Символизм быстро стал общеевропейским направлением в искусстве, но именно в России он обрел глубокий философский смысл, изложенный в книге Д.С.Мережковского «О причинах упадка и новых течениях современной русской культуры» (1893) и в статье К. Д. Бальмонта «Элементарные слова о символической, поэзии». Русский символизм начинался в конце XIX в. как следствие кризиса либеральных и народнических идей и был выражением общедекадентских тенденций (творчество Д. Мережковского, 3. Гиппиус). Но уже с начала XX в. он переключается на переживание проблемы личности в истории, ее связи с «вечностью», с вселенским «мировым процессом». Любовь, тоска, одиночество становятся у символистов показателем общего трагического состояния мира. А символизм мыслится как «жизнетворчество», выходящее за пределы искусства, как дело общекультурного созидания, призванного преодолеть исторический разрыв между людьми (А. Белый), между художником и народом (Вяч. Иванов). Это связывает символизм с мистикой и оккультизмом, делает его религиозно-философским течением. Эволюция символизма связана с переходом от поколения «старших символистов» (Д. Мережковский, В. Брюсов, К. Бальмонт) к «младшим символистам» (А. Блок, А. Белый, Вяч. Иванов). В их творчестве все отчетливее проявлялись идеи Вл. Соловьева о соборности как системе религиозной связи людей. Эти идеи воплотились в открытиях русских символистов в поэтике - смысловая полифония, реформа напевного стиха, обновление жанров лирики, новые принципы циклизации стихотворений.
Символизм в литературе был тесно связан с символизмом в театре, который исходил из идеи неоромантического слияния на сцене всех искусств на основе музыкального начала. Режиссеры-символисты стремились сильнее подчеркнуть роль подтекста в драме, Усилить музыкальный ритм спектакля, сделать спектакль обрядовым действом, в которое бы вовлекался и зритель. Большое значение также придавалось живописи. Для символистского театра характерны стилизация драматических форм прошлого - древнегреческих трагедий, средневековых мистерий, а также полный диктат Режиссера. Крупнейшими режиссерами-символистами были П. Фор, О- М. Люнье-По и Ж. Руше во Франции, А. Аппиа в Швейцарии, Крэг в Великобритании, Г. Фукс в Германии, В. Мейерхольд в России. Для символистского театра писали Метерлинк, Верхарн, Ибсен. Одним из наиболее удачных спектаклей стала «Синяя птица» Метерлинка, поставленная К. С. Станиславским на сцене МХАТа.
Символизм в изобразительном искусстве был очень разнороден и лишен единой эстетической программы. Некоторые черты символизма (стремление уйти от гнетущей повседневности, постичь мир в его вечной красоте, обрести чистоту прежнего искусства) были присущи творчеству прерафаэлитов в Англии и неоидеализму в Германии. До конца XIX в. символизм в изобразительном искусстве был тесно связан с литературой, воплощая литературные аллегории средствами классицизма, романтизма либо смешением разных приемов. При этом художники часто соединяют естественные, природные формы с фантастическими, ирреальными видениями. В конце 1880-х гг. символистами себя объявляют Э. Бернар и П. Гоген. С этого момента символ все чаще выражается не сюжетно, а самой формой изображения. Новое «символическое» мышление закладывается в основном в творчестве постимпрессионистов и становится определяющим у модернистов, которые пытаются найти единую систему символов мира, выявить символику каждого цвета, найти музыкальное начало в ритмическом строе рисунка и композиции. Прямая аналогия живописи с музыкой характерна для творчества литовского художника и композитора М. К. Чюрлениса. В России символизм в живописи связан с творчеством В. Э. Борисова-Мусатова, а также многих художников «Мира искусства», по своей идейной направленности противоположного символизму в литературе. Близким к литературе символизма было творчество М. А. Врубеля.
