Режиссер-постановщик Семён Спивак

Анализ спектакля Молодежного театра на Фонтанке

«Жаворонок»

Режиссер-постановщик Семён Спивак

Работа по предмету

анализ пьесы и спектакля

студентки II курса

продюсерского факультета

Александровой А. Е.

Преподаватель:

Бойкова И. И.

Санкт-Петербург

«О Жанне д’Арк мы знаем больше, чем о ком-либо

другом из её современников, и в то же время трудно найти

среди людей XVвека другого человека, чей образ

представлялся бы потомкам таким загадочным».

Франция. 1412 год. Уже почти сто лет государство охвачено войной. Англия буквально раздирает Францию на части. Денег в казне нет, как нет и сильного правителя, короля, способного вернуть Франции её былую славу.

В этот год рождается Жанна д’Арк. «В ночь на Рождество, когда народы имеют обыкновение в великом блаженстве чтить труды Христовы, вошла она в мир смертный. И петухи, словно провозвестники новой радости, кричали тогда необыкновенным криком. Видели, как они на протяжении более чем двух часов хлопали крыльями, предсказывая то, что суждено было этой малютке». Так писал Персеваль де Буленвилье, советник и камергер короля Карла VII. Однако это описание только легенда, в действительности же, рождение Жанны не оставило ни малейшего следа в памяти односельчан.

Зато её жизнь, такая короткая, но такая необычная, стала не только одной из самых ярких страниц в истории Франции, но и вдохновила множество художников на создание произведений литературы и искусства.

Итак, Россия, Санкт-Петербург. Год 2012. Спустя 600 лет после рождения Жанны д’Арк её образ продолжает будоражить мысли и чувства наших современников. Семён Яковлевич Спивак, художественный руководитель Молодежного театра на Фонтанке, оживил эту историю, обратившись к пьесе известного французского драматурга Жана Ануя «Жаворонок».

Третий звонок прозвенел, но свет ещё не погашен. На сцене появляется девушка, в простой робе из грубой ткани. Она садится на скамейку и внимательно смотрит на ещё гудящий зал, который под её взглядом затихает. Таким образом, с первых же секунд, нас вовлекают в прямой диалог с актерами, разрушая «четвертую стену». И как бы в подтверждение этого, буквально через пару минут сценического действия, мы ощущаем себя судьями или невольными свидетелями пресловутого процесса католической церкви над Жанной д’Арк.

Стоит отметить, что в пьесе Жана Ануя, на суде присутствует множество персонажей, исполняющих роль вершителей правосудия, тогда как в этом спектакле, эту роль приходится играть нам.

Итак, процесс над Жанной начался. Он будет проходить красной нитью через весь спектакль, прерываясь лишь для того, чтобы сама Жанна смогла поведать нам историю своей жизни, позволяя осуждать или оправдывать её, позволяя верить в её «голоса», либо считать это уловками хитрой девчонки. Пожалуй, именно этот приём, по-моему мнению, «работает» на главную идею спектакля – показать Жанну не легендарной героиней, но простой девочкой, подверженной страхам, отчаянию, сомнениям… По сути, обычной пастушкой, которая даже не веря в себя, тем не менее следовала своему, возможно, «почудившемуся» предназначению. Она прошла весь свой короткий путь, ни разу не изменив себе, оглядываясь, но идя вперед, сомневаясь, но веря. Семен Спивак, якобы «принижая» свою героиню, лишь возвышает её поступки, поскольку пройти то, что прошла эта девочка, превозмогая свою неуверенность и страх, это и есть настоящий подвиг. Благодаря этому приёму, каждый зритель может «примерить» Жанну на себя. Она не стоит на сцене в сияющих доспехах, а плачет, умоляет, страдает, потому что ей страшно, действительно страшно. Как написал критик Андреев: «Молодежный театр рассказывает о человеке, сохранившем своё лицо, о явлении, непривычном в наше время, но единственно имеющем значение». И действительно, сидишь в зале и думаешь: «А смог бы я?»

