Альфред Гарриевич Шнитке (1934-1998) –русский композитор. Он родился в АССР Немцев Поволжья, его отец был переводчиком с немецкого, а мать – учительницей немецкого языка. Выпускник Московской

Альфред Гарриевич Шнитке (1934-1998) –русский композитор. Он родился в АССР Немцев Поволжья, его отец был переводчиком с немецкого, а мать – учительницей немецкого языка. Выпускник Московской консерватории 1961 года по классу композиции (руководитель – Е. К. Голубев). После выпуска остался преподавать на кафедре инструментальной игры до 1972 года. Композиторский талант Шнитке проявлялся в разных жанрах – симфония, балет, опера, хоровая и камерная музыка. Шнитке писал музыку для театральных и особенно для кинематографических постановок, в том числе для мультипликационных, игровых и документальных фильмов. В начале 1990-х годов переехал в Германию, где жил и работал долгое время. В 1986 году получил Государственную премию РСФСР, помимо этого – лауреат ряда зарубежных премий. Член-корреспондент нескольких академий искусств зарубежья. В 1970-х годах Шнитке начинает экспериментировать с совмещением различных музыкальных техник в духе полистилистики. Шнитке был также выдающимся музыкальным аналитиком, публикации его теоретических очерков, в том числе о творчестве Шостаковича и Стравинского, произвели впечатление на слои музыкально-общественной элиты. Музыка Шнитке – это протест против академических условностей, он отвергает абсолютность стиля и выступает за синтез. Для полистилистики характерны проявления принципа цитирования и аллюзии, объединение высокого с низким, изысканного с банальным.

О творчестве А. Г. Шнитке прежде всего нужно говорить как о творчестве концептуальном. Для его произведений характерны масштабность и экспрессивность, он использует многообразие оркестровых и ансамблевых фактур, хорошо развита система цитат и многостилевой подход. Преобладающий жанр – инструментальный.

Авангард в русской музыке

Говоря о «советском музыкальном авангарде» (или о «русском послевоенном музыкальном авангарде»), обычно имеют в виду группу композиторов, выступивших на авансцену в начале 1960-х годов или немного позже. Хронологически (и идеологически) первым авангардистом этой волны следует считать А.М.Волконского, который приехал в СССР с семьей из эмиграции (1947), успев получить на Западе как первоначальное музыкальное образование, так и общее представление о происходящем в художественной жизни. Продолжив обучение в Московской консерватории, он начал сочинять в серийной технике Шёнберга и Веберна (Сюита зеркал, 1959 и Жалобы Щазы, для сопрано и камерного ансамбля, 1960). К группе «авангарда», которую вскоре возглавили три московских автора – Э.В.Денисов, С.А.Губайдулина, А.Г.Шнитке, на некоторое время присоединялись в этот период и другие авторы, например Н.Н.Каретников (остался до конца стойким приверженцем додекафонии), С.М.Слонимский, Р.К.Щедрин, Б.И.Тищенко, А.С.Караманов, на Украине – В.В.Сильвестров, Л.А.Грабовский, в Азербайджане – К.А.Караев, в Эстонии – А.Пярт и т.д. Характерной особенностью музыкального авангарда на территории СССР нередко становилась «фольклорная окрашенность», когда новые техники применялись к разработке народных напевов, желательно в их «сыром», непосредственно у народных певцов записанном виде (например, нетемперированный строй русской крестьянской песни мог совмещаться с авангардистской микроинтервальной техникой).

