Тема 8. Классицизм в музыке ( XVII В. )

Тема 8. КЛАССИЦИЗМ В МУЗЫКЕ (XVII в.)

XVII век – та эпоха в истории искусств, когда складываются жанры и формы нового европейского художественного творчества, причем, в основном, это формы светского искусства. В музыкальном искусстве происходит кардинальное изменение всей жанровой системы. Более того – музыкального языка. Основными жанрами становится опера и две формы инструментальной музыки - соната и концерт.

Еще в 90-е годы XVI в. во Флоренции, в кружке князя Барди – кружке, который его участники называли камератой, возникает идея возродить древнегреческую трагедию. Идея создать новую музыкально-драматическую форму, опирающуюся на принципы античной, принадлежала известному певцу, лютнисту, поэту и музыкальному теоретику Винченцо Галилею (1520-1581)- отцу великого астронома и механика Галилео Галилея. В своем «Диалоге о древней и новой музыке», написанном еще на рубеже 70-80-х гг. XVI в., В.Галилей яростно обрушился на церковную полифонию, которая, по его мнению, затемняет значение слов, не дает возможности разобрать стихи, не имеет красивой мелодии и вообще - варварское искусство. Вся полифоническая премудрость, по мнении. Винченцо Галилео, изобретена германцами, северными варварами, которые свою «северную сиплость компенсируют сложным нагромождением голосов». Идеал прекрасной музыки – античная, когда певец пел мелодию (этот термин и введен Галилеем, произведшим его от греческого «мелоса»), аккомпанируя себе на лютне. Винченцо Галилей не был противником вообще всякого многоголосия, он ратовал за подчинение всех голосов одному – мелодическому, исполняемому певцом с красивым голосом. Он же ввел термин «БЕЛЬКАНТО»- красивое пение, которое, по его мнению, от природы имеется только у народов латинской культуры и только потомки римлян и могут его понять.

Члены «камераты» - композиторы Якопо Пери, Джулио Каччини, поэт Оттавио Ринуччини - воплотили музыкально-поэтические идеи В.Галилея в виде drama per musica (драма музыкой, музыкальная драма). Из Аристотеля флорентийцам было известно, что в древнегреческой драме был хор, была какая-то им неведомая «орхестра», актеры пели под аккомпанементы струнных инструментов, сюжеты привлекались только мифологические. Сами тексты трагедий Эсхила, Софокла, Еврипида еще не были известны – они были найдены позднее, в XVII веке. Поэтому у «камераты» получились не древнегреческие трагедии, а новый вид музыкально-драматического искусства, который позднее стали называть просто «произведением», т.е. по-итальянски «ОПЕРОЙ». Главной формой оперы уже стала АРИЯ – сольная песня персонажа. Арии обычно предшествовал РЕЧИТАТИВ – произнесение текста, причем, прозаического, нараспев под инструментальный аккомпанемент. Речитативы были двух видов: секк о (сухой) – под аккомпанемент клавесина и а ккомпаниато - под аккомпанемент ансамбля струнных инструментов. Кроме арий появились ВОКАЛЬНЫЕ АНСАМБЛИ персонажей – дуэты, терцеты, квартеты и т.д. С ариями и ансамблями чередовались ХОРЫ – пение большой группы певцов. В отличие от античной драмы, где хор был как бы коллективным персонажем, или комментатором, оперный хор изображал каких-либо персонажей – жрецов, духов ада, солдат, народ и т.п. Словом «орхестрой» греки называли площадку перед сценой (скеной), на которой стоял хор. Якопо Пери и Джулио Каччини оркестром стали называть ансамбль инструментов. Сюжеты для опер черпались поначалу исключительно из античных мифов, а затем из античной истории. Излюбленные герои – Юлий Цезарь, Нерон, Александр Македонский.

Первое публичное представление «драма пер музика» состоялось в дни празднеств по случаю бракосочетания французского короля Генриха IV и Марии Медичи во Флоренции. Это была «Эвридика» Якопо Пери и Оттавио Ринуччини. Вскоре по типу «Эвридики» начинает создавать музыкальные драмы в Венеции композитор Клаудио Монтеверди. Именно в Венеции открывается первый публичный оперный театр, куда может прийти каждый, просто купив билет, без особого аристократического приглашения. Оперы Монтеверди «Орфей», «Ариадна», «Коронация Поппеи», последняя на сюжет из римской истории об убийстве Нероном жены Октавии и женитьбе на Поппее, имели в Венеции большой успех. Через некоторое время открывается оперный театр и в Риме, во дворце кардинала Барберини. Но ранняя римская опера, которую пытались ставить на сюжеты о святых и христианских мучениках, просуществовала недолго, т.к. Папа счел оперу слишком светским развлечением. К тому же в Риме не оказалось достаточно крупных композиторов.

