В 30-е гг. в творчестве многих писателей усиливаются социальные мотивы. Выходят роман С. Льюиса (1885—1951) «У нас это невозможно» антифашистской направленности; рассказы С. В. Бенета (1898—1943) и Д. Паркер (1893— 1967). К животрепещущим проблемам современности обращается Э. Хемингуэй (роман «Иметь и не иметь», пьеса «Пятая колонна», рассказы). В 1954 г. Хемингуэй стал лауреатом Нобелевской премии.
Крупнейшее произведение критического реализма — роман «Гроздья гнева» (1939) создает Джон Стейнбек (1902 —1968),
В послевоенный период наступила полоса реакции. Некоторые писатели (Дос Пассос, Синклер) отступили от идеалов 30-х гг. С 50-х гг. особый вес приобрела массовая литература, являющаяся составной частью индустрии культуры. Ключевая характеристика массовой литературы — облегчение доступности и сопричастности к современной культуре в ее редуцированном1 виде, суррогат эстетического удовлетворения: поэзия становится псевдопоэтичностью, пафос — патетической мелодекламацией, красота — красивостью, любовь — сексуальным влечением и т.д.
Одним из крупнейших представителей реалистического направления литературы второй половины XX в. был лауреат Нобелевской премии 1949 г. Уильям Фолкнер (1897 — 1962). «Осквернитель праха» (1948). «Город» и «Особняк».
Проблеме науки и нравственности посвящены романы Митчелла Уилсона (1913—1973) «Живи среди молний», «Встречи на далеком меридиане» и др.
Лидер американского литературного авангарда — Джон Барт (р. 1930). «Козлоюноша Джайлз», «Химера», «Письма» и др.
Изобразительное искусство. В живописи и скульптуре уже с 10-х гг., все усиливаясь и расширяясь, возник ряд формалистических течений, первоначально повторяющих приемы европейского кубизма, экспрессионизма или дадаизма, а затем занявшихся и самостоятельным творчеством в сфере сюрреалистического (сверхреалистического) или абстрактного искусства1. Крайние их проявления — абстрактный экспрессионизм (ташизм), «тихоокеанская школа»2, неоэкспрессионизм3 и др.
В начале XX в. выражением реалистических взглядов на задачи искусства стала деятельность Роберта Генри (1865—1929) и возглавляемой им группы художников. Искусство Генри утверждало красоту и моральную значительность человека, поэзию большого города («Девушка в черном», «Лиллиан», пейзажи Нью-Йорка и др).
Гуманизм Р. Генри был воспринят его учениками Джорджем Беллоузом (1882—1925), ставившим своей целью создать реалистический американский стиль, и Рокуэллом Кентом (1882—1971), долгие годы являвшегося крупнейшим представителем американского искусства.
Реалистично творчество скульпторов Уильяма Зораха (1887—1966) и Джейкоба Эпстайна (1880— 1959).
Последовательно и неизменно работали над утверждением интереса и внимания к человеку, к противоречиям и трудностям социальной действительности такие художники, как Антон Рефрежье (1905—1979), Эндрю Уайет (1917-1979).
С 30-х гг. в американской живописи существует такое течение, какрегионализм. Его представители — Г. Вуд, Т. X. Бентон. Они писали типично американские ландшафты, бытовые и исторические сцены, соединяя натурализм с примитивизмом.
Абстрактный экспрессионизм (ташизм) стал первым международным течением в живописи, в котором американские мастера заняли ведущее место.
Расцвет абстракционизма приходится на 50-е гг., когда живопись и скульптура такого рода вошли в быт среднего американца и европейца.
Самым крупным представителем абстракционизма был Джексон Поллок (1912—1956). («Люцифер», «Номер пятнадцатый»).
Широкое распространение в США получило и течение поп-арта1, возникшее в конце 50-х гг. Отличительная его черта — широкое использование в качестве выразительных средств для создания произвольных композиций реальных случайных предметов быта, афиш, газет, рекламы. Впервые к консервным банкам, бутылкам от пепси-колы, рекламным объявлениям стали относиться как к объекту эстетического интереса. Наибольшую популярность в сфере поп-арта США приобрели Джаспер Джонс (р. 1930), Роберт Раушенберг (р. 1925), а также Рой Лихтенштейн (р. 1923).
