небольшого формата, выполненные на бумаге, металле, кости, фарфоре, дере­ве. Этот вид миниатюры появился в XVI в. и был широко распро­странен до середины XIX в., когда он был вытеснен фотографией. Разновидностью миниатюры является также живопись на неболь­ших лаковых изделиях, так называемая лаковая миниатюра, оте­чественными центрами которой стали всемирно известные Палех, Мстера, Федоскино и т. д.

МИФОЛОГИЯ (греч. mythos - предание, сказание и logos - сло­во, учение) - система взглядов, основанная на иррациональном способе восприятия и отражения мира, существующая в виде пре­даний о богах, сверхъестественных существах и героях, участво­вавших в сотворении мира. Как совокупность представлений о ми­ре мифология была характерна преимущественно для первобыт­ной культуры, но в отдельных культурах сохраняла свое культур­но-регулятивное значение довольно продолжительное время. Воз­никнув на ранних этапах человеческой истории, миф стал первой формой освоения действительности, в которой проявился синкре­тизм первобытной культуры. Он воспринимал мир как целостность и содержал в зародыше все выделившиеся позднее сферы культу­ры (мораль, религия, искусство и др.).

Многочисленными исследователями мифологии было установ­лено, что в ней осуществляется совпадение чувственного образа, полученного от реальных предметов внешнего мира, и общей идеи; миф существует не в общих понятиях, а в конкретно-чувственных образах, что ведет к тождественности мира материального и ду­ховного. Миф воспринимает мир в бинарных оппозициях, парных противоположностях (горячее - холодное, день - ночь, жизнь -смерть). Это не вера и не знание, а чувственное переживание дей­ствительности. Это способ восприятия и объяснения мира, даю­щий вполне адекватные результаты и удовлетворяющий потреб­ность человека в психологической защите (ее дает существующая у каждого человека картина мира). В то же время миф является и способом деятельности в мире. Для этого используется магия. Ма­гические ритуалы, являющиеся важнейшей частью жизни перво­бытного человека, производятся по рецептам, изложенным в ми­фах. Их цель - поддержание стабильности и незыблемости мира. Поэтому миф называют духовно-практическим способом освое­ния действительности.

Первоначальными формами мифа были фетишизм, тотемизм и анимизм. Он прошел путь от обожествления отдельных вещей (фетишизм) к обожествлению своей общины (в образе тотемного предка рода), а затем - к признанию самостоятельного существо­вания душ и духов (анимизм). При этом постоянно возрастала сте­пень абстрактности мифа. Следующим шагом стало формирование представлений о богах - персонифицированных силах природы, а затем - и о единственном боге - отце людей и других богов.

Постепенно мифы становились все более сложными, появлялись разные типы мифов. Существуют этиологические мифы (о появ­лении различных природных и культурных особенностей), космо­гонические мифы (о происхождении космоса в целом и его частей), антропогонические мифы (о происхождении человека), астраль­ные мифы (о происхождении звезд и планет), солярные и лунарные мифы (о Солнце и Луне), близнечные мифы (о чудесных суще­ствах в виде близнецов), тотемические мифы (о родстве людей с тотемным предком), календарные мифы (связаны со сменой вре­мен года), героические мифы (биографии культурных героев, при­несших народу знания и умения, и героев-воинов), эсхатологиче­ские мифы (предсказания о конце света).

Если в первобытнообщинной формации миф был единственной формой идеологии, в раннеклассовом обществе он стал аллегорической формой выражения религиозных, социально-политических, моральных и философских идей. Мифы и мифологические образы широко использовались в качестве сюжетов для произведений в литературе и искусстве как в древности, так и в наши дни.

МОДЕРН (фр. moderne - современный) - русское название ху­дожественного стиля в европейском и американском искусстве конца XIX - начала XX вв. Идейной основой модерна стал неоро­мантизм, на новом уровне возрождавший романтическую идею конфликта между личностью и обществом. Этот конфликт мог быть разрешен только с помощью новых форм искусства.