В середине XVII в. открывается придворная опера в Неаполе. Создателями неаполитанской оперы стали замечательные мелодисты Алессандро Скарлатти и Алесандро Страделла. В неаполитанской опере, собственно драма, сюжет отступают на второй план. Главное в произведениях Скарлатти и Страделлы – бельканто, красивое пение. Неаполитанскую оперу называли «концертом в костюмах» - получалось состязание певцов, одетых в костюмы тех или иных античных, либо легендарных героев. Но главное, что оперные мелодии были близки мелодике народных песен Италии, особенно Неаполя – мелодии широкого дыхания, пластичные и выразительные.

Вскоре появляется и французская опера - в 60-70-е гг. XVII в., в годы царствования Людовика XIV. Создатели французской оперы стал Жан-Батист Люлли (1632-1687) – итальянец, привезённый во Францию в качестве поваренка королевской кухни в 9-летнем возрасте. Маленький итальянец оказался способен к музыке и его отдали в учение к скрипачу. Через несколько лет Люлли стал играть в оркестре «Двадцать четыре скрипки короля» - в самом лучшем в Европе того времени. Но молодого музыканта влекло к театру. Конечно, французская опера во многом подражала итальянской, однако у неё появились свои особенности: Люлли ввёл большую оркестровую пьесу перед спектаклем, названную УВЕРТЮРОЙ (в переводе «открывание»), а перед каждым действием – оркестровое вступление, так называемый АНТРАКТ (от фр.- между действием). Это связано с тем, что французский двор имел большой оркестр, но только струнный, без духовых инструментов. Ещё одна важная особенность французской оперы – введение в действие БАЛЕТА. Нередко балетным оказывался целый акт. Балету во Франции придавалось большое значение. Более того, Людовик XIV сам считал себя первоклассным танцовщиком и выступал в балетных дивертисментах (фр.- небольшой концерт, представление). Правда, балет времён Люлли представлял собой шествие под музыку с замысловатыми движениями ног, никаких особо сложных фигур ещё не было.

В конце XVII в. появилась и английская опера, созданная Генри Пёрселлом (1658-1695). Близостью к народным песенно-танцевальным истокам, пленительностью мелодий, театральностью музыкальных образов Пёрселл предвосхитил Моцарта. Первая английская опера «Дидона и Эней» на сюжет поэмы Вергилия – создана в канун Славной революции 1688 г., когда Пёрселлу было 30 лет. Постановка оперы была в скромном пансионате для благородных девиц. В дальнейшем Пёрселл ставил свои музыкальные драмы в городском театре на Дорсет-Гарден, который посещала разношёрстная публика, и где сам он выступал в качестве композитора, режиссёра, дирижёра, актёра и певца.

Второй, после оперы, важный пласт музыкального искусства XVII века - ИНТРУМЕНТАЛЬНЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ.

В клавесине кожаные плектры (или отточенные перья), соединённые с клавишами, цепляют струны. Получается звонкий щелчок, похожий на гитарный, но острее. Во Франции такой инструмент называли КЛАВЕСИН, а его уменьшенный, комнатный вариант (обычно треугольный ящичек, стоявший на трех ножках, который прислонялся к стене) – СПИНЕТ. В Германии клавесин назывался КЛАВИР -это слово стало в немецком языке общим названием для всех клавишных инструментов, включая фортепиано, поэтому до сих пор «клавиром» называют не только инструмент, но и ноты переложений для фортепиано оркестровой или оперной музыки для домашнего музицирования, учебной и репетиционной работы. В Германии клавиром чаще называли комнатный клавесин типа спинета. А большой концертный клавесин называли КИЛЬФЛЮГЕЛЬ – «крыло», т.к. он был крыловидной формы (подобно современному роялю). В Италии клавесин называли КЛАВИЧЕМБАЛО или просто ЧЕМБАЛО – это слово родственно названию народного инструмента «цимбалы». В Англии большой концертный клавесин назывался ХАРПСИХОРД, а комнатный – ВИРДЖИНЕЛ или ВЁРДЖИНЕЛ от слова «вирго» в переводе с латинского – девушка, т.к. вёрджинел считался инструментом барышень. Но пьесы сочиняли для него мужчины-композиторы, которые и вошли в историю как «английские вёрджинелисты» - Вильям Бёрд (1543-1623), Джон Буль (1562-1628), Орландо Гиббонс (1583-1625), Дж.Фарнеби (1560-1620) и др.

