Афиша новгородских музеев и выставочных залов в октябре походила на калейдоскоп, где с небывалой скоростью менялись экспозиции: юбилейные выставки новгородских мэтров соседствовали или сменялись

Музейный октябрь

Афиша новгородских музеев и выставочных залов в октябре походила на калейдоскоп, где с небывалой скоростью менялись экспозиции: юбилейные выставки новгородских мэтров соседствовали или сменялись коллекциями маститых и молодых петербургских художников живописцев, графиков и мастеров декоративно-прикладного искусства.

Одним словом, у тех, кто одолел лень и вырвался из пучины текущих дел был шанс открыть для себя много нового о современном художественном процессе.

Новгородский музей-заповедник представил ретроспективную выставку Анатолия Ивановича Завьялова. Удивительный Мастер, обладающий свободной силой и музыкальностью, явил вниманию публики живописные, графические работы и коллажи. На первый взгляд, те произведения Анатолия Ивановича, что мы увидели на выставке, рождаются и живут в двух системах. Первая из них раскрывает опыты структурирования композиции, они полны ритма и заряжены энергией синтеза музыки и живописи «Танец», «Музыка», «Концерт»; вторая - это экспрессивная, открытая и свободная эмоциональная живопись, она сохраняет непринуждённость экспромта и силу первого впечатления «Дорога в лесу», «Праздничный день», «Сон». Однако обе системы содержат больше общих черт, чем разделяющих признаков, их объединяет страстное желание художника выразить некую материальную квинтэссенцию музыки, перевести на язык пластических средств гармонию. Изобразить мелодию, ритм, тон, сделать звук осязаемым, согласитесь, сложнейшая задача для живописца.

Особенным является и то, что в некоторых работах (живописных и графических) художник нашел форму, которая позволила уместить абстрактность музыки в пластический образ, не покидающий рамки фигуративности. Каждая картина художника – это маленькая пьеса о жизни: «Портрет матери», «Амстердам», «Париж» - произведения, имеющие разную пластическую структуру, написанные в разные годы, тем не менее, соединяются вполне различимыми нитями развития личности художника, где события, воспринятые чутким сердцем, переплавляется на листах и холстах в удивительно яркие явления, настроения, сюжеты.

Источник такой свободы и творческого долголетия, очевидно, кроется в широте натуры мастера, который имеет прекрасные манеры и тонкий вкус владеет четырьмя языками, прекрасного музыканта, влюблённого в литературу в целом и слово вообще.

Сегодня музей заповедник представляет ещё одну замечательную и редкую по содержанию коллекции выставку «Сиянье нежное стекла…» к юбилею художника Евгении Вихровой. (Ок. 20 композиций из стекла, а также около 50 акварелей и рисунков).

Музей художественной культуры Новгородской земли как никогда порадовал в октябре целым каскадом «открытий». Все они, так или иначе, связаны с нашим аристократическим и просвещённым северным соседом Санкт- Петербургом и имеют столичный экспозиционный и содержательный уровень. Кроме этого объединяющими являются и многие важные вопросы, которые решали и продолжают решать профессиональные художники. Итак, МХКНЗ представляет три, как теперь принято говорить музейных проекта "М.В. Добужинский "Старая Литва", Международная выставка искусства эмали "Искусство, рожденное огнем" и «Павел Еськов и Андрей Селенин. "Живопись". Галерея "12" из Санкт-Петербурга»

ОТКРЫТИЕ I. Хотя первое, исключительное открытие нам подарила Литва, в лице Литовского Фонда (США), который привез коллекцию графики Мстислава Валерьяновича Добужинского (1875–1957) в наш город, но история жизни и творчества художника тесно связана также и с Новгородом и с городом на Неве.

Мстислав Валерианович Добужинский – живописец, график, художник театра, литератор родился в Новгороде 2 (14) августа 1875 г. Его мать была дочерью Тимофея Софийского, служившего в церкви Михаила Архангела на Прусской улице, рядом с которой находился дом священника, а отец принадлежал к старинному дворянскому литовскому роду. Как художник Добужинский сформировался в Петербурге в знаменитом объединении “Мир искусства”, которое возникло в конце 1890-х. (основателями объединения стали художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев, ядро объединения составили выпускники гимназии К. И. Мая).