Хронологически первой осваиваемой «советским авангардом» техникой был сериализм (в разных видах), затем сонористика, а также алеаторика (композиция по принципу случайности); одновременно началось развитие электронной музыки. Довольно скоро «чистые» системы уступили место разным смешанным техникам: появились понятия «коллажа» (т.е. цитирования «чужого слова») и т.н. полистилистики – термин Шнитке, чьи сочинения наиболее ярко представляют данное явление. В этом пункте к началу 1970-х годов русский авангард «совпал» с некоторыми тенденциями западного искусства. Ко второй половине 1970-х годов, по наблюдениям критиков, стали складываться явления, называемые «новым традиционализмом», неоромантизмом, «новой простотой» и т.д. Они отразились и в творчестве корифеев музыкального авангарда – например у Губайдулиной, в основе техники которой в принципе лежит тембровая композиция, или у Денисова, в поздних сочинениях которого расширяется жанрово-стилистический спектр, и очень выпукло у Пярта, который пришел к религиозному искусству аскетичной «новой простоты». Вообще, к началу 1990-х годов или даже раньше в русской музыке, как и в западной, авангард «закончился», т.е. исчез как явление с лидерами, организационной структурой и стилистическими параметрами. Группа композиторов «средне-молодого» возраста, которая продолжает именовать себя «авангардом», движется скорее по инерции, не встречая при этом никакого сопротивления (ее представительный орган – фестиваль Московский форум, принятый в качестве филиала Международного общества современной музыки). Конечно, само появление авангардизма на отечественной почве в 1960-е годы было связано с феноменом «приоткрывшегося» после долгих десятилетий огромного окружающего мира, с естественным стремлением узнать и освоить все, что было сделано на Западе в этот период. Подобное стремление было свойственно отнюдь не только тем, кого принять называть «авангардистами», – его испытало тогда большинство представителей всех видов искусств и читающая, слушающая, посещающая выставки публика. «Авангардизм» был крайним выражением этой тенденции и у многих – всего лишь этапом пути. Но следует принять во внимание, что в рамках СССР любой «авангард», в том числе музыкальный, был, помимо прочего, политическим явлением, актом сопротивления, и именно в таком качестве понимался и поддерживался на Западе. C распадом СССР политическая основа движения практически исчезла, хотя некоторые спекуляции в этой области продолжаются. Западная же поддержка в прошедшие десятилетия привела к тому, что в сознании музыкальной общественности разных стран вся русская музыка 20 в. в период после Прокофьева и Шостаковича представлена лишь тремя именами: Шнитке – Денисов – Губайдулина (появился даже термин «русская тройка»).

Соната для альта и фортепиано Д. Шостаковича, opus 147, написанная в 1975 году и является последним сочинениемкомпозитора, завершенным всего за три дня до смерти. Произведение посвящено Федору Дружинину, советскому альтист.Произведение впервые было показано в доме композитора 25 сентября 1975, первое выполнено публично 1 октября 1975 в Ленинграде Федором Дружининым и Михаилом Мунтяном.

Произведение состоит из трех частей:

1. Aria (of Novello) - Moderato

2. Scherzo - Allegretto

3. Ter herinnering aan de grootse Beethoven - adagio

Альтовая соната вдохновила режиссеров Александра Сокуров и Семен Аранович на создание фильма «Дмитрий Шостакович.Альтовая соната»о трагической судьбе ее автора. К 1987 году этот фильм был запрещен в СССР.

Симфонии Шостаковича военных лет 2-го июня 1941-го года началась Великая Отечественная война - «историческая схватка... между разумом и мракобесием, между культурой и варварством, между светом и тьмой»,- так писал Шостакович в своей статье в «Правде», где рассказывал о сочиненной им седьмой симфонии.

Это мощное произведение о нравственной силе и героизме советского народа, сражающегося с фашизмом, написано в июле - декабре 1941 года. Три первые части симфонии Шостакович сочинил в осажденном Ленинграде, когда буквально рядом грохотали разрывающиеся бомбы. В Куйбышеве он завершил финал. Шостакович покинул родной город, лишь подчиняясь приказу об эвакуации.

Впервые седьмая симфония исполнялась в Куйбышеве, потом в Москве и еще блокированном Ленинграде, куда партитуру доставили самолетом, а вскоре и за границей. Восхищение она вызывала всюду. «Какой дьявол может победить народ, способный создавать музыку, подобную этой»,- писал американский корреспондент о седьмой симфонии, которую летом 1942-го сыграли в Нью-Йорке под управлением Тосканини.

Двумя годами после сочинения седьмой композитор завершил восьмую симфонию - грандиозную трагическую поэму о второй мировой войне. Он писал ее, будучи потрясен гибелью миллионов людей и их страданиями. Некоторые слушатели после первого исполнения симфонии нашли ее чересчур жесткой и мрачной. Однако на их вопросы нашлось резонное возражение: должна ли услаждать слух музыка, если она рассказывает о муках, о работе адской машины, о лагерях смерти Майданека или Освенцима, о силе Человека, ведущего борьбу со злом, и его великом гневе? Едва ли.

Восьмая симфония не позволяет забывать трагедию Великой Отечественной войны. Она высекает огонь из груди людей (Шостакович любит повторять эти слова Бетховена о назначении искусства). Она зажигает их ненавистью к фашистскому режиму - настоящему монстру XX века.