Символизм стал очень сложным и неоднозначным явлением в художественной культуре рубежа XIX-XX вв. В нем выразились и ожидание грандиозных перемен, и страх перед ними, и призыв к слому буржуазной культуры, и религиозный мистицизм. Символизм оказал большое влияние на художественные течения XX в. - экспрессионизм, сюрреализм, футуризм и др.
СКУЛЬПТУРА (лат. sculptura - вырезаю, высекаю) - вид изобразительного искусства, основывающийся на создании объемных трехмерных изображений, размещаемых в реальном пространстве. Скульптура вместе с живописью принадлежат к самым ранним видам искусства, поскольку все древние цивилизации оставили образцы скульптурного творчества.
Основными материалами скульптурных изображений являются глина, гипс, камень, дерево, кость, металл. Главным объектом скульптуры служит человек, животные (анималистический жанр), природа (пейзаж) и вещи (натюрморт). В процессе исторического развития сложилось два вида скульптуры: круглая скульптура (статуя, бюст, скульптурная группа) и рельеф (объемное изображение на плоскости). По содержанию и назначению все скульптурные изображения разделяются на станковую, монументальную, монументально-декоративную и скульптуру малых форм. Станковая скульптура носит камерный характер и обычно размещается в залах выставок, музеях, жилых интерьерах. Монументальная и монументально-декоративная скульптура рассчитана на архитектурно-пространственное и природное окружение и размещается в общественных местах (улицы, площади, парки, фасады зданий, интерьеры общественных сооружений). Скульптура малых форм включает широкий круг произведений, предназначенных преимущественно для жилого интерьера, и во многом смыкается с декоративно-прикладным искусством. Основными техническими приемами исполнения скульптурных произведений служат лепка и высекание.
Скульптура наряду с живописью получила широкое распространение в искусстве с глубочайшей древности, начиная с первобытной эпохи. Первые скульптуры отмечены в культуре палеолита и были сделаны из камня, кости, слоновой кости. Развитые виды скульптуры известны у народов Древнего Востока и Южной Америки. Один из важнейших этапов развития архитектуры - античность, на протяжении которой были созданы скульптурные образы гармонически развитого человека - гражданина. Культовая скульптура средних веков уже стала элементом сложных архитектурных комплексов. Скульптура эпохи Возрождения и Нового времени обретает композиционную свободу и создает различные психологические образы человека. XX в. в истории скульптуры отмечен расширением ее возможностей и методов, материалов и функций, жанров и стилей изображения.
СТАНКОВАЯ ЖИВОПИСЬ - род живописи, произведения которого имеют самостоятельный характер и значение и воспринимаются независимо от окружения и от места, где они находятся. Термин «станковый» произошел от «станка», на котором создаются картины, - мольберта. Основной формой станковой живописи является картина, отделенная рамой от окружающей обстановки. Предшественниками картин были античные живописные произведения на досках (пинаксы), самыми известными из них являются фаюмские портреты. На их основе позже возникли христианские иконы. Но они были частями алтарей, иконостасов, а не самостоятельными произведениями. Картины на светские темы, которые писались с эпохи Возрождения, также долгое время были частью дворцовых и домашних интерьеров. Лишь с XVII в. появляются формы собственно станковой живописи, делающие картину самостоятельным произведением, а не декоративным элементом. Особое развитие станковая живопись получила с конца XIX в.
СТИЛЬ В ЛИТЕРАТУРЕ И ИСКУССТВЕ (греч. stylos - остроконечная палочка для письма на восковых дощечках) - исторически сложившаяся совокупность художественных принципов, выразительных средств и приемов, характерных для творчества мастеров, работающих в различных видах и жанрах искусства. Эта совокупность порождает более или менее устойчивую и единообразную систему художественных форм. Определяющими при этом являются структура образа и художественная форма. Понятие стиля имеет несколько уровней. Может обозначать индивидуальную манеру писателя, художника или музыканта (стиль А. С. Пушкина, стиль Рафаэля). Понятие «стиль» используется также для обозначения типичных для какой-либо эпохи художественных направлений или тенденций («строгий» стиль древнегреческой классики, «псевдорусский стиль» в русской архитектуре XIX в.). Стилем называют устойчивые особенности искусства какого-либо народа в течение длительного периода времени (древнеегипетский стиль, китайский стиль). Стиль - это обозначение периода в истории искусств (романский стиль, готика, барокко).