В 60-е годы оформилось кинетическое искусство — произведения изобразительного искусства, чаще скульптуры, части которого находятся в движении или создают впечатление движения. Кинетическое искусство обычно выступает разновидностью поп-арта (Р. Раушенберг выставлял произведения, которые приводились в действие от движения публики).
Самое молодое направление в изобразительном искусстве — гиперреализм (сверхреализм). Гиперреалисты полагают, что всякое реалистическое, или, как они выражаются, традиционное, изображение не отражает истинной картины мира. Использующий цветную фотографию или муляж для воспроизведения действительности, гиперреализм по сути является разновидностью натурализма.
Фотореализм характеризуется интенсивным фотографическим реализмом и выписыванием каждой детали. Примером этого стиля может служить произведение американской художницы Одри Флэк (р. 1931) «Семейный портрет».
Характерна для фотореализма также картина американца Ричарда Эстеза (р.1936) «Фасад» (1974), демонстрирующая зрителям отражение улицы в стекле витрины магазина.
Гиперреализм и фотореализм часто объединяют в одно понятие «новая вещественность».
Один из видных представителей монументальной живописи США — Антон Рефрежье (1905—1979).
Музыка. До начала XX в. композиторское творчество в США развивалось под сильным воздействием европейской, преимущественно немецкой, школы. Несмотря на попытки ряда композиторов утвердить национальный стиль американской музыки, это не удалось. Лишь в области развлекательной музыки зародилось то новое, «американское», что нашло свое наиболее яркое выражение в стихии джаза.
В США жили и работали Арнольд Шенберг (1874—1951), Пауль Хиндемит (1895—1963), Игорь Федорович Стравинский (1882—1971), Дариюс Мийо (1892—1974), Эрнст Кшенек (р. 1900), Бела Барток (1881—1945) и многие другие. Почти все они вели педагогическую работу, обучая молодых американских музыкантов.
Одним из основоположников новой американской школы был Чарльз Айве (1874—1954), экспериментировавший с атональностью. Написал пять симфоний («Праздничная» и др.), камерную музыку (соната «Конкорд» и др.).
В первые десятилетия XX в. заметно сказалось влияние французского импрессионизма. Видным представителем этого направления был Ч. Гриффс (1884—1920). Его симфоническая пьеса «Дом удовольствий Кубла-хана» до сих пор в репертуаре американских оркестров.
Среди основоположников национальной композиторской школы — Аафон Копленд (оратория «Портрет Линкольна», балеты «Парень Билли», «Родео», крупные симфонические и хоровые произведения).
Глубокий интерес к народнопесенной традиции, к истории американского народа характеризует творчество таких композиторов, как Рой Гаррис (р.1898), Марк Блицштейн (р. 1905), Эли Сигмейстер (р. 1909).
К числу самых ярких представителей «музыкального американизма» относится талантливый композитор Джордж Гершвин (1898—1937), творчество которого очень многим обязано негритянскому искусству и порожденному им джазу. Среди наиболее значительных сочинений Гершвина — «Рапсодия в стиле блюз», опера «Порги и Бесс», построенная на джазовых ритмах, симфоническая поэма «Американец в Париже».
Продуктивным оперным композитором проявил себя Джон Карло Менотти (р. 1911). На собственные либретто написал оперы в стиле реализма: «Медиум», «Консул», «Телефон», «Лабиринт», «Святая с Блекер-стрит», «Мария Головина» и др. В 1958 г. он основал в Сполето «Фестиваль двух миров» (итальянской и американской музыки), в 1977 г. — американский фестиваль в Чарлстоне.
Один из крупнейших в США музыкантов XX в. Леонард Бернстайн (1918 — 1990) — автор симфоний {«Время тревог» и др.), балетов {«Без любви» и др.), мюзиклов. Большим успехом пользуется его мюзикл «Вестсайдская история». Он дирижировал многими оркестрами, в 1958—1969 гг. — главный дирижер Нью-Иоркского филармонического оркестра.
Видный мастер симфонической и камерной музыки — Сэмюэл Барбер (1910— 1981), написавший оперы «Ванесса», «Антоний и Клеопатра». Барбер — автор пьесы для оркестра «Адажио для струнных», балета «Змеиное сердце».
