Репродукции для оформления школы

РЕПРОДУКЦИИ ДЛЯ ОФОРМЛЕНИЯ ШКОЛЫ

Детские портреты

Валентин Александрович Серов «Девочка с персиками», 1887.

Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

В 1887 году Серов писал из Венеции о своем увлечении «мастерами XVI века Ренессанса»: «Легко им жилось, беззаботно. Я хочу таким быть – беззаботным; в нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное». Среднерусская природа с рощами, полянами, оврагами, перелесками, с околицами русских деревень полюбилась художнику с детских лет, а дом Мамонтова вдохновил художника на счастливые творческие успехи. В возрасте двадцати двух-двадцати трех лет Серов создает произведения, которые стали классическими в русском искусстве.

В Абрамцеве (имении Саввы Ивановича Мамонтова) он пишет знаменитый портрет двенадцатилетней Веры Мамонтовой «Девочка с персиками», в котором художнику, как он пишет, хотелось сохранить «свежесть живописи при полной законченности, как у старых мастеров».

Своей картиной Серов заявил о себе как о зрелом художнике. Картина дышит светом и свежестью, воспевает юность и красоту, чувство радости бытия. Портрет, будто бы сотканный из солнца и воздуха, наполнен не только увлеченностью новой техникой живописи, но и особой одухотворенностью, поэтичностью, что сразу выделило молодого художника и сделало его известным.«Девочка с персиками» - совершенный образец импрессионистической живописи.

Николай Петрович Богданов - Бельский

«Устный счет. В народной школе С. А. Рачинского», 1895

Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Все свое творчество Н.П. Богданов-Бельский посвятил крестьянским детям, школе, учителям. Сегодня редко кто не знает его картины “Устный счет”. На ней класс Тетевской школы, той самой, где учился художник, целая вереница сельских ребятишек и учитель с усталым, но добрым лицом — это Сергей Александрович Рачинский, который в свое время принял столь деятельное участие в судьбе талантливого ученика, Коли Богданова.

Алексей Алексеевич Харламов «Подруги». 1892.

Холст, масло.

Россия, Ярославская область, Рыбинск, Государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник

Произведения Алексея Алексеевича Харламова, большую часть жизни прожившего во Франции, отличаются камерным характером, тонкостью цветового решения, прозрачностью мазка. К числу милых жанровых сценок, которым мастер был обязан своей громкой, но кратковременной славой 1870-х годов, относится и выполненная несколько позже картина "Подруги". До того, как оказаться в музее, она находилась в собрании рыбинского купца М.Н.Журавлева - известного предпринимателя и мецената.

Константин Егорович Маковский

«Дети, бегущие от грозы», 1872

Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

В своем творчестве художник обращался к самым различным темам. Встречаются у него и портреты, и жанровая живопись, и изображение исторических событий. Но особенно притягательными, на мой взгляд, являются полотна, изображающие явления природы и события народной жизни, самих людей из народа. Одна из них — «Дети, бегущие от грозы», сочетающая в себе и зарисовку картин природы, и изображение внешности сельских ребятишек, и отражение человеческих чувств и эмоций. Рассматривая это произведение, словно видишь события, предшествующие запечатленному моменту, и начинаешь сопереживать его героям, будто вместе с ними попадаешь на этот луг во время грозы.

Микеланджело да Караваджо «Юноша с лютней», около 1595.

Холст, масло

Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж

Картина «Юноша с лютней» была написана для кардинала Франческо дель Монте, покровительствовавшего художнику. Караваджо изобразил молодого человека, поглощенного музыкой: взгляд его полон вдохновения, пальцы перебирают струны. Помещенные в картине предметы свидетельствуют о большой любви живописца к окружающему миру, о его стремлении к правдивому воспроизведению натуры, передаче материального качества каждой вещи. На нотной тетради, лежащей перед лютнистом, начертаны начальные ноты популярного в XVI веке мадригала «Вы знаете, что я Вас люблю».

Это одна из первых работ Караваджо, в которых использован прием светотеневого контраста, ставший в дальнейшем основным выразительным средством художника и заимствованный многими его последователями. Свет и тень не только лепят формы, делая их рельефными, выявляя объем тела и различных предметов, но и концентрируют внимание на главном.

Зинаида Евгеньевна Серебрякова «За завтраком», 1914.

Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Наиболее полно отвечает современному мировоззрению картина "За завтраком" (1914) художницы искрометного таланта З.Серебряковой. На картине - собственные дети знаменитой Зинаиды Серебряковой - художницы необычайного таланта и сложной судьбы, первой русской женщины-художницы мирового уровня. Несомненно, женское начало ее творчества поспособствовало созданию столь бесхитростного уголка жизни как истинной драгоценности: красивые дети с бегло, но точно намеченными характерами, любовно написанная посуда, среди которой узнаваема каждая вещь - многие и поныне живут в наших домах, атмосфера теплого уюта и солнечной радости. Это - действительно полнокровный и полноценный образ счастливого детства, согретого родительской любовью.