Ещё более глубокому эмоциональному восприятию спектакля помогает музыка. В первом акте, музыкальное оформление вызывало у меня постоянный вопрос: «Чем вызван подбор столь разных, совершенно не связанных между собой композиций?» Они пробуждали во мне необходимые эмоции, рождали нужные образы, но вопрос оставался. Только во втором акте, когда я стала понимать основную мысль спектакля, музыка стала для меня органичной. События действительно произошли во Франции, и это важная страница именно французской истории, но постановщику было важно, чтобы зритель не «зацикливался» на этом, и сюжет бы приобрел общечеловеческое и меж временное значение. Вот почему в спектакле звучит музыка Баха, Бреговича, Генделя, Моцарта, Матсуи, Коккианта… Такие разные произведения, они, тем не менее, служат одной цели.

Отдельно хотелось бы поговорить о декорациях. Они внешне очень просты и ненавязчивы, и кажутся почти «прозрачными». Длинные, свисающие прутья, деревянная скамья и полкрыла, как бы парящие над сценой, вот практически всё, что мы видим, войдя в зал. Ничего не говорит нам об эпохе Средневековья, не намекает о Франции и уж точно никак не отсылает к истории о Жанне д’Арк. Художник-сценограф – Эмиль Капелюш, подчиняясь единому режиссерскому замыслу спектакля, сознательно лишает свои декорации принадлежности к конкретному времени и данной стране. Они довольно абстрактны, лишены бытовых деталей, но очень образны, и эта образность позволяет в разных сценах по-разному обыгрывать одни и те же предметы. Например, свисающие прутья в самой первой картине, когда появляется Жанна и начинает бегать по сцене, с легкостью раскачивая их, могут символизировать те препятствия, которые ей предстоит преодолеть, тех людей, которых ей придется убедить. И получается у неё это без видимых усилий, как бы играючи. В сценах воспоминаний о детстве – это могут быть уходящие ввысь деревья, в любимой Жанной роще, в сцене встречи с королем, они больше похожи на колонны тронного зала. Но это лишь моё восприятие, и тем и хороши эти декорации – каждый зритель может увидеть что-то своё, по-разному их интерпретировать. Так же рождают много разнообразных ассоциаций, висящие над сценой полкрыла. Это и постоянное божественное присутствие во всей жизни Жанны, это и символ на её знаменах, а возможно и разделенность мира, ведь если есть белое крыло, значит где-то должно быть и черное, и чего больше в этой истории, решать самому зрителю.

Одной из самых важных и, пожалуй, самых интересных, с точки зрения символики, составляющих декорации, является колесо. Оно появляется в ключевых, поворотных моментах сюжета: уход Жанны из дома, «победа» над Бодрикуром, убеждение короля, и, конечно же, казнь Жанны. Эти моменты как бы ведут Жанну к финальной точке её жизни, к тому, ради чего она совершает все эти действия, ради чего она вообще появилась на свет. Я вижу это колесо как образ судьбы, некоего неотвратимого рока, который в конце ей же и придется нести. Семен Спивак ни в коем случае не делает её героем. Нет. Возможно, именно поэтому, мы не видим в финале креста, на который она всходит с гордо поднятой головой, не проронив ни слова. Она такой же простой человек, как и каждый из нас, её одолевают сомнения, она боится, но делает свой выбор. И тащит своё «колесо»…

В костюмах, созданных для этого спектакля, мы так же не видим ничего историчного. Всех персонажей спектакля мы можем разделить, разве что, по классовому признаку. Жанна, как я уже писала, в простой грубой робе, её отец, мать и брат, в очень скромных одеждах крестьян. Священники – в рясах, дамы при дворе в немного вычурных нарядах, а единственное, что «выдает» короля – его мантия, которую он то и дело пытается снять.