Теория стиля как художественно-исторической категории была разработана в конце XIX - начале XX в. швейцарскими историками искусства Г. Вельфлином и А. Ригелем. Они видели в стиле прежде всего формальную структуру и считали, что смена стилей -закон развития искусства. Важнейшим теоретическим вопросом является проблема соотношения индивидуального стиля автора, стилевых направлений и стиля эпохи. В ранние периоды развития искусства стиль обычно был единым, подчиненным строгим канонам. В таком случае мы видим систему синтеза искусств, в основе которого лежит архитектура, а все остальные виды искусства подчиняются архитектурным задачам. При этом могут выделяться местные школы, но стилевое единство несомненно (искусство Древнего Египта, романский стиль, готика, барокко, классицизм). Но с течением времени стиль начинает размываться, дробиться. И уже стиль эпохи эллинизма более дробен, чем стиль греческой архаики или Древнего Египта. Начиная с эпохи Возрождения в искусстве резко возрастает значение индивидуального стиля автора (стиль Рафаэля, стиль Микеланджело, стиль Тициана и др.), который нередко нарушает формальные границы стиля эпохи. Появляются, авторы, чье творчество не подчиняется ни одному стилю, -Веласкес, Рембрандт, И. С. Бах, Моцарт, Ф. Гойя. И с XIX в. в искусстве утверждается множественность индивидуальных стилей, а стилистическое единство распадается. Развитие искусства идет путем сложного сочетания индивидуальных стилей с художественными течениями (романтизм, реализм, импрессионизм и т. д.). В конце XIX - начале XX в. модернизм попытался воссоздать единый стиль. Это не дало серьезных результатов, но послужило толчком для поисков многочисленных вариантов стиля XX в.
СУПРЕМАТИЗМ (лат. supremus - наивысший) - направление в искусстве русского авангарда, основанное в 1913 г. Казимиром Малевичем. Представляет собой разновидность геометрической абстракции, композиции состоят из разноцветных плоскостей в форме квадрата, круга, треугольника, креста и т. п. Малевич считал, что таким образом он выражает абсолютные начала реальности, полученные через творчество в собственном внутреннем мире художника. Так познается своеобразное беспокойство, «возбуждение» как скрытая сила, управляющая состоянием природы и самого художника, и преобразуется благодаря творчеству в видимое состояние (живопись), не обретая при этом предметного выражения. Теоретические взгляды Малевича были изложены в работах «От кубизма к супрематизму» (1916), а также «О новых системах в искусстве». Идеи супрематизма разделяли также К. Л. Богуславская, И. А. Пуни, И. В. Клюн, Н. М. Суетин. Супрематизм оказал сильное влияние на конструктивизм 1920-х гг.
СЮЖЕТ (фр. sujet - предмет) в искусстве - определенное, конкретное художественное выражение соответствующего явления или события, в котором проявляются характеры действующих лиц, их взаимоотношения и противоречия. В литературе это понятие впервые было использовано в XVII в. французским драматургом Пьером Корнелем и поэтом Никола Буало, которые подразумевали под этим термином происшествие из жизни легендарных героев античности. Сюжетность является всеобщим свойством искусства, поскольку представляет собой важнейшее средство воплощения содержания и главный фактор в форме произведения. В этой роли сюжет означает конкретизацию темы, детальное, образно-повествовательное раскрытие идеи произведения. В нем дается композиционная проработка темы, определяется коллизия, характер персонажей и их взаимоотношения. Особенно сложные сюжеты в произведениях исторического, батального и бытового жанров.