Эдгар Дега «Урок танца», 1873-1875. Холст, масло.

Франция, Париж, Музее Орсэ.

Эдгар Дега более всего известен публике как художник балерин, и, действительно, никакие другие сюжеты не привлекали его так сильно. Он был первым из европейских художников, кто совершенно по-новому увидел балет. Эдгара Дега не прельстила какая-то конкретная прима-балерина, он интересовался балетом вообще, - балетом, живущим особой жизнью.

Настоящая сцена представляет перерыв во время урока танцев, когда разрешается отдохнуть. В центре зала для репетиций стоит уже не молодой балетмейстер Жюль Перро, опираясь на свою палку. Танцовщицы отдыхают во время репетиции, они стоят группками по всему залу. Седовласый Перро беседует с балериной с зеленой лентой на пачке, которая четко видна в раме дверного проема позади нее. Световое решение картины и почти прозрачное тонким слоем наложение краски дают прекрасный эффект реальности сцены.

Эта большая картина Дега с изображением сцены урока танцев была написана им по заказу известного баритона и коллекционера Жана-Батиста Фаре.

Пьер Огюст Ренуар «Две девочки за фортепиано», 1893

Холст, масло
Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж

Совершенно неожиданно 50-летний Ренуар в 1891 году получил государственный заказ на картину. По инициативе поэта Стефана Малларме государственная закупочная комиссия решила приобрести одну работу Ренуара, оговорив, что это должна быть «новая и значительная картина».
Столь благоприятный поворот в карьере художника обернулся для него неожиданными творческими муками. Один из друзей Ренуара писал потом: «Я помню, с каким трудом приступал Ренуар к выполнению официального заказа, которого добился его заботливый друг. Это была картина Девушки за пианино. Ренуар принимался за нее пять или шесть раз, и каждый раз писал почти одно и то же. Мысль о том, что картина заказная, сковывала его, лишала уверенности в себе».
Из шести существующих версий картины наиболее завершенным вариантом располагает музей Орсэ(Франция, Париж). Сам художник считал его даже «слишком завершенным». Трогательная сценка занятий музыкой в богато обставленных апартаментах не вызывала раздражения ни у публики, ни у критики.

Фердинанд Георг Вальдмюллер «Дети», 1834. Дерево, масло.

Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж

Большое место в творчестве Вальдмюллера занимают жанровые сцены из жизни простых обывателей города и деревни. Эти композиции содержат иногда очень много фигур и всегда тщательно отработаны в деталях; самое удачное в них — фигуры стариков и особенно детей, несмотря на то, что благонравие и веселость изображаемых им миловидных мальчиков и девочек производят несколько нарочитое впечатление.

Жан Оноре Фрагонар «Читающая девушка», около 1776
Холст, масло.
США, Вашингтон, Национальная галерея искусства

Фрагонар неоднократно изображал девушек, занятых чтением или письмом. Но всякий раз эти образы были преувеличенно кокетливыми. Эта работа - исключение из правила. Картина была написана в переходный для Фрагонара период, когда фривольные сценки начали выходить из моды, и ему пришлось срочно менять свою манеру, чтобы не потерять отвоеванное место на «художественном рынке».
Между 1776 и 1780 годом картину трижды перепродавали, и каталоги аукционов донесли до нас немало интересной информации об этом полотне Фрагонара. Так, в них упоминается о том, что картина «написана с натуры», «завершена за один сеанс» и «радует глаз уверенным мазком и цветовой гармонией». Долгое время это произведение оставалось одной из самых популярных работ Фрагонара. В 1844 году французский искусствовед Теофиль Торе писал о ней: «Очаровывает свежее лицо юной девушки, с нежной, словно персик, кожей. Она одета в светлое, лимонно-желтое, щедро отражающее световые блики платье... Героиня картины сидит, откинувшись на лиловую подушку, на которую падают глубокие пурпурные тени. Портрет поражает своей глубиной и жизненностью».

Людвиг Кнаус «Девочка в поле», 1857.

Холст, масло

Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж

Людвиг Kнаус – самый значительный живописец-жанрист в Германии, один из лучших представителей новой дюссельдорфской школы под руководством К. Зона и Шадова, провел год в Италии и 8 лет в Париже, в течение которых отлично усвоил себе технику новейших французских живописцев и достиг до высокого мастерства, признанного за ним самими французами.
Произведения Кнауса свидетельствуют об его тонкой наблюдательности, искусстве передавать характер и душевное движение людей всех возрастов и состояний, уменье создавать сцены, полные жизненной правды и проникнутые то добродушным юмором, то отрадным весельем, то глубоким чувством. Достоинство его картин возвышается превосходным рисунком, блестящим колоритом и мастерским письмом. Область его творчества – преимущественно быт немецких крестьян и вообще жизнь низшего сословия. Выводя нередко на сцену детей, молодых людей и девушек, он, видимо, относится к юности с сердечным сочувствием.