В послевоенные годы усилилась тяга композиторской молодежи к крайним течениям модернизма и использованию электронной музыки. Это название, появившееся в 1954 г., относилось к музыке, создаваемой и воспроизводимой с помощью электронно-акустической аппаратуры.
Театр. К концу первого десятилетия XX в. все театральное дело превратилось в отрасль промышленности — бизнес увеселения. Сформировался новый тип театра США, получивший название коммерческого театра. Он вытеснил стационарные театры, которые не могли соперничать с ним ни по пышности оформления, ни по яркости рекламы. Изменился репертуар театров: классические произведения почти не ставились; ловко написанные развлекательные пьесы с выигрышными ролями звезд, музыкальные комедии а ревю (шоу) заполнили сцены многочисленных театральных зданий. Снизившийся художественный уровень спектаклей прикрывался пышным оформлением.
Центром театральной жизни США стал Бродвей — одна из главных улиц Нью-Йорка. Бродвейские театры, не имеющие ни постоянных трупп, ни постоянных режиссеров, ни постоянного репертуара, — до сих пор ведущие театры США.
В 20-х и 30-х гг. в репертуаре театров США широко исполнялись пьесы американского драматурга Юджина (У Нила («Любовь под вязами», «За горизонтом», «Странная интермедия», «Траур к лицу Электре»); писателя-драматурга и киносценариста Альберта Мальца (1908—1985) («Карусель», «Мир на земле», «Черная шахта», «Рядовой Хикс»).
В годы Второй мировой войны на сценах коммерческих театров ставились преимущественно комедии и обозрения. Наиболее значительные постановки этого периода — «Отелло» В. Шекспира с участием известного певца (баса) и драматического актера Пола Робсона (1898—1976) и «Три сестры» А. П. Чехова.
В послевоеные годы значительное место в коммерческих театрах заняли мрачные пьесы с убийствами. Сцены заполнялись героями-алкоголиками, сумасшедшими, деклассированными элементами, покорившимися своей судьбе («Продавец льда грядет» Ю. О' Нила, «Наш город» Т. Уайдлера (1897—1975). В пьесах доказывалась обреченность людей, бессмысленность их борьбы за лучшее будущее.
40-е гг. были апогеем творческого успеха Артура Миллера (р. 1915).
А. Миллер определял свой творческий метод как «абстрактный реализм», однако в 50-е гг. и позже в его произведениях явственно зазвучали экзистенциалистские мотивы. Так, пьесу А. Миллера «Это случилось в Виши» литературоведы определяют как экзистенциалистски окрашенную «драму идей» о соотношении личной и коллективной ответственности за зло мира. В комедии «Сотворение мира и другие дела» прослеживается ироническая коллизия между греховностью человека и поисками нравственного абсолюта.
Большое значение для развития театров США имеет деятельность факультетов драмы университетов и университетстких театров. Эти любительские и полупрофессиональные театры, осуществляющие постановки силами студентов и местной интеллигенции, в известной мере восполняют пробел, образованный отсутствием постоянно действующих государственных театров. Они способствуют также воспитанию квалифицированных молодых актеров, режиссеров и драматургов.
В 50—60-е гг. возросло значение и так называемых общинных театров — небольших театральных организаций, существующих во многих городах США на средства членов-подписчиков, заранее приобретающих абонементы на все постановки театра в данном сезоне.
В 1953 г. в Нью-Йорке был создан некоммерческий Феникс-театр, осуществляющий постановку на своей сцене классических произведений.
В 1959 г. появилась новая форма драматического искусства — хэппенинг (происшествие). Это своеобразный театральный поп-арт. Он представляет собой набор почти не связанных между собой сцен, в которых актеры и зрители свободно взаимодействуют друг с другом. Текст лишен какой-либо философии.
Киноискусство. Зарождение и становление киноискусства в США относятся в концу XIX — началу XX вв. Первый киносеанс в Америке состоялся в 1896 г., спустя четыре месяца после первого кинопоказа в Париже. Изобретатель киноаппарата в США Томас Алва Эдисон (1847—1931) организовал в Нью-Йорке собственную кинофирму, вслед за которой стали возникать другие кинокомпании. Выпускавшиеся ими картины демонстрировались 1—2 мин и представляли собой чаще всего хроникальные и видовые сценки. С технической точки зрения фильмы долго оставались примитивными.