Пьесы для клавира (клавесина) сочинялись в Италии, Германии,Франции. Особенно яркой оказалась школа французских клавесинистов (композиторов и виртуозных исполнителей, сочинявших небольшие пьесы в форме рондо). Эти пьесы чаще всего имели поэтические подзаголовки: «Тростники», «Сады в цвету», «Лилии распускаются», «Кукушка», «Птички щебечут», «Курица», «Пчёлы», «Жницы», «Цыганка», «Чепчик на ветру», «Любимая», «Единственная», «Душистая вода» и др. В пьесах нет литературного сюжета, программы, есть лишь музыкально выраженное впечатление. Среди самых значительных композиторов, чьи пьесы и сейчас часто звучат в клавесинных и фортепианных концертах – Жак Шамбоньер (1602-1672), Луи Куперен (1626-1661), Франсуа Куперен (1668-1783) (племянник), Жан Филипп Рамо (1683-1764). В пьесах-рондо Франсуа Куперена, Рамо, Дакена сказывались уже черты стиля «рококо». Это выразилось в многочисленных украшениях, трелях, особом изяществе и тонкой проработке деталей.

Другой, не менее важной сферой инструментальной музыки становится скрипичная и оркестровая музыка. В середине столетия появляется новый музыкальный жанр - СОНАТА. Сонаты писали для ансамбля инструментов – чаще всего двух скрипок, виолончели и клавира или органа. Существовали сонаты двух видов: церковная соната и «комнатная» или светская. Они отличались тем, что в церковной сонате участвовал орган, а в светской – клавесин (чембало). В последней трети XVII в. итальянским композитором Арканджело Корелли (1653-1713) создается жанр оркестровой музыки, названный КОНЦЕРТОМ (в перев.- состязание, соревнование). Действительно, в концерте инструменты как бы соревнуются друг с другом. Корелли писал «большие концерты»- кончерти гросси – для оркестра. Впоследствии Антонио Вивальди (1680-1741) создаст концерт для солирующего инструмента (чаще всего скрипки) с оркестром («Времена года»). Вивальди написал более четырёхсот концертов. Сонаты и концерты сочиняют в Италии композиторы-скрипачи, так называемая «итальянская скрипичная школа». Италия была богата и клавирной, и органной музыкой. В первой половине века в Риме работает органист Джироламо Фрескобальди (1583-1643), а в конце XVII в. и начале XVIII в. в Европе блистает клавесинист-виртуоз Доменико Скарлатти (1685-1757). В Германии внимание было сосредоточено на органной музыке. Школу немецких органистов венчает творчество И.С.Баха и Г.Генделя.

Но XVII в. сформировал не только новые музыкальные жанры, но и язык музыки. На смену полифонической музыке пришла музыка гомофонная – многоголосная, но такая, где один голос поддерживается аккордами других голосов. Появляется ГАРМОНИЯ - соединение звуков в одновременности по вертикали (вертикаль – по написанию в нотах). Развивается и полифония, но уже в жанре ФУГИ. Творчество И.С.Баха и Г.Генделя – высшее достижение в жанре фуги.