Константин Егорович Маковский

«В мастерской художника», 1881

Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Константин Маковский – один из известнейших русских живописцев. В 1851 году поступил учиться в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1858 году Маковский закончил училище и поступил в натурный класс Академии художеств в Петербурге.В 1863 году художник покинул Академию, в 70-е годы состоял в Товариществе передвижных художественных выставок.
В начале 80-х годов Маковский все больше отдает предпочтение портретному жанру и за короткое время становится одним из самых модных художников-портретистов. Многие картины Маковского находятся в зарубежных коллекциях.

Женский портрет

Рембрандт ван Рейн «Флора», 1634. Холст, масло.

Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж

В 1633 году Саския ван Эйленбюрх стала невестой Рембрандта ван Рейна. Очаровательный портрет юной Саскии в наряде Флоры является немым, но красноречивым свидетелем этой «поры весны и любви» гениального живописца.

Задумчивое, но, несомненно, счастливое лицо девушки вполне соответствует чувствам невесты. Она теперь не резвое дитя, беззаботно смотрящее на Божий мир. Перед ней серьезная задача: она избрала новый путь и многое-многое приходится ей передумать и перечувствовать, прежде чем она вступит во взрослую жизнь. Увитые цветами головной убор и жезл, безусловно, указывают на Флору, древнеримскую богиню весны. Наряд богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу.

Карл Павлович Брюллов «Всадница», 1832. Холст, масло. Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Брюллов написал много превосходных портретов; ими он оказался ближе всего реалистическому вкусу второй половины XIX века. Большие парадные, импозантные, «сюжетные» портреты светских красавиц - явление в своем роде единственное и больше уже не повторявшееся в русском искусстве. Они нравятся нам по-другому, чем в те времена: мы не воспринимаем их слишком всерьез, в их роскошности есть что-то наивное, но тем-то они и привлекательны.

«Всадница», изображающая молодую даму на прекрасном коне и встречающую ее маленькую девочку, - одно из обольстительных произведений Брюллова. По просьбе Юлии Павловны Самойловой Карл Павлович Брюллов исполнил портрет ее воспитанниц: старшей – Джованины и младшей – Амацилии. Счастливая девушка, возбужденная прогулкой, скачкой, ветром в лицо, круто осадила коня, маленькая подруга восторженно выбежала навстречу – и ей тут же передалось, многократно усилившись в ней, возбуждение всадницы; вороной конь косит глазом, храпит, пытается подняться на дыбы; чувствуя настроение хозяев, волнуются собаки; ветер гнет верхушки деревьев; бегут по небу облака: все возбуждено, взволновано, встревожено, но это радостное возбуждение, радостная взволнованность счастливых людей. (Милая и смешная подробность: на ошейнике выбежавшей на крыльцо собачки помечена фамилия «заказчицы» - «Samoylo».)

Леонардо да Винчи «Мона Лиза» («Джоконда»), 1503—1505.

Доска (тополь), масло.

Франция, Париж, Лувр

Ещё первые итальянские биографы Леонардо да Винчи писали о месте, которое занимала эта картина в творчестве художника. От работы над «Моной Лизой» Леонардо не уклонялся — как это было со многими другими заказами, а, наоборот, отдавался ей с какой-то страстью. Ей было посвящено все время, остававшееся у него от работы над «Битвой при Ангиари». Он потратил на него значительное время и, покидая Италию в зрелом возрасте, увёз с собой во Францию в числе некоторых других избранных картин. Да Винчи испытывал особенную привязанность к этому портрету, а также много размышлял во время процесса его создания, в «Трактате о живописи» и в тех заметках о технике живописи, которые не вошли в него, можно найти множество указаний, с несомненностью относящихся к «Джоконде».

Василий Андреевич Тропинин «Золотошвейка», 1826.

Холст, масло.
Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Тропинин – мастер портретного жанра. Со временем, в его работах появляются новые черты. В них значительно усиливается собственно жанровое начало, чувствуется желание художника показать героиню в обыденной жизненной ситуации. Сохраняя идеализированность типажа, Тропинин уделяет особое внимание реальным аксессуарам, предметам быта, дает их фактуру подчеркнуто материально. Пластика форм становится почти скульптурной, колорит обретает коричневый тон, в духе модных тогда голландских художников XVII века. Меняется и характеристика образа. Это уже не юные, хрупкие «кружевницы» и «золотошвейки», а сильная, уверенная в себе женщина в расцвете зрелой красоты. Поза модели лишена показного изящества, она нарочито обыденна, как бы подчеркивая укорененность героини в реальном мире. Жизнеутверждающее искусство Тропинина счастливо совпало со вкусами эпохи, подобные картины неизменно встречали отклик у публики.