Выдвигая идею «преобразования окружающего мира» посредст­вом красоты, основоположники модерна - бельгийский архитектор и дизайнер Хенри ван де Вельде и английский архитектор Уильям Моррис - считали, что этого можно достигнуть только путем син­теза искусств. Основой такого синтеза им виделась архитектура, объединявшая все виды искусства. Наиболее адекватными приме­рами такого синтеза искусств в архитектуре были особняки, кото­рые, как правило, построены «изнутри наружу», т. е. их внутреннее пространство определяло облик здания. Фасады таких построек были несимметричны и представляли собой одновременно сочета­ние природных форм и результат творческих фантазий художника.

Синтез жанров и видов искусства в рамках модерна ограничи­вает свободное творческое развитие живописи, графики, скульпту­ры и возрождает тип художника-универсала, одинаково успешно работающего в «станковой» и «прикладной» сферах художествен­ной культуры. Для живописи модерна характерны плоскостность, орнаментальность в сочетании с натуралистическими деталями. Художественный язык модерна был во многом воплощением идеи и образов символизма. С живописью модерна связано творчество Поля Гогена, группы «наби» во Франции. В России в стиле модерн работали Врубель, Васнецов, Серов, Коровин, участники группы «Мир искусства».

Скульптура модерна отличалась текучестью форм и причудливостью силуэта (творчество Огюста Родена). В декоративно-прикладном искусстве особенно ярко проявились аналогии живого и неживого, реальность и фантазии (изделия фирмы «Фаберже»). В конце эволюции модерна декоративно-орнаментальная стихия стала уступать место конструктивному подходу.

МОДЕРНИЗМ (фр. modernisme - новейший) - совокупность ху­дожественных стилей в искусстве XX в., противопоставивших се­бя искусству прошлого и включающих в себя несколько относи­тельно самостоятельных идейно-художественных направлений и течений, различных по своим социальным масштабам и культурно-историческому значению (экспрессионизм, кубизм, конструкти­визм, имажинизм, сюрреализм, абстракционизм и др.).

Зарождение модернизма как самостоятельного явления миро­вой художественной культуры совпало со временем появления но­вых тенденций в европейском искусстве (каркасные конструкции в архитектуре, импрессионизм в живописи и т. д.). Его развитие в первые десятилетия XX в. происходило в форме ряда направлений, утверждавших его принципы (фовизм, кубизм, конструктивизм). После Второй мировой войны развитие модернизма выразилось в творческих поисках абстрактного экспрессионизма, поп-арта и др.

Характерными чертами модернизма являются стремление к эстетизациии окружающей человека среды, подчеркнутая активность воздействия на жизненные процессы, зрелищность и декоративность, акцент на индивидуальность художника. При этом общей чертой всех направлений модернизма стало увлечение формально-пласти­ческими, композиционными и колористическими проблемами ху­дожественного творчества, целью которого признается создание принципиально оригинальных произведений, несущих внутреннюю свободу и новизну выразительных средств изобразительного языка.

Модернизм открыл и освоил многие новые художественные средства (коллаж, ассоциативный монтаж и др.), оказавшие су­щественное влияние на возникновение и творчество постмодер­низма.

МОЗАИКА (лат. musioum - посвященное музам) - одна из раз­новидностей монументальной живописи, представляющая собой изображение или узор, выполненный из разноцветных камней или смальты (кусочки цветного стекла) путем их укрепления на поверх­ности известкового или цементного раствора. Существует два ти­па мозаичных произведений: 1) римская мозаика, в которой изобра­жение составляется из малых кубиков смальты или камня, и 2) фло­рентийская мозаика, в которой рисунок составляется из тонких пластов разноцветных мраморов и яшм, вырезанных и составленных по контурам изображения.

Искусство классической смальтовой мозаики включает в себя два способа ее изготовления: «прямой набор», когда из кусочков смальты или камня изображение выкладывается непосредственно на архитектурных поверхностях и закрепляется в незатвердевшем штукатурном слое; «обратный набор», когда мозаика выкладыва­ется по кальке будущей картины лицевой стороной вниз, и после закрепления тыльной стороны мозаичного набора его лицевая по­верхность окончательно обрабатывается, шлифуется и покрыва­ется воском.