Тема 9. ПРОСВЕЩЕНИЕ – общественно-политическое, философское и общекультурное течение в европейской общественной жизни конца XVII – первой половины XIX вв. Основным его содержанием была борьба против феодально-сословных традиций, утверждение новых принципов отношений между людьми – Свободы, Справедливости, Равенства, Братства. Великое время, когда человечество решительно выбрало путь разума, пошло по пути научно-технического прогресса, плоды которого мы пожинаем в XX – XXI веках. В век Просвещения провозглашалось право человека на достойную жизнь и утверждение его как личности. Конечной целью всех общественных преобразований для просветителей было построение более совершенного общества, основанного на гуманизме. Основным условием достижения цели они считали развитие разума. Формированию умственных способностей человека в просветительской традиции придавалось определенное значение. Способом достижения поставленной задачи в ней полагалось просвещение общества. С точки зрения простого обывателя многое в то время казалось странным и даже невероятным:

« Теперь они читают подстрекательские книги… Пишут трактаты или так называемые великие научные сочинения, в коих все и вся ставится под вопрос. Будто бы нет больше ничего достоверного и все вдруг изменилось. В стакане воды, дескать, плавают малюсенькие зверушки, которых раньше никто не видел; Господь, мол, создал мир не за семь дней, а зп миллионы лет, если это вообще был Господь; дикари такие же люди, как мы; детей мы воспитываем неправильно; земля больше не круглая, как была до сих пор, а сплюснутая сверху т снизу, напододбие тыквы, - как будто в этом дело! Все кому не лень задают вопросы и роют, и исследуют, и вынюхивают, и над чем только не экспериментируют…Куда ни погляди, всех лихорадит. Люди читают книги, даже женщины…» (П.Зюскинд «Парфюмер»). Все, о чем с таким недоумением тогда думали, сейчас кажется само собой разумеющимся, а ведь было время…

Поэтому в культуре Просвещения столь серьезное внимание уделялось вопросам воспитания личности. Д.Дидро, Вольтер, Ж.-Ж.Руссо, И.Г.Песталоцци, Н.И.Новиков и др. в своих художественных и публицистических произведениях подчеркивали, что основным тормозом прогресса общества является невежество, суеверия и предрассудки людей. Они полагали, что искусство призвано просвещать и воспитывать человека, формировать в нем разумное начало, мыслительные способности, служить добродетели и осуждать порок. Основными средствами совершенствования интеллектуальных способностей человека выступало научное, философское и художественное образование. Дидро и д’Аламбер впервые выпустили Энциклопедию, которая включала в себя весь свод знаний, существовавших на тот момент.

Ведущую роль в художественном творчестве занимали театр и литература, поскольку по своей природе они оказались более способствующими, чем музыка, архитектура или декоративно-прикладное искусство, решению главной задачи, поставленной Просвещением. Героем искусства становится гражданин, утверждающий свободу в рамках политики. Д.Дефо, Дж.Свифт, Г.Филдинг, Г.Лессинг, П.Бомарше, Вольтер, Д.Дидро, Ж.-Ж.Руссо утверждают в своем творчестве разумное начало и естественность человека. Мощь духа, накал общечеловеческих страстей Возрождения, сменяются деловыми качествами, предприимчивостью и изобретательностью, ловкостью и авантюризмом, энергией и волей, самоуверенностью и изворотливостью, бережливостью и скрупулезностью в отношении денег. Но главное, без чего все эти качества и гроша ломанного не стоят, - это гибкий ум, разум, способный взвешивать все «за» и «против», предвидеть ситуацию и вовремя реагировать на её изменения. Таков герой романа Д.Дефо «Робинзон Крузо». Робинзон Крузо мужественно, достойно преодолел тяжелые испытания, сумел остаться человеком в нечеловеческих условиях. В то же время личность Робинзона оказывается очень противоречивой. В Европе в конце XVII-XVIII века формировался новый класс буржуазии. Можно было из ничего «сколотить» состояние, потом потерять его внезапно, снова разбогатеть, приобрести высокое положение в обществе за счет денег и т.д. Книга «Робинзон Крузо» - яркий документ эпохи. Отношения с людьми Робинзон строит исключительно на основе материальной выгоды. Бросает семью, не слушал предостережения отца, и пускается в авантюрные морские путешествия. Английский капитан становится его «другом» не из-за личной симпатии, а благодаря деловому партнерству. Робинзон совершает поступок, с общечеловеческой точки зрения совершенно неэтичный: продает спасшего ему жизнь мальчика Ксури в рабство, потому что за него пообещали хорошую сумму. Отношения с Пятницей он строит исключительно на принципе господин – подчиненный, а не на дружеской основе. И даже женится не по любви, а лишь из-за выгоды: вдова капитана помогла ему сохранить состояние. И несмотря на все это, Робинзон оказывается необыкновенно привлекательным героем. Большую часть книги занимает пребывание Робинзона на острове. И вот в этих экстремальных условиях и проявляются те его качества, которые вызывают глубокую симпатию читателя. Оставшись один, без надежды на чью-либо помощь, он не опускает в отчаянии руки, а начинает работать. Изо дня в день совершает маленькие подвиги, преображая мир вокруг себя. Дикую природу подчиняет власти и разуму человека. Используя некоторые блага цивилизации, которые у него остались после кораблекрушения, он практически заново проходит путь человечества, научившись добывать огонь, обжигать горшки, строить, выращивать огород… И каждое это дело оказывается наделенным такой значимостью, что невольно начинаешь проникаться уважением к труду и разуму, которые сделали человека человеком. Человек достоин уважения не в силу знатности, титулов, унаследованного богатства, но в силу исключительно личных качеств. Вот как выразил свое кредо автор Робинзона Крузо Даниэль Дефо, как и его герой, являющийся типичным представителем нового буржуазного класса: «Лишь личной доблестью мы будем величавы!»