Иван Николаевич Крамской «Неизвестная», 1883. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

На полотне изображена молодая женщина, проезжающая в открытом экипаже по Аничкову мосту. Она одета по последней моде 1880-х годов. На ней бархатная шляпка с перьями, украшенное мехом и лентами пальто, муфта и тонкие кожаные перчатки. Взгляд царственный, таинственный и немного грустный.

«Неизвестная» до сих пор остаётся загадкой художника. Ни в письмах, ни в дневниках он не оставил упоминаний о личности неизвестной. Существует версия, что прототипом к картине послужила курская девушка крестьянка Матрёна Саввишна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева. Крамской познакомился с ней в Санкт-Петербурге и был пленён её красотой. Но в частном собрании Д. Фридриха в Праге хранится этюд, на котором та же женщина изображена, видимо, более достоверно.

Натюрморты

Винсент ван Гог «Ваза с пятнадцатью подсолнухами» Арль, 1889.

Япония, Токио, Японский музей искусства Сомпо

«Подсолнухи» — название двух циклов картин голландского художника Винсента ван Гога. Первая серия выполнена в Париже в 1887 году. Она посвящена лежащим цветам. Вторая серия выполнена через год, в Арле. Она изображает букет подсолнухов в вазе. Именно картин с подсолнухами в вазе было семь. Эти подсолнухи и стали символом эпохи Ван Гога, можно сказать символом его творчества. Серия картин с изображением подсолнухов стала одним из самых знаменитых произведений художника.

Я.Ф.ван Дель «Натюрморт с цветами в вазе и фруктами»

Иван Николаевич Крамской

«Букет цветов. Флоксы», 1884. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

И.Н. Крамской — выдающаяся фигура в культурной жизни России 1860 — 1880-х годов. Организатор Петербургской художественной артели, один из создателей объединения передвижников, тонкий художественный критик, страстно заинтересованный в судьбах русского искусства, он был идеологом целого поколения художников-реалистов. В натюрморте художнику виделось увлечение «бессодержательной» формой. Известно его мнение, озвученное в письме к В. Васнецову: «Не станет же талантливый человек, - пишет Крамской об одном французском живописце, - тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол».

Патриотика
	Виктор Михайлович Васнецов. «Баян», 1910. Холст, масло Россия, Санкт-Петербург, Государственный Русский музей Одно из последних значительных произведений художника, завершающих былинную тему в его творчестве. Первый эскиз картины был сделан в 1880 году, но работа над ней была отложена из-за того, что художник писал в это время «Богатырей». Баян - имя певца из «Слова о полку Игореве», однако художник не связывает своего героя с персонажем конкретного произведения и создает собирательный образ былинного певца. В картине звучит тема единения певца и дружины, их духовной связи. Обобщенность образов соответствует монументальности и строгой лапидарности композиции. Решение пейзажа носит эпический характер. Панорамность широких российских просторов воспринимается как собирательный образ родной природы и звучит символически.
	Виктор Михайлович Васнецов «Иван-Царевич на Сером Волке», 1889. Холст, масло Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея Картина представляет собой иллюстрацию к известной русской сказке «Иван-Царевич и Серый Волк». Иван-Царевич вместе с Еленой Прекрасной мчатся на Сером Волке сквозь тёмный лес, спасаясь от погони. Для образа царевны Васнецов использовал написанный в 1883 году этюд с племянницы С. И. Мамонтова Натальи — «Портрет Натальи Анатольевны Мамонтовой».
	Виктор Михайлович Васнецов «Богатыри», 1881 – 1898. Холст, масло. Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея Сам В. М. Васнецов описывал картину так: «Богатыри Добрыня, Илья и Алешка Попович на богатырском выезде — примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?»

Пейзажи

Алексей Кондратьевич Саврасов «Новодевичий монастырь». 1890

Городской московский пейзаж, к которому Саврасов не раз обращался в ранних работах обрел иное, по сравнению с предшествующей эпохой, содержание. Картина «Новодевичий монастырь» – это не парадный романтический пейзаж, а скорее будни города. Для них характерно удивительное чувство эпохи и ощущение повседневной реальной жизни.

Алексей Кондратьевич Саврасов «Грачи прилетели», 1871.

Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Этюды к этой картине были написаны в деревне Молвитино (ныне Сусанино) Костромской губернии. На ней изображена Воскресенская церковь, сохранившаяся до наших дней. Доработка картины происходила в Москве, в мастерской художника. В конце 1871 года картина «Грачи прилетели» впервые предстала перед публикой на первой выставке Товарищества передвижных художественных выставок. «Грачи» стали открытием в живописи. Статичные пейзажи Куинджи и Шишкина сразу потеряли статус новаторских.

Произведение было сразу же куплено Павлом Третьяковым для его коллекции. В 1872 году Саврасову было впервые заказано повторение картины «Грачи прилетели». Позже А. Саврасовым было сделано ещё несколько реплик картины.

Исаак Ильич Левитан «Золотая осень», 1895. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Наиболее популярной среди работ, описывающих осень, является картина «Золотая осень», отличающаяся яркостью, повышенной декоративностью.