Кино впервые снискало себе популярность только после появления художественного фильма в одной части «Большое ограбление поезда» (1903).
Для дальнейшего развития американского кинематографа и становления его как искусства много сделал режиссер Дейвид Уорк Гриффит (1875—1948). В его фильмах — «Рождение нации» (1915) (о Гражданской войне в США), «Нетерпимость», «Сломанные побеги» и др. — действие перестало быть простой иллюстрацией к надписям, оно обрело образную силу. Он ввел крупный план, параллельный монтаж, «обратный» кадр и другие приемы, обогатившие художественную выразительность киноязыка.
Первой попыткой монополизировать американскую кинематографию было создание десятью фирмами, владевшими патентами на киноаппаратуру, треста МППК. Борясь с трестом, мелкие кинопредприниматели основали новый Киноцентр — Голливуд (по названию местечка близ Лос-Анджелеса). В 1912 г. Голливуд победил МППК.
Но голливудские «независимые» производственники быстро сами превратились в крупных промышленников. К 60-м гг. 3/4 всей кинопродукции США выпускали восемь голливудских фирм, а производство хроникальных фильмов контролировалось ими полностью.
В соответствии с духом, воцарившимся в Голливуде, одной из постоянных тем американской кинематографии стало прославление индивидуальной предприимчивости, инициативы, идеализация американского образа жизни. Вторая сквозная линия американского кино — ковбойские фильмы, или вестерны — представляли собой романтическую сторону все того же идеализированного американизма.
Одним из создателей Голливуда был известный кинорежиссер Томас Гарпер Инс (1882—1924), поставивший в 1916 г. свой самый известный пацифистский фильм «Цивилизация». В последующие годы творчество Инса приобрело отчетливо выраженный коммерческий характер.
Новый этап в развитии американского кино — творчество Чарлза Спенсера Чаплина (1889—1977), актера, кинорежиссера, сценариста, получившего международную известность благодаря фильмам «Золотая лихорадка», «Огни большого города», «Новые времена», «Великий диктатор», «Месье Верду», «Огни рампы», «Король в Нью-Йорке», «Графиня из Гонконга», в которых выразил надежды и тревоги простых людей. В его фильмах часто соседствуют буффонада и пафос. Комический образ неудачника Чарли, созданный актером, стал величайшим достижением Чаплина.
В годы Второй мировой войны значительное место в голливудской продукции заняли фильмы религиозного содержания («Ключ от царства небесного», «Следуй по моим стопам», «Колокола св. Марии»). После вступления США в войну на экранах страны появился ряд антифашистских фильмов. Среди них «Миссис Минивер» (реж. Уильям Уайлер), «Седьмой крест» (реж. Фред Циннеман) по роману Анны Зегерс (1900—1983), фрагменты из советских фильмов.
В конце 50-х гг. появляется ряд фильмов, получивших широкий общественный резонанс, среди них «Смерть коммивояжера» по пьесе А. Миллера, «Не склонившие головы» режиссера Стэнли Крамера (р. 1913) и др. Но основное содержание массовой продукции американского кино по-прежнему составляют уголовные, детективные и фантастические фильмы ужасов, псевдопсихологические и сексуальные мелодрамы, приключенческие вестерны, а также пышные постановочные боевики на библейские и евангелистические темы.
Архитектура. В начале 20-х гг. значительное влияние на архитектуру Америки оказал финский архитектор Элиель Сааринен (1873—1950), привлекший внимание своим проектом высотного здания редакции «Чикаго дейли трибюн». По его проектам построены здания «Телефон-билдинг», музея Рериха и одно из высочайших зданий в мире «Эмпайр стейт-билдинг» (381 м).
В 1930-х гг. в американской архитектуре начинает развиваться тенденция, возникшая как протест против эклектизма.