СЮРРЕАЛИЗМ (фр. surrealisme - сверхреализм) - авангардистское направление в художественной культуре XX в., основывающееся на методе «свободных ассоциаций» 3. Фрейда. Сложилось в 1920-е гг. во Франции в кругу писателей и художников, близких к дадаизму. Программа направления была сформулирована в «Манифесте сюрреализма» А.Бретона, а также в журналах «Литература» (1919-1924) и «Сюрреалистическая революция» (1924-1929). Первая выставка состоялась в Париже в 1925 г. Среди основателей сюрреализма - Л. Арагон, П. Элюар, А. Арто, С. Дали, Л. Бунюэль. Некоторое время близки к нему были П. Пикассо и Ж. Кокто.
Идейными основаниями сюрреализма стали философия интуитивизма, восточные мистико-религиозные учения, фрейдизм и дзэнбуддизм. Главной особенностью сюрреализма является фрейдистский подход к творчеству, провозглашение подсознания основой художественного творчества, а его методом - психический автоматизм, разрыв логических связей, использование приемов алогичности, парадоксальности, неожиданности, соединения несоединимого. Сторонники сюрреализма хотели убрать разум из художественного творчества, освободить из-под власти интеллекта импульсы из подсознания человека. Так сюрреализм стал проявлением крайнего иррационализма. Они считали, что творческая энергия исходит из сферы подсознания и проявляет себя в грезах, сновидениях, галлюцинациях, внезапных озарениях. Поэтому художнику предлагалось овладеть специальными приемами психического автоматизма (они были сродни действиям медиума), а затем закреплять на бумаге спонтанно возникшие образы. Задача художника состоит в том, чтобы с помощью линий, плоскостей, формы и цвета проникнуть по ту сторону человеческого, достичь бесконечного и вечного.
В живописи сюрреализм развивался по двум направлениям. Одни (М. Эрнст, А. Массой, Ж. Миро) вводили бессознательное начало в творческий процесс, в живописи преобладали свободно текущие образы. Другие (С.Дали, Р. Магритт, П. Дельво, И. Танги) стремились с фотографической точностью воспроизвести те ирреальные образы, которые возникали в их подсознании. При этом твердые предметы могли растекаться, плотные - становиться прозрачными, расслаиваться, несовместимые объекты - сливаться. Так сложились особенности искусства сюрреализма - фантастика абсурда, алогизм, парадоксальность сочетания форм, изменчивость образов.
В 1930-е гг. сюрреализм распался (распалось его литературное ядро). С начала 1940-х гг. центр его перемещается в США. Новая волна интереса к сюрреализму поднялась с конца 1960-х гг., с развитием новой волны авангардизма и постмодернизма.
ТЕРРАКОТА (итал. terra - земля и cotta - обожженная) - керамические неглазурованные изделия из обожженной цветной глины с пористым черепком, имеющие как утилитарное, так и художественное назначение. Это посуда, изразцы, облицовочная плитка, архитектурные детали, вазы, скульптура, игрушки. Характерный цвет (от светло-кремового до красно-коричневого и черного) приобретает после обжига. Может иметь частичную или сплошную полировку. Терракотовые статуэтки (мелкая пластика) известны со времен неолита. Изделия из терракоты используются во всех известных культурах народов мира.
ТРИПТИХ (греч. triptychos - тройной, сложенный втрое) - произведение живописи (реже - графики или скульптуры), состоящее из трех самостоятельных частей, объединенных общей темой или идеей. Центральная (средняя) часть обычно выделяется по размерам и несет основную смысловую нагрузку. Триптих может быть как светским, так и религиозным произведением. В европейском искусстве XIV-XVI вв. были широко распространены алтарные композиции, выполненные в виде не только триптиха, но и диптиха и полиптиха.