В повести о Левитане писатель Константин Паустовский дал очень емкую, но удивительно образную оценку этим работам:

«Никто из художников до Левитана не передавал с такой печальной силой неизмеримые дали русского ненастья. Оно так спокойно и торжественно, что ощущается как величие.

Осень снимала с лесов, с полей, со всей природы густые цвета, смывала дождями зелень. Рощи делались сквозными. Темные краски лета сменялись робким золотом, пурпуром и серебром.

Левитан, так же как Пушкин и Тютчев и многие другие, ждал осени, как самого дорогого и мимолетного времени года...

Исаак Ильич Левитан «Март», 1895. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Левитан редко изображал зиму и снег, предпочитая осень или весну. Но, однажды, он взялся за зимний пейзаж, и написал эту картину – «Март». Картина произвела переворот в русской живописи. Оказалось, что еще никто до него так живописно и ярко не писал снег, синие тени деревьев и яркое голубое небо. После Левитана подобный мотив стал излюбленным в русской пейзажной живописи, и многие художники, включая Юона и Грабаря, варьировали его в своих работах.

Иван Шишкин «Рожь». 1878. Холст, масло. Россия, Москва, Государственная Третьяковская Галерея. Особенный, тихий, погожий выдался день. Величаво, просторно раскинулась нива спеющих хлебов, и среди этого океана золотой ржи, словно сторожа русского богатства, встали великаны-сосны, вознеся свои гордые вершины к самому небу. Невероятная тишина царит в пейзаже. Кажется, слышно, как дышит каждая былинка. До слуха долетает ровное, неспешное дыхание поля. Только щебет малых пташек - ласточек, над самой землей пронзительно режущих воздух, - нарушает покой. В сизом мареве у самого горизонта толпятся громады кучевых облаков. Парит. И, несмотря на то, что ветерок не колышет ни один колосок, ни одну веточку сосен, душа чует - быть грозе... Неясное состояние тревоги усиливает обгоревший одинокий скелет дерева, нелепо и дико торчащий среди этой чарующей благодати. Может, удар молнии сжег сосну? Странно и тоскливо маячит она, напоминая зрителю о случайностях, невзгодах, бедах самого автора полотна. Не так идиллически спокоен этот ландшафт. Серьезная, почти минорная нота сложной, трудной жизни, не всегда ясной и постижимой, слышна в картине. Ее раскрывает и поддерживает тема дороги, утопающей во ржи, по которой бредут два путника, а над ними высоко, высоко в голубом зените кружат птицы. Искусство Ивана Шишкина требует долгого, внимательного, вдумчивого разглядывания. Тогда только станет понятен тот внутренний, поэтический, далеко не простой ключ картины. Живопись мастера зовет осмыслить сотни подробностей, которые предлагает художник зрителю. И только тогда ты увидишь бездонную глубину «простоты и наивности» Шишкина. К тебе потянутся венчики полевых цветов, ты услышишь запах дорожной пыли, и вдруг дорога уведет в самую гущу нивы - туда, в благоухающее царство хлеба. Тогда станет доступен тот мелодичный тихий звон, который издают мириады пчел и шмелей, ты почувствуешь до самой глубины сердца чары средней полосы. Современники Шишкина, наглядевшиеся вдоволь на романтиков, упрекали Ивана Ивановича в прозаизме. Это глубокое заблуждение... Ведь поэзия бывает разная. Глядя на его «Рожь», слышишь строки Никитина, Кольцова, Некрасова, Фета... Медленно встают из-за неоглядных далей громадины туч. (Рассказ И.Долгополова)

Иван Николаевич Крамской «Портрет Шишкина», 1873. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Этот портрет-картина был своеобразной повестью о пейзажисте, и некоторое прозаическое многословие ее внутренне соотнесено с методом самого Шишкина, уже ушедшего от натуралистической манеры ранних работ, но еще не освоившего язык мощного эпического звучания. О пейзажах Шишкина той поры Крамской отзывался словами, которыми можно определить и портрет его кисти: прекрасно, «ученым образом», но без «тех душевных нервов, которые так чутки к шуму и музыке в природе».

Клод Оскар Моне «Уголок сада в Монжероне», 1877.

Холст, масло

Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж

На Третьей выставке импрессионистов Клод Моне продемонстрировал одиннадцать больших холстов, предназначенных для украшения виллы друга импрессионистов Гошеде в Монжероне, где художник работал осенью 1876 года.

«Уголок сада в Монжероне» входит в число одиннадцати полотен из коллекции Гошеде.

В 1878 году Гошеде разорился, а его коллекция произведений импрессионистов поступила в распродажу. «Уголок сада в Монжероне» приобрел оперный певец Ж. Б. Фор, а впоследствии эта картина была куплена И. А. Морозовым.