Вообще, об образе Карла VII, созданном тандемом «Барковский-Спивак», можно говорить часами. Он - само олицетворение Франции тех годов. Слабовольный, инфантильный, неспособный принимать на себя решения Карл, является одним из антиподов Жанны, которые встречаются в этом спектакле буквально на каждом шагу. Его игры в «бильбоке» и абсолютная не заинтересованность во всем, что касается дел государства, делают из него милого дурачка. Образ, который должен бы был вызывать неприязнь, становится одним из самых очаровательных в этом спектакля, благодаря безграничному обаянию самого актера. С самого первого своего появления на сцене, король начинает дурачиться, изображая из себя мальчика, и вести себя совершенно неподобающе своему статусу. Таким образом, наблюдая за сценами с Карлом, невольно задумываешься, как вообще такой человек может претендовать на трон. Артисту удается долгое время водить нас за нос, представляя своего персонажа идиотом, и тем сильнее и ошарашивающе звучат его реплики, сказанные как бы вскользь, выдавая в нем человека с тонким умом и пронзительным чувством реальности.

К о р о л е в а И о л а н т а. Вам следует бросить игру в бильбоке и не сидеть скособочившись на троне, Карл! Это не по-королевски!
К а р л. Да полноте. Если я промажу, шарик ударит меня по носу или по пальцам, - никому не больно, только мне. А вот если я возьму в правую руку шар, а в левую палку, сяду, как полагается на троне, и начну всерьез считать себя королем, то каждый раз, когда я совершу глупость или промах, шарик будет ударять по носу вас всех.

Эти последние слова он произносит глядя прямо на зал, в глаза каждому, а потом вновь одевает «маску», продолжая играть в свою глупую игру. И только с Жанной ему не приходится «держать лицо», потому что она не притворяется, она совершенно искренна и открыта, и действительно предана ему, в отличие от всего его окружения, которое, по его же словам, готово воткнуть в спину нож, при любой возможности.

Если Карл является её психологическим антиподом, то есть два персонажа, которые выступают её идейными, сюжетными антиподами – Граф Варвик и Кошон. Ведь главный стержень Жанны в том, что она умеет быть верной себе, не предавать себя и свою веру. А они, на протяжении всего процесса, пытаются заставить её сомневаться, убедить в том, что на самом деле не Бог говорил с ней, а Дьявол пытался использовать её в своих целях, и вынуждают её отречься от своих идей, а значит и от самой себя. С первого же появления на сцене, их одеяния, черное и белое, невольно наталкивают нас на ассоциацию с ангелом и демоном. Они используют хитрые уловки, а порой и сами верят в то, что говорят, но им никак не удается сломить маленькую девочку с искрой в глазах. Они пытаются погасить этот маленький огонёк, им не нужна сильная Жанна, им совсем не нужна эта казнь, ведь так она докажет, что она сильна, что её боятся, а значит правда за ней. Кошон называет добровольную казнь глупостью, хотя знает, что если её сожгут, это поставит под угрозу всю католическую церковь, а Варвик, в свою очередь, не хочет, чтобы она стала народной героиней, а осталась лишь сумасшедшей в глазах людей. И потрясающе точно в этих сценах играют актеры Роман Нечаев (Граф Варвик) и Сергей Гавлич (Кошон). Нечаев играет англичанина-романтика, которого внешне претит всяческое насилие, но, на самом деле, довольно жестокого и властного человека, для которого жизнь Жанны, если бы не возможный резонанс от её казни, не стоила бы ни гроша. А Сергей Гавлич играет милого старичка, в поведении которого никак не заподозришь его реальных мотивов. Он пытается стать как бы её отцом на время процесса. То он добр к ней и якобы защищает её, то кричит, заставляя раскаяться.

А вот кто даже не пытается прикрыть свою сущность, используя лицемерные уловки, так это герой Валерия Кухарешина – архиепископ. От одного взгляда, брошенного актером в зал, бегут мурашки. Вся его фигура как бы выточена из камня, он тверд и несгибаем, как и его взгляды. Он даже не пытается скрывать своё неприятие Жанны. Он - та самая сила, которая, подобно колесу, неотвратимо ведёт Жанну на костёр.

Отец и мать Жанны – Анатолий Артёмов и Елена Соловьева – создают прекрасный творческий дуэт. Их простые и незаурядные персонажи, тем не менее, являются очень важными в спектакле. Они – первое испытание Жанны, но, пожалуй, одно из самых трудных. Ей ещё не раз придется сталкиваться с непониманием, и её родные – первые, кто отвернется от неё, и тем самым, только приблизят финал этой истории.