Для того, чтобы сочинить музыку, подобную седьмой и восьмой симфониям, необходимо колоссальное напряжение смелости и всех душевных сил. Это действительный подвиг.

Симфония № 9 ми-бемоль мажор, ор. 70 - симфония Дмитрия Шостаковича, написанная в 1945 году. Впервые исполнена в Ленинграде 3 ноября 1945 года Ленинградским филармоническим оркестром под управлением Евгения Мравинского.

Девятая симфония первоначально задумывалась как гимн победе над нацистской Германией в Великой Отечественной Войне. Композитор объявил в октябре 1943 года, что симфония будет большой композицией для оркестра, солистов и хора, своеобразным аналогом последней симфонии Бетховена, также носившей девятый номер.

В ходе встречи со студентами 16 января 1945 года, Шостакович сообщил им, что днем ранее он начал работу над новой симфонией. Через неделю он сказал им, что дошел до середины разработки раздела, и работа будет начинаться с большого tutti. Но затем Шостакович прервал работу на три месяца и возобновил ее лишь 26 июля 1945 года. Симфония была окончена 30 августа 1945 года и оказалась совершенно иной, нежели та, что задумывалась первоначально. Настроение симфонии было не пафосным и величественным, а преимущественно приподнято-беззаботным (вносила контраст лишь медленная четвертая часть, насыщенная трагическими образами). Сам композитор назвал свое новое произведение "вздохом облегчения после мрачного лихолетья с надеждой на будущее".

Девятая симфония выдвигалась на Сталинскую премию в 1946 году, но не смогла одержать победу. 14 февраля 1948 года вместе с некоторыми другими произведениями композитора симфония была запрещена и не исполнялась до 1955 года.

Работа состоит из пяти частей, последние три идут без перерыва:

1. Allegro

2. Moderato

3. Presto

4. Largo

5. Allegretto - Allegro

Обычно исполнение длится около 26 минут, что делает эту симфонию одной из кратчайших симфоний Шостаковича.

Симфония написана для оркестра в составе: флейты-пикколо, 2 флейт, 2 гобоев, 2 кларнетов, 2 фаготов, 4 валторн, 2 труб, 3 тромбонов, тубы, литавр, большого барабана, малого барабана, тарелок, треугольника, бубна и струнных.

Симфония № 8 до минор, ор.65 — симфония Дмитрия Шостаковича, написанная летом 1943 года и впервые исполненная 4 ноября того же года Симфоническим оркестром СССР под управлением Евгения Мравинского, которому и посвящена работа.

Экспансивные эмоциональные выражения вместе с монументальными музыкальными конструкциями привели музыкальный язык Шостаковича к вершине. Хотя симфония и не так популярна, как Симфония № 5, № 7, № 10 или № 15, но, по мнению специалистов, интеллектуально глубока. Симфония создана в традициях до минор «Трагедия в Триумф», ведущих начало с Пятой симфонии Бетховена и включающих Восьмую симфонию Брукнера и Вторую симфонию Малера. Хотя имеются значительные разногласия, насколько оптимистичным является окончание, поскольку оно заканчивается очень тихо. Друг Шостаковича Исаак Гликман назвал Восьмую симфонию «самой трагической работой».

Работа лишь немного короче, чем монументальная Седьмая симфония композитора и состоит из пяти частей:

1. Adagio — Allegro non troppo

2. Allegretto

3. Allegro non troppo

4. Largo

5. Allegretto

6. Piska-Otvaliska

Симфония написана для оркестра в составе: 4 флейт (третья и четвертая дублируются флейтами-пикколо), 2 гобоев, английского рожка, 2 кларнетов, малого кларнета, бас-кларнета, 3 фаготов (третий дублируется контрафаготом), 4 валторн, 10.... писюнов, 3 труб, 3 тромбонов, тубы, литавр, большого барабана, бубна, тарелок, малого барабана, треугольника, ксилофона, гонга и струнных. хер у них стоял

Мрачные тона и, в частности, отсутствие оптимистичного вывода сделало симфонию неприемлемой в качестве пропаганды дома или за рубежом. Симфонию критиковали композиторы на Пленуме в марте 1944 года, а после указа Жданова в 1948 году она была фактически запрещена восемь лет. Впервые после перерыва симфония прозвучала в октябре 1956 года в исполнении Московского филармонического оркестра под управлением Самуила Самосуда. Седьмая симфония ор. 60 «Ленинградская» до мажор — одно из важнейших произведений Дмитрия Дмитриевича Шостаковича.