Первые мозаики были использованы на стенах некоторых по­гребальных помещений архитектурного ансамбля пирамиды Джо-сера: это были своеобразные панно из фаянсовых плиток. Под влиянием древневосточных образцов мозаичные узоры и надпи­си из разноцветной гальки украшали полы в Греции классиче­ского периода. В эллинистическую эпоху появились мозаичные композиции в Пергаме («Александр Македонский», «Всадник на тиг­ре» и др.). Дальнейшее развитие мозаичной техники связано с рос­писями общественных сооружений древнеримского города Пом­пеи. Многоцветные мозаики украшали стены, своды и подкупольное пространство христианских соборов Константинополя и Ра­венны. Одним из лучших творений византийского искусства яв­ляются мозаики в своде алтаря и в композиции «Причащение апо­столов, идущих к престолу» в киевском соборе Святой Софии, вы­полненные византийскими мастерами и киевскими «молодшими людьми», которые расписывали не только Софийский собор, но и Десятинную церковь. В XVIII в. мозаичные портреты и картины создавал М. В. Ломоносов, изготовивший собственные смальты.

МОНУМЕНТ (лат. monumentum - памятник) - сооружение больших размеров в честь каких-либо выдающихся событий или лиц. В качестве монумента могут быть использованы не только произведения монументального искусства, но и любые предметы и явления, свидетельствующие о памятных местах и событиях (напри­мер: маяк, мост, корабль), произведения станкового и прикладно­го искусства, а также уникальные природные явления (водопады, скалы, целые ландшафты) с их памятными знаками. Но для того чтобы внехудожественные явления получили статус монумента, они должны быть художественно оформлены. Однако чаще всего мо­нументом являются специально создаваемые для этой цели произ­ведения архитектуры и скульптуры.

Следует отличать монумент от памятника. К первым причисля­ются наиболее значительные произведения монументального искус­ства, посвященные важнейшим историческим событиям, домини­рующие в городской или природной среде, а ко вторым относятся преимущественно портретные статуи, бюсты и памятные знаки бо­лее локального характера, включаемые в существующую среду.

НАТУРАЛИЗМ (лат. natura - природа) - направление в лите­ратуре и искусстве, сложившееся е последней трети XIX в. в Европе и США, стремившееся к объективному и бесстрастному изображе­нию реальности, прежде всего человеческих характеров, и исходив­шее из предпосылки, что судьбы людей предопределены наследст­венностью, средой и общественными отношениями независимо от их воли. Натурализм зародился во французской литературе под влиянием достижений естественных наук и философии позитивиз­ма. Теоретиком этого направления является Э. Золя, выразивший кредо натурализма в сборниках «Экспериментальный роман», «Ро­манисты-натуралисты» и др.

Представители натурализма воспроизводили в своих произведе­ниях жизнь такой «как она есть», что приводило их к увлечению ча­стным, случайным в противовес общему, к отказу от рассмотрения жизненных явлений в их целости и противоречивости, к обилию фак­тов и детальных описаний, призванных передать «аромат эпохи». Однако при всей ограниченности творческого метода и отказе от обобщений и анализа социально-экономических проблем жизни общества натурализм способствовал прогрессу ее художественного отражения и становлению критического реализма XIX в. Этот про­гресс выразился во введении в искусство новых тем, в целенаправ­ленном интересе к изображению «социального дна», взаимодейст­вия личности и толпы и др.

Расцвет натурализма приходится на 70-80-е гг. XIX в., а его наиболее яркими представителями кроме Золя были Э. и Ж. Гон­куры, Г. Гауптман (Германия), Д. Гиссинг, Д. Мур, Н. Моррисон (Англия). В русской культуре натурализм заметного развития не получил.