Искусство «третьего сословия» воспевает именно личные качества человека, его порядочность. Трудолюбие, чувство долга. Замечательным художником этого направления стал Жан-Батист Симеон Шарден. Шарден был реалистом, да еще каким! Писал предметы так, что, казалось, можно дотронуться до них рукой и почувствовать холодную гладкую поверхность медного бака, чуть шероховатую – глиняного кувшина, какие встречаются в домах простых тружеников; накрахмаленность белой скатерти. Шарден любил простых людей. С искренней симпатией и нежностью создает Шарден образ простой семьи буржуа, где женщины всегда трудолюбивы, дети послушны и аккуратны. В картине «Утренний туалет» изображено утро буржуазной семьи. Нет роскоши, но комната чиста и уютна. Молодая мать одета не в роскошное платье, но одежда её опрятна. Она приводит в порядок волосы дочери. Рядом скромно сервированный стол, покрытый белой скатертью. На полу стоит начищенный до блеска металлический кувшин. И персонажи картины, и обстановка, и особое настроение, внушают зрителю симпатию к человеку «третьего сословия».

«Наш век достоин лишь сатиры» - так высказался о своем времени Джонатан Свифт, автор знаменитого произведения «Путешествие Гулливера». В завуалированной и остроумной форме обличает Свифт в «Путешествии Гулливера» пороки буржуазно-дворянского общества Англии. Существование двух враждующих партий в Лилипутии – Тремексенов и Слемексенов – напоминает английские партии тори и вигов, разногласия которых столь эе несущественны, как спор лилипутов о том, следует ли носить высокие или низкие каблуки. Заслуги высокопоставленных особ перед отечеством состоит в умении ловко ходить по канату, как это приходится делать в Англии, выслуживаясь перед монархом и плетя интриги. Война с соседним государством Блефуску основывается на давнем споре: как следует разбивать яйцо - с тупого или острого конца. Спор этот настолько бессмысленный, что остается только недоумевать, за что проливается кровь тысяч людей и истощаются ресурсы государства. А ведь то же самое происходило в Европе во время кровавых войн, длившихся уже полтора столетия между протестантами и католиками. Европейские нравы при объективном рассмотрении оказываются весьма далекими от совершенства. Гулливер однажды был сильно сконфужен, вступившись за преступника, обманувшего доверие человека, который дал тому деньги. «Император нашел чудовищным, что я привожу в защиту обвиняемого именно то, что как раз и делает его преступление особенно тяжким: нарушение доверия». В то время как в Европе моральное преступление уже не считалось столь тяжким. Покинув Лилипутию, Гулливер попадает в другие вымышленные страны, где встречает великанов, Людей с перекошенными лицами, занимающихся бесполезной наукой и «прожектами» (бессмысленными проектами); встречает бессмертных, которые влачат столь жалкое существование, что у Гулливера навсегда пропадает желание обрести бессмертие. Словом, повсюду род человеческий демонстрирует свое ничтожество. Где же находит Гулливер идеальное общество? В стране разумных лошадей – гуингмов. Человеческие особи там – гуингмы зовут их еху - в утрированной форме представляют все возможные пороки, которыми наделен «цивилизованный» человек, современник Гулливера. А лошади обладают благородным характером, честны, выше всего ценят дружбу, вообще не знают, что такое ложь, клевета, жадность и зависть – этих слов даже нет в их языке. Государством управляют сообща и заботятся о благополучии каждого члена общества. «Основное правило жизни заключается для них в полном подчинении своего поведения руководству разума». И единственное спасение общества видит Свифт в том, чтобы научиться у гуингмов «соблюдать правила чести, справедливости, мужества, дружбы, доброжелательства и верности. Имена этих добродетелей удержались еще в большинстве европейских языках, и их можно встретить как у современных, так и у древних писателей.