Создана композитором в 1939-40 годах и первоначально предназначалась для изображения не войны, а В.И. Ленина, которого Шостакович безмерно уважал^{[1] [2][3]}.

Первые три части написаны им в доме Бенуа в Ленинграде (закончены в августе 1941 года, а с 8 сентября началась блокада Ленинграда).

Финал симфонии, завершенный в декабре 1941 года, композитор создал уже вКуйбышеве, где на сцене Театра оперы и балета она и была впервые исполнена 5 марта 1942 года оркестром Большого театра Союза СССР под управлениемС. А. Самосуда. Московская премьера (дирижёр С. А. Самосуд) состоялась 29 марта 1942 года.

9 августа 1942 года произведение прозвучало в блокадном Ленинграде. Дирижёром оркестра Ленинградского радиокомитетабыл Карл Ильич Элиасберг.

Исполнял симфонию Большой симфонический Оркестр Ленинградского радиокомитета. В дни блокады некоторые музыканты умерли от голода. Репетиции были свёрнуты в декабре. Когда в марте они возобновились, играть могли лишь 15 ослабевших музыкантов. Несмотря на это, концерты начались уже в апреле.

В мае самолёт доставил в осажденный город партитуру симфонии. Для восполнения численности оркестра недостающие музыканты были присланы с фронта.

Исполнению придавалось исключительное значение. Несмотря на бомбы и авиаудары, в филармонии были зажжены все люстры.

Виктор Козлов, кларнетист:

Зал филармонии был полон. Публика была самой разнообразной. На концерт пришли моряки, вооруженные пехотинцы, одетые в фуфайки бойцы ПВО, исхудавшие завсегдатаи филармонии. Исполнение симфонии длилось 80 минут. Всё это время орудия врага безмолвствовали: артиллеристы, защищавшие город, получили приказ командующего Ленинградским фронтом Л. А. Говорова — во что бы то ни стало подавлять огонь немецких орудий. Операция огневого подавления вражеских батарей называлась «Шквал».

Новое произведение Шостаковича потрясло слушателей: многие из них плакали, не скрывая слёз. Великая музыка сумела выразить то, что объединяло людей в то трудное время: веру в победу, жертвенность, безграничную любовь к своему городу и стране.

Во время исполнения симфония транслировалась по радио, а также по громкоговорителям городской сети. Её слышали не только жители города, но и осаждавшие Ленинград немецкие войска. Много позже, двое туристов из ГДР, разыскавшие Элиасберга, признались ему:

Истории исполнения симфонии посвящён фильм Ленинградская симфония.

Л. А. Русов. Ленинградская Симфония. Дирижирует Е. А. Мравинский. 1980. Холст, масло. Частное собрание, Россия

Среди выдающихся дирижёров-интерпретаторов, осуществивших записи Седьмой симфонии, — Пааво Берглунд, Леонард Бернстайн, Кирилл Кондрашин,Леопольд Стоковский, Евгений Мравинский, Геннадий Рождественский, Евгений Светланов, Юрий Темирканов, Артуро Тосканини, Бернард Хайтинк, Карл Элиасберг, Марис Янсонс, Неэме Ярви.

Начиная с исполнения в блокадном Ленинграде, симфония имела для советской и российской власти огромное агитационно-политическое значение. 21 августа 2008 года фрагмент первой части симфонии был исполнен в разрушенном грузинскими войсками южноосетинском городе Цхинвале оркестром Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева. Прямая трансляция показана по российским каналам «Россия», «Культура» и «Вести», англоязычному каналу Russia Today, а также транслировалась в эфире радиостанций «Вести ФМ» и «Культура». На ступенях разрушенного в результате артобстрела здания парламента симфония была призвана подчеркнуть параллель между грузино-южноосетинским конфликтом и Великой Отечественной войной.

В анимационном сериале «Меланхолия Харухи Судзумии», в серии «День Стрельца», используются фрагменты Ленинградской симфонии. Впоследствии, на концерте «Suzumiya Haruhi no Gensou» Токийским государственным оркестромисполнялась первая часть симфонии.

На музыку 1-й части симфонии был поставлен балет «Ленинградская симфония», получивший широкую известность^[6].