ФОРМАЛИЗМ (лат. formalis - относящийся к форме) - в широком смысле - предпочтение, отдаваемое форме перед содержанием во всех сферах человеческой деятельности. В истории искусства формализм проявляется в отрыве формы от содержания, признании ее единственным ценным элементом искусства, в сведении всего художественного освоения мира к формотворчеству. Этот термин появился в советской теории искусства с конца 20-х гг. XX в. и стал обозначать все не соответствующее социалистическому реализму. Постепенно он превратился в штамп, который употреблялся для дискредитации художников или направлений в искусстве, шедших вразрез с официально принятыми доктринами. Так, формализмом были названы эстетизм, «искусство для искусства», все направления модернизма.
ФРЕСКА (итал. fresco - свежий, сырой) - техника стенной росписи водорастворимыми красками по сырой (афреско) или сухой (асекко) штукатурке. Фреской также называют произведения, выполненные в этой технике. Грунтом для фрески служит известь. Поэтому для нее годны краски, не вступающие в реакцию с известью. Обычно применяются земляные натуральные красители сдержанных тонов. При письме приходится учитывать, что при высыхании краски бледнеют. Техника чистой фрески очень сложна, потому что грунт быстро высыхает. Поэтому часто фрески исполняются по частям, из-за этого между частями видны соединительные швы-границы. Очень часто роспись афреско дополняется и исправляется с помощью темперы.
Фреска была распространена уже в крито-микенском искусстве (II тыс. до н. э.), использовалась в античности, на Востоке. Там роспись афреско заканчивалась с помощью темперы. Те же приемы использовались и в средневековом искусстве Западной Европы, Византии, Древней Руси. В эпоху Возрождения большое распространение получила техника афреско без применения темперы. Фрески использовались и в последующие эпохи, причем сегодня это понятие расширилось, и теперь нередко фреской называют любую стенную роспись, выполненную в любой технике.
ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА - особая область культурной деятельности человека, представляющая собой совокупность процессов и явлений духовно-практической деятельности, благодаря которой создаются, распространяются и осваиваются произведения искусства и материальные предметы, обладающие эстетической ценностью.
ШЕДЕВР (фр. chef-d'oeuvre - главное творение) - 1) в Средние века образцовое изделие, которое должен был выполнить подмастерье, желающий получить звание мастера и стать полноправным членом цеха. При его выполнении мастер должен был продемонстрировать следование канонам, знание секретов мастерства, а также показать свой талант, самостоятельность. Изготовленная вещь должна была служить образцом для следующих поколений мастеров; 2) с Нового времени шедевром стали называть любое образцовое произведение искусства, высшее достижение мастерства независимо от времени его изготовления.
ЭКЛЕКТИЗМ (греч. eklektikos - способный выбирать, выбирающий) - произвольное соединение разнородных взглядов, теорий, идейных направлений, художественных принципов. Это явление свойственно эпохам экономического, политического и культурного кризиса. Термин был введен александрийским ученым II в. н.э. Потамоном. В философии эклектизм появился в позднеэллинистическое время, в I в. н.э., в философских школах, где смешивались отдельные положения теорий Платона, Аристотеля, скептиков и стоиков. Его центром была Новая академия, возглавленная Антиохом из Аскалона. В искусстве эклектизм развился в период позднего эллинизма и ранней Империи (середина II в. до н. э. - II в. н. э.). В основе его лежал синтез эллинистического и классического стилей, усложненное композиционное построение, увлечение формой в ущерб содержанию. Это искусство лишено ясности и силы чувств, свойственных классике (скульптурные группы «Лаоко-он», «Фарнезский бык» и др.). В русском искусстве черты эклектизма заметны в творчестве архитекторов О. Монферрана (здание Исаакиевского собора, 1818-1858) и А. Штакеншнейдера (Мариин-ский дворец, 1839-1844). В XX в. эклектизм усиливается в архитектуре жилого дома, зрелищных, промышленных и административных сооружений, не имеющих собственного стилевого определения.