Василий Дмитриевич Поленов «Московский дворик», 1878. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея

Это любимая картина многих поколений зрителей. Поленов изобразил типичный уголок старой Москвы – церковь Спаса на Песках, расположенную в одном из переулков близ старинной улицы Арбат. Эта церковь стоит и поныне, окруженная теперь совсем иной городской средой. На картине же мы видим характерную для XVIII – XIX веков застройку. Главной градостроительной единицей Москвы были не улицы и площади, а дом и двор. Старые московские особняки, занимая порой целые кварталы, были окружены садами с плодовыми деревьями и надворными постройками. Эти «дворянские гнезда» были моделью традиционного деревенского быта, поэтому Москву часто называли «большой деревней». Поленов создал образ, полный покоя и умиротворенности. Написанная яркими красками, картина утверждает радость повседневного бытия – «отрадное», по выражению художника Серова, и передает светлые чувства автора.

	Винсент ван Гог «Ирисы», 1889. Холст, масло. США, Малибу, Музей Пола Гетти «Ирисы» - одно из первых полотен, написанных в лечебнице Святого Павла Мавзолийского близ Сен-Реми-де-Прованс, куда Ван Гог добровольно направился, решив сделать все, чтобы вылечиться от нервного недуга. Художник изобразил роскошные ирисы, которые он видел по дороге. Мотив картины - спелость, сочность, избыточность великолепия природы. Глубокий синий цвет превосходно выписанных ирисов составляет предельный контраст зеленому цвету листьев, заостренных и по форме напоминающих ланцет, которые вносят в композицию ритм незримых разделительных линий между цветами. Почва теплого красного тона словно бы крепко склоняет растения книзу, так же как светло-зеленый луг на заднем плане притягивает цветы к себе. Как полный контраст цветовой насыщенности изображения - белый ирис в левой части композиции, ему вторит бледно-голубой цветок, расположенный у правого края.
	Бернардо Беллотто «Вид на г. Пирна с замка Зонненштайн», 1753-1755. Холст, масло Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж Бернардо не фиксирует реальность подобно машине, а на основе видимого мира строит идеальный и обладающий необыкновенной гармонией и глубиной (и в прямом и в переносном смысле) свой – новый физический и метафизический мир, далеко не идентичный миру видимому. Проецирование для Беллотто, только инструмент позволяющий избегать нарушений гармонии, которые подобно заложенным минам, рано или поздно стали бы заметны, с появлением той же фотографии, и взорвали бы идеальное, превратив все в иллюстрацию.
	Иван Константинович Айвазовский «Рыбаки на берегу моря», 1852. Холст, масло. Армения, Ереван, Национальная галерея Армении «Море - это моя жизнь», - сказал художник. Он обладал способностью передать движение и дыхание моря. Айвазовский с детства любил море и сумел создать правдивый и поэтичный образ беспредельной стихии, романтическому восприятию которой оставался верен всегда. Мастер отличался необычным живописным мышлением. На полотне художник создаёт яркие, поражающие своим великолепным декоративным звучанием сочетания. Подобные работы воспринимаешь как симфонию красок, как песню красоте. «Проживи я ещё триста лет, - говорил художник, - всегда нашёл бы в море нечто новое».

Иван Константинович Айвазовский «Девятый вал», 1850. Холст, масло. Россия, Санкт Петербург, Государственный Русский Музей Айвазовский был последним и самым ярким представителем романтического направления в русской живописи. Художника влекла к себе свободная стихия моря и бесконечная изменчивость его состояния. В своем творчестве он следовал основным принципам романтического искусства: отобрать в многообразии жизненных явлений не типическое, но исключительное, выходящее за пределы обыденного. Словами поэта А. И. Полежаева художник мог бы сказать и о себе:  Я видел море, я измерил Очами жадными его;Я силы духа моегоПеред лицом его поверил. Особенно ярко романтические черты сказались в картине «Девятый вал». Избавляясь от слишком плотной манеры письма и слишком резких контрастов классицистической «кулисной» композиции, Айвазовский со временем добивается подлинной живописной свободы. Напряженно-катастрофический «Девятый вал», где достигнуто впечатление «безбрежного» морского пространства, может служить итогом его раннего периода.  Своим названием картина обязана распространенному мнению, будто бы каждый девятый вал во время шторма является особенно большим и страшным, превосходящим все другие. На картине художник изобразил раннее утро после бурной ночи. Первые лучи солнца освещают бушующий океан и громадный «девятый вал», готовый обрушиться на группу людей, ищущих спасение на обломках мачт. За обломок мачты погибшего корабля цепляются четыре человека в восточной одежде, уцелевшие после кораблекрушения. Пятый старается выбраться из воды на мачту, ухватившись за падающего с нее своего товарища. Им ежеминутно угрожает гибель среди обрушивающихся на них валов, но они не теряют надежды на спасение.