Поздние симфонии Шостаковича Когда страна готовилась отмечать пятидесятилетие первой ре­волюции 1905 года, у Шостаковича возник замысел Одиннад­цатой симфонии. Но завершилась работа только в 1956 году. Симфония с большим успехом была исполнена 30 октября 1957 года в Москве и 3 ноября в Ленинграде Государственным симфоничес­ким оркестром под управлением Н. Г. Рахлина и вскоре зазвучала во многих других городах. Ее появлению сопутствовала дискуссия в Союзе композиторов и прессе, что уже стало традицией. Как всегда, звучали критические выступления, но они полностью тонули в море восторженных высказываний. Выдающееся произведение великого мастера было оценено по достоинству. В апреле 1958 года за Один­надцатую симфонию Шостакович удостоен Ленинской премии.

Однако за рубежом интерес к симфонии именно вследствие ее революционной тематики был поначалу невелик. Исключение со­ставил Л. Стоковский, который исполнил произведение во время своих гастролей в СССР, а затем уже летом 1958 года в Америке. Дальнейшее распространение симфонии было стремительным и успешным. В Японии на гигантском стадионе Ясуси Акутагава про­дирижировал Одиннадцатой симфонией и «Песней о лесах» в ис­полнении оркестра и самодеятельного хора в две тысячи певцов.

Одиннадцатая симфония условно открывает собой поздний пе­риод творчества Шостаковича, для которого типично обращение к объявленной программности, включая использование текста, цити­рование побочного, в том числе авторского материала из ранее на­писанных произведений, стремление к синтезу принципов автоном­ных сфер композиторской деятельности — симфонической, инст­рументальной, вокальной, киномузыки. В симфонической и инст­рументальной драматургии — движение в сторону слияния частей в единой контрастно-составной композиции — моноцикле, стрем­ление к обобщению накопленных всей предшествующей деятель­ностью творческих принципов и приемов. Вместе с тем это было и движение в русле усвоения новых тенденций, характерных для про­никающих с Запада авангардных творческих устремлений. Симфония № 12 ре минор, Op.112 (с подзаголовком "1917-й год") - симфония Дмитрия Шостаковича созданная в 1961 году. Посвящена памяти Владимира Ленина. Симфония была впервые исполнена в октябре Ленинградским филармоническим оркестром под управлением Евгения Мравинского. Это была последняя премьера симфонии Шостаковича, которой дирижировал Мравинский.

Симфония, написанная для среднего оркестра, длится приблизительно 40 минут и делится на четыре части:

1. Революционный Петроград. Moderato. Allegro

2. Разлив. Allegro. Adagio

3. "Аврора". Allegro

4. Заря Человечества. Allegro. Allegretto

Двенадцатая симфония была хорошо принята в Советском Союзе, хотя и более прохладно, чем предыдущая. Хотя Одиннадцатая симфония была довольно тепло встречена на Западе отчасти из-за предположительного намека на венгерские события 1956 года, Двенадцатая симфония рассматривалась как прокоммунистическая, что привело к плохому приему. Симфония № 13 «Бабий Яр» си-бемоль минор op.113 — симфония Дмитрия Дмитриевича Шостаковича для солиста (баса),хора басов и оркестра на стихи Е. А. Евтушенко.

Работу над симфонией Дмитрий Дмитриевич начал ещё в марте 1962 года. Основой текста стали пять стихотворений советскогопоэта Е. А. Евтушенко: «Бабий Яр», «Юмор», «В магазине», «Страхи», «Карьера». Первым о начале работ узнал сам поэт:

Выбранное в качестве первой части стихотворение «Бабий Яр»^[2] после написания стало предметом многих дискуссий и споров. Автора обвинили в отсутствии патриотизма и одностороннем освещении темы — в тексте не были упомянуты жертвы нееврейской национальности. Этот факт, однако, не остановил Шостаковича… Тем самым он взял на себя ответственность за возможные последствия выбора… Стихотворение «Страхи» Евтушенко написал специально для симфонии.

Первоначально Дмитрий Дмитриевич не был уверен в выборе жанра:

Закончив сочинение симфонии, Шостакович сыграл и спел её Евтушенко. Уже тогда у композитора болела рука, поэтому игра на рояле давалась ему с трудом. Вот как Евгений Александрович вспоминает их встречу:

Во второй раз симфония была исполнена в Минске в марте 1963 года^[5].