НАТЮРМОРТ (фр. nature morte - мертвая натура) - жанр изо­бразительного искусства, показывающий окружающие человека вещи - предметы быта, снедь, цветы, плоды и т. п. размещенными в реальной бытовой среде и организованными в единую группу. Натюрморт возник еще в эпоху античности, но как самостоятель­ный жанр он сложился в XVII в. Его расцвет произошел в Голлан­дии, где протестантизм запрещал художникам писать картины на религиозные темы, что заставило их искать новые направления в живописи. Исторически первым произведением в жанре натюр­морта принято считать картину венецианского художника Якопо де Барбари. Но первыми выдающимися мастерами этого жанра стали фламандские мастера Франс Снейдерс и Ян Фейт, которые с большой глубиной и тонкостью колорита запечатлели пышное изобилие природы, красочность и пластичность ее даров.

В XIX в. натюрморт приобрел новый смысл. Творчество Оноре Домье, Эдуарда Мане, Поля Сезанна, Винсента ван Гога было ори­ентировано на раскрытие объективного своеобразия, неповтори­мые качества вещей и предметов.

В XX в. открылись новые возможности натюрморта. Пабло Пи­кассо, Жорж Брак, Владимир Татлин и другие выразили в окру­жающих предметах свое понимание мира и собственной личности.

ОБРАЗ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ - обобщенное художественное отражение действительности, облеченное в форму конкретного ин­дивидуального явления. Художественным образом называют также любое явление, творчески созданное артистом, художником, писа­телем. Источником образа являются предметы и явления окру­жающего мира, поэтому образы вторичны по отношению к ним. Но образ не является механическим слепком оригинала. Огромную роль в создании образов играет творческое воображение и фанта­зия художника, которая преобразует реальность, дает возможность выявить и показать ее существенные черты. Поэтому образ пред­ставляет неразрывное единство объективных и субъективных на­чал, чувственных и смысловых аспектов художественного твор­чества. Образ объективен в той мере, в какой он верно отражает действительность. Однако образ может отразить одну или несколь­ко сторон реального объекта, но не весь. Поэтому оригинал все­гда богаче образа. Воспроизводя определенные реальные каче­ства оригинала (а не обозначая или замещая их как знак), образ может делать это с разной степенью условности - от реалистиче­ской описательности до метафоричности и символики. Важность субъективного начала в художественном образе вызывает также неоднозначность его восприятия, которое тоже становится творче­ским процессом. Поэтому разные зрители могут увидеть в обра­зе что-то свое. Особенно велики различия в восприятии художе­ственных образов у людей разных эпох, стран и культур.

Отражение действительности в художественных образах явля­ется специфической особенностью искусства, художественность неотделима от образности, в которой воссоздается богатство ок­ружающего мира и эмоциональное отношение к нему художника. По мере развития искусства развиваются и художественные обра­зы, которые имеют свои особенности в разных видах искусства, а также в стилях, жанрах и направлениях. Однажды возникнув, ху­дожественный образ существует по своим законам, приобретает относительную самостоятельность. При анализе художественного произведения различают образ как сущность произведения в це­лом, и отдельные образы составляющих его начал.

ОРДЕР (лат. ordo - строй, порядок) - тип архитектурной ком­позиции, основанный на переработке стоечно-балочной конструкции и имеющий определенный состав, форму и взаиморасположе­ние элементов. Различные ордера применялись с древнейших вре­мен в архитектуре Древнего Египта и Ирана. Для развития евро­пейской архитектуры важнейшими были классические ордера, сложившиеся в Древней Греции и в Древнем Риме: дорический, ионический, коринфский, тосканский и композитный. Любой ордер по вертикали делится на три основные части: опору, несущую и не­сомую системы. Опорой может быть стереобат (трехступенчатое основание), подий или пьедестал под колонну. Если опора отсутст­вует, ордер называется неполным. Несущая система - это колонна, состоящая из базы, ствола и капители. Хотя традиционно колонна и считается самой важной частью ордера, ее может и не быть - она может дорисовываться воображением зрителя при наличии уложен­ных сверху несомых балок. Несомая система состоит из ан таблемен­та, включающего архитрав, фриз и карниз, без которого ордер существовать не может, так как лишается смысла вся ордерная идея.