Идеи просветительства, обличения пороков современного общества отражает творчество Уильяма Хогарта. В его картине «Предвыборный банкет» мы видим под флагом с надписью «Свобода» кутит ватага людей с совершенно отталкивающими физиономиями. Они кричат, хихикают, заискивают, сплетничают, словом, совершенно не внушают симпатии, как те еху, которых встретил Гулливер в стране гуингмов. В своих полотнах Хогарт представлял целые истории, объединяя несколько картин в один цикл. Так, «Предвыборный банкет» относится к серии «Выборы в парламент». Другой знаменитый его цикл - «Брак а’la mode», или «Модный брак». В первой картине представлено заключение брачного контракта между обедневшим аристократом и девушкой из богатой семьи буржуа. Классическая история – брак, основанный не на любви, а лишь на выгоде: отец девушки рассчитывает с помощью своих денег и замужества дочери обрести дворянский титул, а семейство жениха - поправить материальное положение и достроить особняк, силуэт которого виднеется в окошке. Будущие супруги при этом совершенно не заинтересованы друг другом – жених сидит перед зеркалом, спиной к нему сидит девушка, с грустью рассматривая обручальное кольцо. Ясно, что брак обречен, и последующие картины шаг за шагом повествуют о кутеже мужа и неверности жены. В результате следует трагическая развязка: муж встречает любовника в комнате жены, краткая дуэль, и муж убит. Любовника отдают под суд, а жена кончает жизнь самоубийством.

Искусство обращается к жизненному материалу из самых разных слоёв, включая низы общества. Пристально прослеживается общественная жизнь людей. Ведущим жанром литературы становится социально-бытовой роман. Центром внимания просветительского реализма становится личность с её правами и достоинствами, мыслями и чувствами, частная жизнь человека. Задача такого рода искусства была вполне определенной – просветить людей, обличив пороки современного общества, в надежде, что можно хоть что-нибудь изменить в этом мире. Совершенствование рода человеческого - вот какую благородную цель поставили перед собой эти мастера. Новый творческий метод, которым руководствовались художники этого направления, - просветительский реализм.

В культуре Просвещения складывается такой важный институт художественной жизни общества, как профессиональная художественная КРИТИКА, которая корректировала идейную направленность художественного творчества и усиливала воздействие искусства на публику, т.е. она была посредником между художником и публикой. В своей практике она не только оказывала теоретическую помощь творцам и потребителям художественных ценностей, но и нередко призывала художников к созданию нравоучительных произведений, в которых нуждалась эта культура. Особую значимость художественной критике придают французский просветитель Д.Дидро и немецкий просветитель Г.Лессинг. В своих критических статьях о выставках Академии, называвшихся Салонами («Салоны»), в заметках об актерской игре («Парадокс об актере») и музыкальной жизни современного ему Парижа («Племянник Рамо») Д.Дидро поднимает художественную критику с уровня салонных бесед об искусстве до теоретически обоснованных оценок и выводов. Представитель немецкого Просвещения Г.Лессинг разрабатывает вопросы теории критики литературы («Письма о новейшей немецкой литературе»), дает критический обзор спектаклей Гамбургского театра («Гамбургская драматургия»).

Культура Просвещения не создала своего художественного стиля или направления в искусстве. В решении собственных задач оно обращалось к тому художественному опыту, который был уже накоплен. Просветительская идеология обращается как к реалистической традиции в искусстве, так и к сентиментализму, как к классицизму, так и к рококо. Все эти стили призваны здесь решать общую задачу – быть средством просвещения. Так возникает просветительский классицизм (Ж.Л.Давид, М.В.Ломоносов, А.П.Сумароков, Д.И.Фонвизин Г.Р.Державин), просветительский реализм (Т.Гейнсборо,Шарден, Рейнольдс, Ж.Б.Грез, Г.Курбе, О.Домье, У.Хогарт, И Никитин, А.П.Антропов, Ф.С.Рокотов, Д.Г.Девицкий) и просветительский сентиментализм (Д.Томсон, Э.Юнг, Т.Грей, Л.Стерн, Ж.Поль, И.В.Гете, Ф.Шиллер, Н.М.Карамзин, В.А.Жуковский).