Iч. Бабий Яр IIч. Юмор IIIч. В магазине IVч. Страхи Vч. Карьер

Симфония № 14, Op.135, - симфония Дмитрия Шостаковича завершенная весной 1969 года и впервые исполненная в том же году. Это мрачная работа для сопрано, баса и малого струнного оркестра с ударными, состоящая из одиннадцати связанных поэм четырех авторов. Большинство стихов связаны с темой смерти, особенно несправедливой или преждевременной. Поэмы звучат по-русски, хотя две другие версии существуют с текстами переведенными с русского либо на их первоначальные языки, либо на немецкий язык. Симфония посвящена Бенджамену Бриттену (который организовал премьеру в Великобритании в следующем году).

Симфония состоит из 11 частей:

1. I. De profundis/Де профундис/ — Adagio (Федерико Гарсиа Лорка, перевод И. Тыняновой)

2. II. Malagueña/Малагенья/ — Allegretto. Attacca (Федерико Гарсиа Лорка, перевод А. Гелескула)

3. III. Loreley/Лорелея/ — Allegro molto — Adagio — a tempo. Attacca (Гийом Аполлинер, перевод М. Кудинова)

4. IV. Le Suicidé/Самоубийца/ — Adagio (Гийом Аполлинер, перевод М. Кудинова)

5. V. Les Attentives/Начеку/ — Allegretto — Adagio — Allegretto. Attacca (Гийом Аполлинер, перевод М. Кудинова)

6. VI. Madame/Мадам, посмотрите!/ — Adagio. Attacca (Гийом Аполлинер, перевод М. Кудинова)

7. VII. À la Santé/В тюрьме Сантэ/ — Adagio (Гийом Аполлинер, перевод М. Кудинова)

8. VIII. Réponse des Cosaques Zaporogues au Sultan de Constantinople/Ответ запорожских казаков константинопольскому султану/ — Allegro. Attacca (Гийом Аполлинер, перевод М. Кудинова)

9. IX. О Дельвиг, Дельвиг! — Basse (Вильгельм Кюхельбекер)

10. X. Der Tod des Dichters/Смерть поэта/ — largo. Attacca (Райнер Мария Рильке, перевод Т. Сильман)

11. XI. Schlußstück/Заключение/ — Moderato (Райнер Мария Рильке, перевод Т. Сильман)

Помимо солистов, симфония написана для оркестра, состоящего из струнных и ударных. Струнные включают в себя десять скрипок, четыре альта, три виолончели и два контрабаса. Ударные включают в себя деревянную коробочку, кастаньеты, хлопушку, том-томы, ксилофон, колокола, вибрафон и челесту.

Симфония была впервые исполнена в Ленинграде 29 сентября 1969 г. Московским камерным оркестром под управлениемРудольфа Баршая. Четыре солиста принимали участие в презентации работы: сопрано Галина Вишневская и Маргарита Мирошникова, и басы Марк Решетин и Евгений Владимиров.

Четырнадцатая симфония была творческим ответом на произведение Модеста Мусоргского "Песни и пляски смерти". Цикл Мусоргского содержит только четыре песни. Шостакович для своего произведения выбрал 11 стихотворений: Гарсиа Лорки, Аполлинера, Кюхельбекера и Рильке. В вокальном цикле Мусоргского Шостакович видел способ выступить против смерти, и в его симфонии, он попытался расширить этот протест еще больше. Симфония № 15 ля мажор, Op. 141 - симфония Дмитрия Шостаковича, написанная в срок чуть более месяца, в течение лета 1971 г. в поселке Репино. Впервые исполнена в Москве 8 января 1972 года Большим симфоническим оркестром Центрального телевидения и Всесоюзного радио под управлением Максима Шостаковича.

Симфония состоит из четырех частей (две средние играют без перерыва) общей продолжительностью около 45 минут:

1. Allegretto

2. Adagio - Largo (attacca)

3. Allegretto

4. Adagio - Allegretto

В музыкальную ткань этой симфонии органично включены цитаты из оперы «Вильгельм Тель» Дж. Россини и «Кольцо Нибелунгов» Р. Вагнера (так называемая «тема судьбы»). Присутствуют намеки на музыку Михаила Глинки и Густава Малера. Также музыкальный материал в определенной степени перекликается с его предыдущими симфониями (начало симфонии № 1, Ритм «темы нашествия» в симфонии № 7).