Иван Шишкин. «Утро в сосновом лесу». 1889. Холст, масло. Россия, Москва, Государственная Третьяковская Галерея. Среди всех произведений художника наиболее широкой известностью пользуется картина «Утро в сосновом лесу». Занимательный жанровый мотив, введенный в картину, во многом способствовал ее популярности, но истинной ценностью произведения явилось прекрасно выраженное состояние природы. Это не просто глухой сосновый лес, а именно утро в лесу с его еще не рассеявшимся туманом, с легко порозовевшими вершинами громадных сосен, холодными тенями в чащах. Чувствуется глубина оврага, глушь. Присутствие медвежьего семейства, расположившегося на краю этого оврага, порождает у зрителя ощущение отдаленности и глухости дикого леса.

Семейные портреты

Рафаэль Санти «Сикстинская Мадонна» 1512—1513 Холст, масло. Германия, Дрезден, Галерея старых мастеров

Полотно было создано Рафаэлем в 1512—1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области.

На картине изображены Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II, носящего сходство с Папой Юлием II, Святой Варвары, и двумя ангелочками внизу, под Мадонной глядящие снизу вверх на её схождение. Фигуры образуют треугольник, поднятый занавес лишь подчёркивает геометрическое построение композиции.

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчёркивающая его высокий сан, указывает своей рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят в указанном им направлении, в то время как Святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа.

Изобразительное мастерство художника обманывает наблюдателя. Задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов.

Предполагают, что моделью для мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина.

Константин Егорович Маковский

«Семейный портрет», 1882

Холст, масло.

Россия, Санкт-Петербург, Государственный Русский музей

Константин Маковский был знаменитым и модным художником при жизни. Его называли «русским Рубенсом» за монументальные полотна и «русским Ван Дейком» за великолепные парадные портреты А потом художник был незаслуженно забыт. Тщательный анализ творчества на фоне развития русской художественной культуры рубежа XIX–XX веков, документированно написанная биография художника и публикация 250 рисунков, эскизов, панно, портретов дают полную картину творческого развития Маковского и определяют его место в истории русской культуры.
В творчестве Константина Маковского отразились все черты салонного искусства. Его работы эффектны, банальны по содержанию, далеки от исторической достоверности. Парадные портреты внешне красивы, богаты прекрасно написанными аксессуарами. Это часто принижает образы портретируемых. Но все недостатки искупаются высочайшим профессиональным мастерством, тончайшим колоритом. В некоторых своих портретах художник поднимается до европейского уровня мастерства.

Николай Павлович Ульянов

«Пушкин с женой перед зеркалом на придворном балу», 1936

Россия, Санкт-Петербург, Институт русской культуры

Многим женщинам посвящал Пушкин свои стихи, но последней и самой сильной любовью стала его жена Н. Гончарова.
Их отношения были краси­выми и гармоничными. Он не уставал заверять жену в своей любви, писал ей трогательные письма и был готов на любые лишения ради её счастья.
Вершиной высказывания чувств любимой женщине было его стихотворение "Мадонна", в котором каждое слово, каждая строчка дышит возвышенным и нежным чувством к самому дорогому человеку:

Исполнились мои желанья,
Тебя творец мне ниспослал,
Тебя, моя мадонна,
Чистейшей прелести чистейший образец...

Так изящно и виртуозно мог выражать свои мысли только гениальный чело­век, мастер высокого стиля, обладающий неиссякаемым запасом нежности.

Владимир Лукич Боровиковкий «Портрет княжны Анны Гавриловны Гагариной и княжны Варвары Гавриловны Гагариной», 1802. Холст, масло.

Россия, Москва, Государственная Третьяковская Галерея.

На рубеже XVIII — начала ХIХ века Боровиковский обратился к новому для него типу группового семейного портрета. Это позволило художнику внести новые качества в открытую им форму лирического портрета.
К числу наиболее удачных относится портрет сестер Гагариных. В его композицию вводится жанровое действие. Две молодые девушки, одетые по-домашнему, заняты музицированием. Mладшая — играет на гитаре и смотрит в нотный лист, который держит старшая сестра. Изящные позы, живые глаза, нежные овалы юных лиц, тонкие переливы серебристо-серых, фиолетово-розовых и голубых тонов, приветливая природа. Изысканная ярко-красная гитара не вносит диссонанс, а лишь подчеркивает светлые образы сестер.
Хотя замысел этой картины близок идеям сентиментализма, показывая идиллию домашнего быта и нежные чувства, рождаемые музыкой, все же он несет в себе значительный элемент новизны: в основу его поло жен мотив активного действия. В соответствии с ним и характеры девушек уже не скрыты тенью неопределенной мечтательности: в них больше конкретности и естественности.