Каноном современной американской архитектуры стали здания и проекты зданий из стекла, стали и алюминия ведущего представителя интернационального стиля архитектора Людвига Мис ван дер Роэ (1886—1969), развившего идею совершенной «универсальной формы». Он создал тип здания — параллелепипед со стальным каркасом, нерасчлененным внутренним пространством и сплошным остеклением навесных стен. Одним из первых архитектор применил навесные, Ненесущие стены в каркасных зданиях, представляющие собой одну из главных отличительных черт современных зданий всего мира.
На фоне технологических достижений в области новых материалов и новых методов строительства развивается творчество ведущих мастеров американской архитектуры: сына Э. Сааринена — Эро Сааринена (1910—1961), Минору Ямасаки (1912—1986), Ричарда Бакминстера Фуллера (1895—1983), Фрэнка Ллойда Райта (1869-1959).
Наиболее интересные работы Эро Сааринена — здание аудитории Массачусетского технологического института, покрытое бетонным изогнутым парусом, опирающимся на три точки и не имеющим промежуточных опор; грандиозный комплекс зданий Технического центра «Дженерл моторе» в Уоррене, железобетонные здания свободных пластических форм (здание аэровокзала компании «TWA» в аэропорту им Дж. Кеннеди в Нью-Йорке напоминает по своей форме гигантскую птицу в полете).
Для творчества архитектора М. Ямасаки характерно обращение к истории архитектуры Индии, Италии и Японии. В 50—60-е гг. он создал вариант неоклассицизма, отличающийся декоративным изяществом железобетонных форм и металлической отделки зданий. Наиболее интересные работы Ямасаки — здание Американского института бетона в Детройте, ярко демонстрирующее конструктивные и эстетические возможности бетона; здание фирмы «Рейнольдс» в Детройте, решенное в виде прямоугольного объема с солнцезащитным щитом из тонких трубок золотого (анодированного) алюминия; здание аэровокзала Сент-Луиса, покрытого тремя большими крестовыми сводами. Совместно с другими архитекторами построил две 110-этажные башни Центра международной торговли в Нью-Йорке.
Особое место в американской архитектуре занимает Б. Фуллер. Ему принадлежит идея создания так называемого пространственного, или геодезического, купола, состоящего из чрезвычайно легкого, сильно напряженного и прочного каркаса, покрытого самыми различными материалами. Основная ценность такого купола, способного выполнять функции зданий самого различного назначения, — в его экономичности и быстроте монтажа. По его проекту был построен павильон науки Американской национальной выставки 1959 г. в Сокольниках в Москве.
Современная американская архитектура характеризуется чрезвычайно резкими контрастами между отдельными интересными сооружениями и монотонными, лишенными всякой архитектурной выразительности, конторскими и жилыми зданиями. Такие контрасты объясняются главным образом преобладанием техники над архитектурой, пристрастием американцев к сенсации и рекламе и высокой ценой на землю.
36. Художественно-стилевые направления в изобразительном искусстве XX века
(реализм, сюрреализм);
На почве дадизма и сначала только как течение литературное возник сюрреализм (от surrealite — сверхреальное).
Сюрреалистическое направление в искусстве родилось как философия «потерянного поколения», чья молодость совпала с Первой мировой войной. Его представляла в основном бунтарски настроенная художественная молодежь, близкая по мироощущению к дадаистам, но понимающая, что дадаизм бессилен выразить волновавшие их идеи. Теория сюрреализма строилась на философии интуитивизма Анри Бергсона (интуиция — единственное средство познания истины, ибо разум здесь бессилен и акт творчества имеет иррациональный, мистический характер), на философии идеализма Вильгельма Дильтея, проповедующего роль фантазии и случайного в искусстве, и на философии австрийского психиатра Зигмунда Фрейда с его учением о психоанализе, с культом «бессознательного» и с культом полового инстинкта — «либидо», которые, по Фрейду, сопутствуют человеку с детства и сублимируются в творческий акт. Именно Фрейда сюрреалисты считают своим духовным отцом. В первом манифесте сюрреалистов говорилось о том, что творчество строится на «психологическом автоматизме, это нечто вроде фиксации сверхреальных алогичных связей предметного мира, получаемых в состоянии бессознательном: сна, гипноза, болезни и т. д. В манифесте провозглашалась безоговорочная вера «во всемогущество сна». Провозглашая «свободные ассоциации» в творчестве, сюрреалисты ввели свое основное «правило несоответствия», «соединения несоединимого». В их искусстве, по словам одного исследователя, «дали ростки все "цветы зла" наихудших сторон фрейдизма: культ фатальной предрешенности социального зла, агрессивных влечений, низменных побуждений, разрушительных инстинктов, извращенной эротики, патологической психики». Ненавидящие буржуазный мир, ищущие новые острые средства выражения в искусстве, к сюрреализму примкнули в 20-е годы такие большие мастера, как Элюар, Арагон, Пикассо, Лорка, Неруда (отмежевавшиеся от него, впрочем, уже в 30-е).