ЭКСПРЕССИОНИЗМ (лат. expressio - выражение) - направление в европейской литературе и искусстве начала XX в., ставившее своей целью выражение внутренних переживаний человека. Особенно широко было распространено в Австрии и Германии. Это самое сложное направление в европейском модернизме. Его характерной чертой является социальная направленность и социально-критический пафос. Произведения экспрессионистов - это протест против засилья вещей и подавления личности, отражение кризиса буржуазной цивилизации. Свой ужас перед действительностью и будущим, ощущение неполноценности, безнадежности и беззащитности в мире экспрессионисты-живописцы отражали через геометрически-уплощенные формы, через полный отказ от передачи пространства в живописи, которую строили на цельных, несгармонированных тонах. В этих произведениях узнавались черты африканской пластики, немецкой готики и народного искусства. Предшественниками экспрессионизма считаются бельгийский художник Д. Энсор, голландец В. Ван Гог, француз П. Гоген, а также художники-символисты. Начало экспрессионизму как художественному направлению было положено в 1905 г. организацией в Дрездене объединения «Мост» студентами архитектурного факультета Высшего технического училища Э. Л. Кирхнером, Э. Хеккелем и К. Шмидт-Ротфом. К ним примкнули Э. Нольде, М. Пехштейн, Ван Донген и др. Другое объединение, относящееся к экспрессионизму, - «Синий всадник» возникло в 1911 г. в Мюнхене по инициативе В. Кандинского и Ф. Марка. К нему примкнули А. Макке, П. Клее, А. Явленский, Г. Кампендонк, А. Кубин. Их произведения были близки к мистическим идеалам немецких романтиков. Здесь возникли одни из первых образцов абстракционизма. К началу Первой мировой войны оба объединения распались. После войны многие художники ушли в абстракционизм. Наиболее верными последователями экспрессионизма остались А. Кубин (иллюстратор Достоевского, Гофмана, Э. По), по духу близкий к Ф. Кафке, и О. Кокошка с его работами, навеянными идеями 3. Фрейда.
Экспрессионизм имел своих выразителей в скульптуре (Э. Бардах), в архитектуре (Р. Штейнер, Э. Мендельзон и др. стремились к созданию органически обусловленных, как бы вырастающих из почвы форм), в станковой и книжной графике. Литература экспрессионизма призывала к исправлению действительности, которое должно было начаться с преображения человека. Писатели-экспрессионисты объединялись вокруг журналов «Штурм» (1910-1932), «Акцион» (1911-1933), «Вайсен блеттер» (1913-1921). Среди экспрессионистов были поэты Г. Бенн, И. Бехер, прозаики Г. Мейринк, Л. Франк. Близки к экспрессионизму Ф. Кафка и Л. Андреев. В театре шли пьесы И. Бехера, Ф. Верфеля, В. Газенклевера, Г. Кафзера и др. Действие в них развивалось не постепенно, а толчками, от одной сцены к другой. Коллизия развертывалась обычно в условной исторической или фантастической обстановке. Персонажи были лишены индивидуальности и служили рупорами каких-либо идей. Театр экспрессионизма оказал влияние на молодого Б. Брехта.
Экспрессионизм был распространен в кино 1915-1925 гг. Для фильмов этого направления характерны мрачные мистические мотивы обреченности человека, мира. Часто использовались галлюцинации, сны, видения безумцев и т. п.
В музыке идеи экспрессионизма проявились в поздних произведениях Г. Малера, операх Р. Штрауса, а также в творчестве композиторов новой венской школы - А.Шенберга, А.Берга и-А.Ве-берна. Их музыка была лишена равновесия, обращалась к сфере подсознательного. Эти композиторы отказались от напевной мелодики и ясных тональных устоев, введя в свою музыку принцип атональности. Это помогало выразить зыбкие душевные состояния. Итогом экспрессионизма в музыке стало создание этими композиторами додекафонии.
Дата добавления: 2015-11-04; просмотров: 24 | Нарушение авторских прав
| <== предыдущая лекция | | | следующая лекция ==> |