Удивительно, но характерные особенности и специфика творческого метода участников этого объединения (Л. С. Бакст, Н. К. Рерих, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, Д. И. Митрохин, А. П. Остроумова-Лебедева, А. Е. Яковлев, К. А. Сомов, Я.Ф. Ционглинский, В. Пурвит) и по сей день, во многом определяют черты так называемой «ленинградской художественной школы» …

Отличительная особенность работ, представленных на выставке состоит, пожалуй, не столько в ретроспективном характере материала, а скорее в присущей тому времени высочайшей культуре владения техникой («нехитрыми» графическими материалами) и особая избирательность в использовании художественных средств. В этом качестве кроется секрет «немногословной» виртуозности М.В. Добужинского, который не только проводит нас по старинным усадьбам и улочкам Литвы, но и приглашает в путешествие по уголкам сознания художника, нашедшего в этой древней тишине приют от революционных бурь и погрузившегося в созерцание, которое и располагает и завораживает.

Его «рассказ» подчёркнуто лаконичен: угол дома, поворот дороги, открытая калитка - круг не хитрых и не зрелищных, т.е лишённых внешних эффектов сюжетов, тем не менее заставляет сосредоточиться на главном – рукотворности изображенного, простоте сюжета жизни и смерти. Обязательный карандашный рисунок, спрятанный художником в тёмные лёгкие барашки и тучные линии туши раскрывает содержание обманчивой легкости рисунка, вводит дополнительный смысловой контекст в содержание каждой композиции…

ОТКРЫТИЕ II. Международная выставка искусства эмали "Искусство, рожденное огнем" стала своеобразным продолжением первого бьеннале Эмали «Образы белых ночей», которое проходило летом 2010 года в Санкт-Петербурге. Новгородцам посчастливилось увидеть произведения современного прикладного искусства высокого класса. Здесь особенно остро ощущается, что в профессиональном искусстве не бывает мелочей и всякая случайность закономерна. Без преувеличения можно сказать, что каждая работа от поверхности до обрамления тщательно продумана и решена художником на высочайшем профессиональном уровне.

Слово «эмали» рождают в нашей памяти богато украшенную царскую посуду, драгоценные оклады церковных книг. Авторские произведения с художественными эмалями всегда занимали особое место среди многообразия предметов ювелирного искусства. А эмальеры являлись особой кастой избранных, в которой секреты мастерства строго хранились и передавались из поколения в поколение. Процесс создания изделий с цветными эмалями невероятно кропотлив и сложен. Даже зрелому мастеру порою требуется проделать не один десяток экспериментов, прежде чем удастся получить нужный оттенок эмали. Каждый эмальер должен быть не только художником, но и великолепным технологом. Часто произведение с эмалями (Эмаль - тонкое стекловидное покрытие, получаемое высокотемпературной обработкой.В художественной керамике эмалями иногда называют непрозрачные (глухие), обычно белые, блестящие глазури за их свойство перекрывать цвет керамического черепка) из-за каких-то технологических ошибок «гибнет» на самой последней стадии его изготовления. Именно поэтому даже в дни наивысшего расцвета русской художественной эмали настоящие произведения искусства были большой редкостью и, как правило, являлись достоянием узкого круга истинных ценителей и знатоков. Во все времена эмали были дороги и ценились на уровне картин и драгоценных камней, с которыми спорили по цвету, прозрачности и блеску. Несмотря на кажущуюся хрупкость, эмалевые произведения, прошедшие высокотемпературный обжиг в муфельной печи, веками сохраняют богатую палитру и яркость красок.

Как нам показала выставка, сегодня эмаль быстро осваивает новые возможности, она не только использует широкий спектр материалов и их сочетаний, но и апеллирует разными стилевыми основами, что предполагает многообразие художественных открытий в области станкового и монументального искусства.

Представленные на выставке произведения исполнены в структуре двух основных жанров эмали – это арт-объект (О.Лысенкова «Поэт на Пегасе») и эмальерная живопись (О.Зуева «Осенний этюд»). И в том и в другом жанре общим и определяющим для концепции предмета является индивидуальность художника, который выбирает определённую питательную среду, из которой рождается стилистика и структура художественного образа. Практически всегда источник вдохновения тесно связан с живописью. Нередко сама тема определяется живописной концепцией или личностью какого-то художника (Г.Лиховид «Синий стул Пикассо – II», Г. Лиховид «Сон. Белая Ночь»). Источником вдохновения для современных эмальеров служит весь диапазон культуры или, вернее сказать, культур от иконы, лубочной графики, изразцов и т.д. до восточных орнаментов и сюжетов китайской, японской, иранской живописи и т.д. Причём, иногда различные источники могут быть востребованы в творчестве одного художника (С.Пономаренко «Странствия во времени», «Лошадка», «Карфаген III» и др.), или даже вплетаться в канву одного произведения (А.Талащук «Ковчег»).