Первыми сюрреалистами в живописи были: Андре Массон (быстрые наброски животных, растений, каких-то фантастических декоративных форм); Хоан Миро (подражание детскому рисунку, мир, увиденный как сквозь микроскоп), скоро перешедший к абстракционизму; Макс Эрнст, бывший дадаист, принесший в сюрреализм основной его принцип — «обман глаз»; Ив Танги, художник-самоучка, с его пейзажами, напоминающими мертвую пустыню, оживляемую фантастическими растениями или животными.
Сальватор Дали (1904—1989). Ранние вещи Дали, уже сюрреалистического толка, очень многословны. Это сказывается даже на их названии («Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон», 1932). «Предчувствие гражданской войны», «Осеннее каннибальство»
В 30-х годах сюрреализм выходит за европейские рамки. В 1931 г. устраивается первая выставка в Америке. Нью-йоркская выставка 1936 г. называется «Фантастическое искусство, дада, сюрреализм».
Во время Второй мировой войны центр сюрреализма перемещается в Америку. Сюда переезжает Дали, Бретон, Массон, Эрнст, Танги и др.
В 40—50-е годы в Америке сюрреалисты имели наивысший успех. Исследователи сюрреализма объясняют это тем, что публика, уставшая от абстракционизма, устремляется к картинам, в которых «что-то все-таки изображено». Произведения 50-х годов не имеют никакой деформации, выполнены на высоком профессиональном уровне («Христос св. Иоанна на кресте», 1951;«Тайная вечеря», 1955; «Св. Иаков», 1957). Помимо картин на религиозные темы Дали пишет такие, в которых пытается примирить религию и науку («Атомистический крест», 1952 — изображение атомного реактора и куска хлеба как символа святого причастия). В 60-е годы сюрреализм стал уступать свои позиции новой волне абстракционизма и, главное, новым направлениям авангардизма, прежде всего искусству поп-арта.
РЕАЛИЗМ. От позднелат. (геalis — вещественный, действительный) В искусстве, правдивое, объективное отражение действительности специфическими средствами, присущими тому или иному виду художественного творчества.
Новый реализм, которому еще не найден точный термин и который именуется исследователями чаще всего «реализмом XX века», начал складываться с первых лет столетия в революционной графике Кете Кольвиц, швейцарца Теофиля Стейнлена, бельгийца Франса Мазереля (1889—1972), в офортах и росписях англичанина Фрэнка Брэнгвина и в лирических пейзажах французов Мориса Утрилло и Альбера Марке.
Наиболее экспрессивный характер реализм обрел в творчестве Кете Кольвиц (1867—1945). «Восстание ткачей». серия офортов «Крестьянская война»
В пронзительных по обостренности чувства, напряженно-эмоциональных гравюрах Франса Мазереля (1889—1972) представлена целая летопись современного мира, ужасы войны, страдания бесконечно одинокого в этом расколотом мире человека (серии «Крестный путь человека», 1918; «Мой часослов», 1919; «Город», 1925).
Среди английских художников реалистического направления нужно назвать прежде всего Фрэнка Брэнгвина (1867—1956) панно «Современная торговля» для лондонской биржи (1906), росписи Дома кожевников в Лондоне (1904—1909).
В традициях реализма работает в начале века Огастес Джон (1878—1961). Его портреты, как живописные, так и графические, крепко построены, избавлены от всякой деформации, дают многогранную характеристику модели (портрет Бернарда Шоу, 1913—1914).
Верной реалистическим традициям остается французская пластика. В начале XX в. во французской скульптуре появляются три выдающихся мастера.