Премьера в США состоялась в 1972 году, дирижер Юджин Орманди. Симфония имела успех у публики. Например, режиссёрДэвид Линч под звуки этой симфонии написал сценарий культового фильма «Синий бархат» (1986).^[1]

24 прелюдии и фуги24 Прелюдии и фуги соч. 87, цикл прелюдий и фуг, написанный Дмитрием Шостаковичем в короткий срок — с октября 1950 по март 1951 года.Шостакович задумал цикл по образу ХТК И. Баха. Толчком к написанию послужила поездка Дмитрия Дмитриевича в Лейпциг на торжества, посвящённые 200-летию со дня смерти И. Баха, а также в качестве почётного члена жюри международного конкурса пианистов, в котором принимала участие первая исполнительница цикла прелюдий и фуг Татьяна Николаева.Цикл в целом представляет собой драматическое произведение с развёрнутым сюжетом.Премьера, исполненная Т. Николаевой, которой и был посвящён цикл, состоялась в Ленинграде 23 декабря 1952 года. спустя более чем двести лет после Баха, на свет появился новый сборник фуг и прелюдий, написанных во всех минорных и мажорных тональностях. Этот сборник потрясает огромным мастерством и богатством содержания. У Баха есть 48 фуг и прелюдий в обоих томах «Хорошо темперированного клавира». Это значит, что у него каждая тональность появляется дважды. У Шостаковича же в двух томах 24 фуги и прелюдии. К тому же, в отличие от Баховских, у Шостаковича фуги и прелюдии расположены по квинтовому кругу (то есть с параллельными тональностями), а не в хроматическом порядке. Первую пару пьес Шостакович написал в до мажоре, вторую - в ля миноре, третью - в соль мажоре, четвертую- в ми миноре и т. д.

Современные, вообще характерные для творчества Шостаковича, образы заключены в его прелюдиях и фугах в полифоническую форму, выработанную еще в XVII-XVIII веках. Обращение к старинным средствам развития и формам дало многим пьесам в сборнике особенную величавость и строгость. И одновременно, фуги и прелюдии чрезвычайно контрастны, разнообразны, как и большинство других произведений Шостаковича, с которыми они тесно соединены.

Вокальные циклы шостаковича «из еврейской народной поэзии» Работа нац циклом шла очень активно.Рукопись датируется октябрем 1948 года. Разумеется, об исполнении нечего было и думать. Музыка на несколько лет «легла в стол»; ее премьера состоялась лишь 15 января 1955 года. «Из еврейской народной поэзии» (ор. 79) — не романсы, не песни в обычном понимании. Одиннадцать номеров цикла это живые драматические сценки в традициях Мусоргского. Шостакович не пользовался фольклорными источниками, однако музыка пронизана характерными еврейскими интонациями, как собственно вокальными, так и речевыми.

Цикл делится на две неравные части: восемь номеров используют тексты, посвященные дореволюционному быту, последние три — «счастливой свободной жизни в советской стране». Соответственно меняется и музыкальный язык: в первой части преобладают выразительные, часто опирающиеся на еврейский фольклор речитативные интонации, тогда как во второй звучат нарочито оптимистичные мелодии, близкие массовым песням.

Цикл открывается «Плачем об умершем младенце» — скорбным диалогом двух женщин, основанном на выразительной интонации стона. №2, «Заботливые мама и тетя» — песня-прибаутка, отличающаяся мягким юмором и несколько осветляющая колорит «Колыбельная» (№3) снова трагична. Это монолог матери, вырастающий из интонации баюкания, но постепенно переходящий в речитативно-декламационный. №6, «Брошенный отец», — душераздирающая сцена, в которой интонациям отца, полным отчаяния, противопоставлены презрительные бездушные ответы дочери. Завершается она монотонным, полным безнадежности повторением одного и того же мотива («Вернись ко мне...»). №7, «Песня о нужде», парадоксально воплощенная в хмельной плясовой, заставляющей вспомнить Мусоргского, приводит к кульминации цикла. Это №8, «Зима», — терцет, приближающийся к оперному ансамблю по силе выражения, подводящий итог трагического раздела цикла.

Цикл романсов на стихи Марины Цветаевой написан Шостаковичем летом 1973 года. В июне композитор побывал в США. Там, в Эванстоне, на берегу озера Мичиган неподалеку от Чикаго, расположен Северо-Западный университет, в котором Шостаковичу торжественно вручили почетный диплом доктора изящных искусств. На обратном пути он побывал в Вашингтоне, где ему было сделано полное медицинское обследование. Результаты были неутешительны и ни в чем не расходились с выводами отечественной медицины: болезнь Шостаковича неизлечима, конец — только вопрос времени.