Отвернется от неё и Лаир. «Мой Лаир», как она называет его. Человек, который, как ей казалось, действительно понимал её, который бился вместе с ней за её идеалы, не задавая вопросов. «Вы ученые, вы слишком много думаете. Поэтому самых простых вещей понять уже не можете, а ведь самый глупый из моих солдат это понимал. Верно, Лаир?» Он был для неё олицетворением простого солдата, ради которого и стоило сражаться. Вадим Волков показал нам именно такого человека: грубоватого «борова», по сути разбойника, который был с Жанной, пока она была сильна, но как только её схватили, он тут же отступил.

Королева Иоланта (Екатерина Дронова), молодая королева Мария (Надежда Рязанцева) и Агнесса (Александра Бражникова) – просто маски. Они – типичные дамы при дворе. Королева Иоланта – жаждущая власти, но прячущаяся в тени, она пытается управлять слабовольным Карлом. И Екатерина Дронова создает этот образ с поразительной точностью. Каждое её движение продумано, каждое слово вымерено, каждый взгляд бьёт точно в цель. Мария и Агнесса – лишь глупенькие девочки, которых не интересует ничего, кроме собственных шляпок. И, я считаю, что Рязанцева и Бражникова, сумели прекрасно войти в эти роли.

И, наконец, Жанна – центральный персонаж. Изначально эту роль репетировала актриса Ирина Полянская – актриса опытная и зрелая, но, возможно, как раз именно эту зрелость не хотел видеть режиссер. Он видел Жанну трепетной, угловатой, слегка «не от мира сего». И Семен Спивак смело доверил эту сложнейшую роль тогда ещё совсем юной актрисе, студентке последнего курса – Регине Щукиной. Она создала удивительный образ, который ещё долгое время после спектакля остается в памяти зрителей. По-детски трогательная, но немного грубоватая, неуверенная в себе, но при этом бесконечно сильная. Мудрые мысли звучат из её уст, с наивной непосредственность. «Не боятся только глупые люди, потому что ничего не могут себе заранее представить. Бог не требует от человека чего-то необыкновенного. Надо только довериться тому, что в тебе есть, поверить в ту маленькую частичку самого себя, которая и есть бог. Только чуть-чуть подняться над собой. А уж все остальное он берет на себя». И, не взирая, на очень сильный актерский ансамбль, когда все артисты существуют в яркой, игровой манере, создавая запоминающиеся образы и играя в спектакле с полной самоотдачей, Регине Щукиной, тем не менее, удаётся не просто не потеряться среди опытных артистов, но и стать той «изюминкой» спектакля, какой и полагается быть Жанне.

Пожалуй, Жанна единственная, кто, интуитивно проходя по сложнейшим лабиринтам человеческих отношений, умудряется не только выходить победительницей во всех ситуациях, но и не предать себя, свои «голоса» и свою правду. По сути, именно поэтому, она и является антиподом всех героев пьесы. Ведь каждый подстраивается под эту жизнь, изменяет своим убеждениям, ведет себя так, как выгодно, а не так, как ему хотелось бы.

Заканчивая анализ спектакля «Жаворонок», хотелось бы вернуться к тому, о чем я говорила в начале. Семён Спивак как бы повторяет нам, зрителям и судьям: «Если ты теряешь себя, ты теряешь всё» и это лейтмотив, проходящий через весь спектакль. Режиссер подводит нас к той точке, когда мы понимаем, что эта история не могла закончиться иначе. Её смерть и является кульминацией спектакля. В финальной сцене режиссер оставляет её одну. И из разверзнувшейся тишины рождается новый, вечный мотив орлеанской девы…

Недаром эпиграфом к этому спектаклю было выбрано высказывание Виктора Гюго «Есть нечто более сильное, чем все на свете войска: это идея, время которой пришло». Именно за эту идею и погибает Жанна д’Арк. А судить о её решении уже нам.

Дата добавления: 2015-11-26