Аристид Майоль (1861—1944) Его основной материал — камень, основная тема — обнаженная женская модель, основная идея творчества — красота и естественность здорового прекрасного тела, сильного и крепкого. («Присевшая на корточки», 1901; «Иль де Франс», 1920—1925). Майоль мало занимался портретом, но среди его портретов невозможно не отметить высокоодухотворенное изображение старого Ренуара (1907).
Антуан Бурдель (1861—1929) с его драматизмом и экспрессивностью, интересом к динамике пластических масс — как бы прямая противоположность Майолю. Его первый монумент — «Памятник павшим в 1870—1871 гг.» (1893—1902Произведение, выявляющее особенности его манеры, несущее в себе черты, характерные и в будущем,—«Стреляющий Геракл» (1909). Как скульптор и живописец, Бурдель выступает в декоративном оформлении театра Огюста Перре на Елисейских полях (1912), ему принадлежит оформление оперного театра в Марселе (1924).
Исключительно портретному жанру отдал свое творчество Шарль Деспио (1874—1946), Деспио никогда не исполнял «воображенных» портретов. Он работал с натуры, исследуя ее очень внимательно и находя те неуловимые черты в модели, которые и делают ее неповторимой, единственной. В портретах Деспио отсутствует всякая внешняя эффектность, их очарование (особенно женских портретов) —в высокой одухотворенности, интеллектуальной тонкости, которые скульптор умеет передать в простых и классически ясных пластических решениях («Ева», 1925; «Ася», 1937).
37. Художественно-стилевые направления в культуре XX века
(кубизм, футуризм, абстракционизм);
Кубизм (фр. Cubisme) — авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.
Возникновение кубизма. Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques).
Начиная с 1912 г. в кубизме зарождается новое ответвление, которое искусствоведы назвали «синтетическим кубизмом».Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907—1909), аналитический (1909—1912) и синтетический (1913—1914) кубизм.
Крупнейшие достижения
Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девицы», «Гитара», работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан, скульптуры Александра Архипенко и др. Кубизм развивался и за пределами Франции; особенно плодотворно — в Чехословакии.
Футуризм (лат. futurum — будущее) — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х гг., прежде всего в Италии и России.
Возникновение. Автор слова и основоположник направления — итальянский поэт Филиппо Маринетти (поэма «Красный сахар»). Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим. 20 февраля 1909 г. в газете «Фигаро» появилась статья Маринетти «Манифест футуризма». Манифест был написан для молодых итальянских художников. Цитата: «Самые старые среди нас — тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придёт новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора…»). В манифесте Маринетти провозглашается «телеграфный стиль», что, в частности положило начало ещё и минимализму. Отказ от традиционной грамматики. Право поэта на свою орфографию. Словотворчество. Скорость. Ритм. Свои картины они посвящали поезду, автомобилю, самолётам. Словом, все сиюминутные достижения цивилизации, упоённой техническим прогрессом. Мотоцикл был объявлен более совершенным творением, нежели скульптуры Микеланджело. Маринетти говорил: «Жар, исходящий от куска дерева или железа, нас волнует больше, чем улыбка и слёзы женщины», «Новое искусство может быть только насилием, жестокостью».
В 1912 г. в Париже состоялась первая выставка художников-футуристов.
Помимо Маринетти, основоположниками футуризма были Балла, Боччони, Руссоло, Карло Карра, Джино Северини.
Провозглашается пафос разрушения и взрыва. Воспеваются войны и революции, как омолаживающая сила одряхлевшего мира. Можно рассматривать футуризм как своеобразный сплав ницшеанства и манифеста коммунистической партии. Динамика движения должна прийти на смену статике позирующих скульптур, картин и портретов. Фотоаппарат и кинокамера заменят несовершенство живописи и глаза.
Футуризм в изобразительном искусстве. В изобразительном искусстве футуризм отталкивался от фовизма, заимствуя у него цветовые находки, и от кубизма, у которого перенял художественные формы, однако отвергал кубический анализ (разложение) как выражения сущности явления и стремился к непосредственному эмоциональному выражению динамики современного мира.
Дата добавления: 2015-11-04; просмотров: 22 | Нарушение авторских прав
| <== предыдущая лекция | | | следующая лекция ==> |