В Европу композитор возвращался на лайнере «Куин Элизабет». Из Лондона в тот же день отправился самолетом домой. После утомительного путешествия июль провел на подмосковной даче, а в августе поехал в Эстонию, в курортное местечко Пярну. Там и был создан цикл романсов на стихи Марины Цветаевой (1892—1941), великой и трагической русской поэтессы, в котором композитор отдал дань другой трагической и гениальной личности — Анне Ахматовой.

Для нового сочинения были выбраны стихи разных лет. Первому, «Моим стихам, написанным так рано, что и не знала я, что я — поэт» (май 1913), композитор дал свое название — «Мои стихи». Следующие — «Откуда такая нежность» (18 февраля 1916) и «Диалог Гамлета с совестью» (5 июня 1923) — остались с авторскими названиями. Стихотворение «Поэт и царь» (19 июля 1931) Шостакович разделил на два, сочинив №4, «Поэт и царь» и №5, «Нет, бил барабан». Стихотворение «Анне Ахматовой» (11 февраля 1915) завершило цикл. 27 декабря того же года в Малом зале Московской консерватории состоялась премьера произведения, определенного как «Шесть стихотворений для контральто и фортепиано, ор. 143» (Шостакович не любил определения «цикл» и никогда не давал его). Исполняла новое сочинение по просьбе автора ленинградская певица — меццо-сопрано Ирина Богачева, оставшаяся его лучшей исполнительницей. А буквально через несколько дней, в начале следующего, 1974 года, в любимом Доме творчества «Репино» был сделан вариант ор. 143а — для голоса и камерного оркестра.Один из любимых учеников и верных друзей Шостаковича композитор Юрий Левитин после премьеры сочинения писал: «От первой и до последней ноты автор держит публику в постоянном напряжении, силой своего таланта, могучей авторской волей ведя слушателей по неизведанным дорогам, лишь ему одному известным... В сюите шесть частей... и по содержанию и по форме довольно далеких друг от друга, но музыка объединяет их, производит впечатление необычайной цельности. Каждая часть начинается с яркой темы, которая потом развивается, видоизменяется, но все время присутствует, создавая напряжение и придавая законченность музыкальному образу. В первой — «Мои стихи» — это певучий, необыкновенно выразительный четырехтакт из неповторяющихся нот, в дальнейшем достигающий большой драматической силы. Во второй части таких тем две. Одна из них — повторяющаяся тихая фраза «Откуда такая нежность?». Третья часть — «Диалог Гамлета с совестью» — начинается и заканчивается скорбными аккордами хорального склада. Последующие разделы сюиты — «Поэт и царь» и «Нет, бил барабан...» — исполняются без перерыва, как бы дополняя друг друга... И, наконец, шестая часть — «Анне Ахматовой»; вдохновенное посвящение выдающейся русской поэтессе...»

Пушкинский венок В июне 1979 года, когда отмечалось 180-летие со дня рождения А. С. Пушкина, было впервые исполнено новое сочинение Свиридова «Пушкинский венок» - концерт для хора. Это десять номеров, составляющих единое целое. Десять стихотворений, на которые написаны хоры, по содержанию не связаны между собой – единым целым их делает музыка, возвышенная по настроению и одновременно конкретная в своей образности, а подчас и картинности.В на­звании произведения отразилась, но всей видимости, и композицион­ная идея концерта. «Родственные по смыслу и настроению хоры не стоят рядом, а, соприкасаясь, друг с другом на расстоянии, образуют «венок» сложной композиционной цепи» - (отметил композитор А. Николаев). Действительно, «Пушкинский венок» чрезвычайно многоцветен и по жанрам, и но темам, и по образности своей. В равной степени и музыкальное воплощение стихов отличается поразительным для миниатюр разнообразием форм, лада, гармонии, типов мелодики, приемов хорового письма.В оп­ределении его жанра угадывается желание композитора зафиксиро­вать эту цельность, значительность: не «цикл», не «хоры», а «концерт». И в самом деле, одно из первых и главных впечатлений, воз­никающих после прослушивания «Пушкинского венка», состоит в том, что в нем заключена пушкинская философия жизни. Его назначение — увен­чать главу мудреца, проникшего в тайну жизни, тайну отношения человека к миру, к другому человеку и человека к самому себе0

1. Зимнее утро02. Колечушко, сердечушко03. Мери04. Эхо05. Греческий пир06. Камфара и мускус07. Зорю бьют08. Наташа09. Восстань, боязливый10. Стрекотунья, белобока

Дата добавления: 2015-11-04