В Древней Греции первым появился дорический ордер (VI в. до н. э.) - строгий, торжественно-монументальный, самый прочный и тяжелый из всех греческих ордеров. Он состоит из стереобата; ко­лонны без базы с каннелюрами (вертикальными желобками, имею­щими в плане форму дуги), которые плотно расположены и отде­лены друг от друга острыми ребрами, и энтазисом (утолщение ко­лонны на высоте одной трети ее высоты), завершается колонна стро­гой капителью; антаблемент состоит из гладкого архитрава, фри­за с чередующимися триглифами (прямоугольная плита, постав­ленная вертикально, размещается по углам колонн и сходится на углах здания) и метопами (квадратная плита, заполняющая про­межутки между триглифами, на ней помещался рельефный декор), а также карниза, венчающего антаблемент и заметно выдающего­ся вперед. Карниз состоит из поддерживающих обломов (профи­лей), выносной плиты и венчающего желоба с водосливом. Глав­ную часть дорического ордера - колонну - обычно сравнивают с обнаженным мужчиной-воином, а сам ордер считался выражени­ем его духовной и физической силы.

Ионический ордер появился в середине VI в до н. э., он менее мас­сивный по сравнению с дорическим. От дорического отличается также своей колонной, которая имеет базу сложного профиля, кан­нелюры, разделенные дорожками, капитель с волютами («бараньи­ми рогами»). Антаблемент включает архитрав, разделенный на три полосы (фасции), слегка выступающие друг над другом; кар­низ украшен снизу дентикулами (украшения в виде зубчиков) - Сформировалось два варианта ионического ордера - малоазииский (отсутствие фриза) и аттический (с развитым фризом). Иони­ческая колонна обычно сравнивается с прекрасной женщиной, а ионический ордер считается выражением ее грации.

Коринфский ордер - самый легкий и стройный из греческих ор­деров, возник в середине V в. до н. э. Он отличается от ионическо­го колоколообразной капителью, покрытой стилизованными ли­стьями аканта или пальмы, расположенными в три горизонталь­ных ряда. Архитрав разделен по вертикали на три фасции, фриз об­разует непрерывную декорированную полосу (иногда может раз­деляться триглифами). Коринфскую колонну обычно сравнивали с образом прекрасной девушки. А сам ордер считался выражением ее нежности и чистоты.

Древнеримские архитекторы создали два новых ордера - то­сканский и композитный, а также соединили ордер с иной текто­нической системой - с аркадой в ордерную аркаду, в которой ан­таблемент укладывается поверх арочных пролетов, а поддержи­вающие его колонны или полуколонны выступают на фоне мощ­ных, широких столбов.

Тосканский ордер возник в Риме (правила его построения из­ложены в сочинении Витрувия в I в. до н. э.), он самый прочный и тяжелый на вид из всех ордеров. Является вариантом дорического ордера, отличается от него большей толщиной колонны, наличием предельно простой базы, гладким стволом колонны (без каннелю-ров), всегда гладким фризом. Форма тосканского ордера заимст­вована у этрусков (тусков), отсюда - и его название. Символизи­рует физическую мощь и силу, поэтому применялся главным об­разом в хозяйственных постройках.

Композитный ордер также возник в Риме, хотя у Витрувия не упо­минается, а особые правила построения были разработаны италь­янским архитектором XVI в. С. Серлио. По форме и пропорциям он близок к коринфскому ордеру. Вначале он считался легче коринф­ского, но позже был поставлен на второе место после него. От ко­ринфского ордера композитный отличается формой капители, в ко­торой к коринфскому колоколу добавлены ионические волюты.

В Риме также часто использовалась суперпозиция - расположе­ние ордерных колоннад по вертикали, в одной фасадной плоско­сти. При этом шла градация ордеров по степени их тяжести и лег­кости: самый прочный, тосканский, - внизу, второй ярус - дори­ческий, затем - ионический, далее - коринфский или композитный (верхняя позиция вначале отдавалась композитному ордеру, а с XVII в. - коринфскому). В такой последовательности допускались пропуски, но не перестановки. Примером суперпозиции служит многоярусный фасад Колизея.

Дата добавления: 2015-11-04