Эта особенность современного искусства (не только эмали) является для творца большим стимулом и значительным потенциалом, но одновременно содержит серьёзную опасность, увлечься игрой в чужие мысли приёмы и сюжеты и потерять себя. В этом контексте работа Лилии Лиховид «Alma mater» читается, как своеобразный символ дуализма современного художественного процесса и предостережение: яблоко, спелое яблоко на фоне трансформирующегося здания, в силуэте которого угадывается «Академия декоративно-прикладного искусства им. Штиглица» – образ обязательного искушения образованием, т.е. знанием, громким именем, состоявшимся мастером. Искушение, которое легче всего избежать, но труднее всего преодолеть и вырастить собственную неповторимую веточку на дереве искусства…

ОТКРЫТИЕ III. Петербургская «Галерея 12» представила коллекцию работ Павла Еськова и Андрей Селенина воспитанников Института живописи скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина. «Павел Еськов и Андрей Селенин – участники многих престижных выставок в различных городах мира: Пекин, Далян, Шанхай, Мюнхен, Хельсинки, Лондон и многих других. Художники уже заявили о себе, как авторы современной реалистической живописи со своим узнаваемым стилем, с серьезным и ответственным отношением к творчеству...» - читаем мы в буклете. Справедливости ради должно отметить, что выставка вызвала живейший отклик у посетителей, которых очаровала смелость и сила живописных приёмов А.Селенина и верность реалистическим традициям, которая прослеживается в творчестве П.Еськова. К сожалению, я не могу разделить восторг публики и порадоваться смелости, восторгу, силе и уж тем более поратовать в данном случае за сохранение традиций русской живописной школы.

Ситуация «дежавю» (фр. déjà vu — уже виденное) в данном случае не относилась к «прошлому вообще», а связывается с определённым моментом прошлого, именно с выставкой Академии Глазунова, почерк другой - проблемы те же, словом, второе пришествие представителей, так называемого, «нацсалона» в Великий Новгород.

Самое грозное предостережение для художника звучит так: «Нет ничего опаснее таланта без мастерства и мастерства без таланта». Но уже не одно столетие существует явление, которое подчас характеризуется и наличием таланта (или хотя бы одарённости) и редко обходится без мастерства – это салон и его различные формы, например, такие как национальный салон. Эта абсолютно «культурная» плесень вырастает преимущественно на почве сильнейших образовательных учреждений, т.к. её жизнь невозможна без традиций и мастерства. К сожалению, этот «рыночный» и весьма соблазнительный путь выбирают люди одарённые, способные воспроизводить, интерпретировать, реже импровизировать на творчестве известных художников.

Нацсалон также имеет широкий диапазон воплощений: от парадных портретов «сильных мира сего» и их «дам», «берёзок», «бабушек», «барышень» до сюжетов, написанных «в духе», а нередко и «в композициях» А.Е.Архипова, К.А. Коровина, Ф. А.Малявина, Н.И.Фешина и других замечательных мастеров. Такие «красивые» картинки, призванные украшать интерьеры, составляют обширную сферу современной художественной деятельности (вне искусства) и служат для многих «художников», в том числе молодых, главной формой заработка. Для такого рода искусства требуются некоторые профессиональные качества - чувство композиции и т.п., но овладевать подлинным профессионализмом, техникой старых мастеров и пр. совершенно необязательно. В отличие от «старого» салона, отлично владевшего профессиональным ремеслом, для современного салона главное - умение владеть не кистью, а фотоаппаратом и компьютером. Технические возможности современной аппаратуры позволяют не только остановить мгновение, и воспроизводить подобие акварели, гравюры, масляной живописи на холсте (как наш старый знакомый М.Сатаров). К большому сожалению, количество таких имитаций и имитаторов растёт год от года и, чтобы разобраться в произведении, нужен значительный зрительный и чувственный опыт восприятия искусства. Уменьшить количество подобного продукта в состоянии требовательный взыскательный зритель и покупатель и, конечно, сама профессиональная среда, которая не должна поощрять подобную деятельность…

«Выучка есть, может, разовьются…», - сказал один мой замечательный друг, а другой сказал: «Оттуда не возвращаются». Хочется верить в первое, но больше склоняюсь ко второму варианту развития событий…

А может все-таки разовьются? А вслед за ними и мы будем развиваться: смотреть и размышлять, смотреть на живопись и на жизнь собственными глазами, думать собственными головами принимать решения, не бояться быть собой и брать на себя ответственность, ведь искусство, как и жизнь - это путь в будущее, которое начинается в настоящем.

Светлана Акифьева

Дата добавления: 2015-08-28