Холл и пролеты
	Рафаэль Санти «Афинская школа», 1511. Фреска Ватикан, Апостолический дворец В 1508 году по поручению папы Юлия II Рафаэль расписывает станцы (парадные залы) Ватиканского дворца. Станца делла Сеньятура была первой из станц, расписанных Рафаэлем (1508—1511 гг.). Его фрески — это аллегорические изображения человеческой деятельности: «Афинская школа» — философия, «Диспута» — богословие, «Мудрость, умеренность и сила» — правосудие, «Парнас» — поэзия. В своих четырех великих композициях Рафаэль показал четыре основания, на которых, по его убеждению, должно покоиться человеческое общество: разум (философия, наука), доброта и любовь (религия), красота (искусство), справедливость (правосудие). Фреска «Афинская школа» по праву признается одним из лучших произведений не только Рафаэля, но и ренессансного искусства в целом.
	Жан Огюст Доминик Энгр « Апофеоз Гомера» 1827 Холст, масло. Франция, Париж, Лувр. Аллегорическая композиция, украсившая плафон одного из залов музея Карла V в Лувре. Перед античным храмом, символизирующим храм искусства, изображен знаменитый греческий поэт в окружении людей, жизнь и творчество которых были посвящены общественному благу и искусству. В полный рост показаны творцы и герои античности: поэт Эсхилл, художник Апеллес, поэт Пиндар, скульптор Фидий, полководец Александр Македонский. В этой же группе находятся великие люди Средневековья и Возрождения – Данте и Рафаэль. Представители Нового времени запечатлены в полуфигурных портретах, среди них французские драматурги XVII века Жан Расин, Жан Батист Мольер, Пьер Корнель, поэт Жан Лафонтен, художник Никола Пуссен и другие великие люди. Все они почитают талант греческого певца и обязаны ему своим искусством. Гомер, отец европейской литературы, окруженный последователями, восседает на троне. Его венчает лавровым венком крылатая Ника – богиня славы, а перед ним в зеленом и красном одеяниях расположились аллегорические женские фигуры, олицетворяющие его бессмертные поэмы – «Илиаду» и «Одиссею».

	Джованни Баттиста Тьеполо «Меценат представляет императору Августу свободные искусства», 1743 г. Холст, масло. Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж В искусстве Тьеполо композиционное и колористическое совершенство сочетаются с безграничной творческой фантазией, виртуозное владение рисунком и тщательное изучение модели — с вдохновенным даром импровизации. Полотна Тьеполо напоены воздухом и светом, именно благодаря этому колорит в них приобретает особую свежесть и звучность. Широкая манера письма, обобщенные формы, отсутствие мелких деталей придают композициям художника монументальность, независимо от размеров произведения. Всеми этими качествами обладает широко известная картина небольшого формата — лучшая из хранящихся в Эрмитаже работ Тьеполо — «Меценат представляет императору Августу свободные искусства». На полотне изображен император Август, левее — Меценат, перед ними — Поэзия в образе Гомера и три женщины, олицетворяющие Живопись, Ваяние и Зодчество. Это произведение было заказано художнику в 1743 году покровительствовавшим Тьеполо графом Альгаротти, писателем и ученым, большим знатоком и любителем искусства.
	Орест Адамович Кипренский «Портрет Александра Сергеевича Пушкина», 1827 Холст, масло Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея Выходец из крепостной среды, своим трудом добившийся всеевропейской славы, О. Кипренский написал лучший портрет А.С. Пушкина. Заказ на создание портрета русского поэта последовал в 1827 году от А. Дельвига. Весной этого года художник возвратился из Италии, в мае этого же года в Петербург - проездом из Москвы в Михайловское - приехал и А.С. Пушкин. У них был общий круг знакомых и друзей, и, по преданию, в доме одного из них – Н.Д. Шереметева – и писался этот знаменитый портрет. То, что портрет А.С. Пушкина заказывал именно А. Дельвиг, не случайный факт: поэт называл А. Дельвига «художников друг и советник».
	Василий Павлович Худояров «Император Петр I за работой» Холст, масло

Поль Деларош «Портрет Петра I», 1838. Деларош превосходно писал портреты и увековечил своей кистью многих выдающихся людей своей эпохи. Портрет Петра I – как воплощение мечты Российской империи по укреплению своих границ: одна рука на карте, вторая сжимает шпагу и покоится на пушке.

Валентин Александрович Серов. «Петр I». 1907 Картон, темпера. Россия, Москва, Государственная Третьяковская Галерея Во время первой русской революции в творчестве Серова в целом возобладали образы русской истории, исполненные мажорного, а не критического пафоса. Так, воображением художника завладевает героическая эпоха Петра 1, суровая и небывалая. Он пишет несколько картин на эту тему.  Одна из лучших композиций - темпера «Петр 1». Петр на «журавлиных» ногах, грозный и стремительный, движется навстречу сильному ветру. Его нелепая карнавальная свита (столь необычные формы принимают их развевающиеся на ветру одежды) с трудом продвигается за ним. В стремительном шаге Петра навстречу новой стройке, в бурлящей воде, в тоненьких мачтах кораблей, в несущихся облаках - во всем ощущение динамики преобразований, которые стали возможными благодаря напору воли, энергии, вихревому натиску мужественных людей.

Дата добавления: 2015-09-29