Тема 10. СЕНТИМЕНТАЛИЗМ (фр.- sentiment – чувство) – художественное направление в европейском искусстве второй половины XVIII в. Основой творчества всех просветительских направлений является ориентация на норму в социальных отношениях. Сформулированная социальная норма выступает основой ценностной ориентации человека. Но если в классицизме и реализме норму устанавливает разум (положительные образы в романах и драматургии), то в сентиментализме нормы диктует чувство. Сентиментализм провозгласил культ естественных, природных чувств и потребностей человека, культ простоты и сердечности межличностных отношений.

Сентиментализм (Жан-Батист Грёз, Ж.-Ж. Руссо, Н.М.Карамзин) обращен к действительности, но в отличие от реализма он наивен и идилличен в трактовке мира. Вся сложность жизненных процессов объясняется духовными причинами. Сентиментализм утверждает чувственную и чувствительную личность, противостоящую рассудочной личности Просвещения. В изобразительном искусстве (портрет, жанровые сцены) сентиментализм близок к романтизму. В прикладном искусстве сентиментализм ввёл моду на миниатюрную живопись, медальоны и табакерки с портретами и девизами. Большее выражение сентиментализм получил в литературе. Характерные темы, мотивы и жанры английского, французского, немецкого и русского сентиментализма: мечты о сельской идиллии (Дж.Томсон), лирические вздохи о красоте природы и тяга к смерти (Э.Юнг), элегические настроения (развитие жанра элегии), «кладбищенская лирика» (Семен Надсон), противопоставление города истинной жизни в деревне, идеализация патриархальности и пасторальность (Т.Грей), утверждение постоянства человеческих чувств, мягкий юмор по поводу человеческих слабостей (Л.Стерн), слезливая комедия (П.Лашоссе), естественность чувства любви (А.Ф.Прево), жанр мещанской драмы (Д.Дидро), мотивы счастья простой жизни в девственном лесу (Л.С.Мерсье), отказ от порочной цивилизации и слияние человека с природой (Ж.-Ж.Руссо), богатство спектра чувств в личной жизни человека (К.Ф. Геллерт), возвышенность любовных и дружеских чувств и утверждение их чистоты (Н.М.Карамзин); жанр чувствительной повести (А.Е.Измайлов, П.П.Каменев) и жанр путешествий (П.И.Макаров, Н.М.Карамзин).

Тема 11. РОМАНТИЗМ (фр.) - общекультурное движение, охватившее страны Европы и Америки в конце XVIII – первой половине XIX вв., а также стиль и художественное течение, сформировавшееся во второй половине 1790-х гг. – первой четверти XIX в. Романтизм получил развитие сначала в искусстве Германии и Англии, затем – Франции, Италии, России, Испании, Португалии, Бельгии и других странах Европы, а также Америки. Наиболее ярко проявил себя в литературе (братья Гримм, Адам Мицкевич, Дж.Г.Байрон, В.Гюго, В.А.Жуковский, М.Ю.Лермонтов), музыке (Ф,Лист, Р.Шуман, Ф.Шопен, Н.Паганини, Ф.Мендельсон, К.М.Вебер, Р.Вагнер, Г.Берлиоз, М.И.Глинка, П.И.Чайковский), живописи (Ф.Рунге, К.Фридрих, У.Тернер, Т.Жерико, Э.Делакруа, О.Кипренский, К.Брюллов, А.Райдер). Понятие «романтизм» произошло от эпитета «романтический». До XVIII в. он указывал на некоторые особенности литературных произведений, написанных на романских языках (т.е.не на языках классической древности). Это были романсы, а также поэмы и романы о рыцарях. В конце XVIII в. «романтическое» понимается более широко: не только как авантюрное, занимательное, но и старинное, самобытно-народное, далекое, наивное, фантастическое, духовно-возвышенное, призрачное, а также удивительное, пугающее. Литературный термин «романтизм» появляется у Новалиса, а как музыкальный - у Э.Т.А.Гофмана. Данный стиль порожден многими причинами. Важнейшей среди них – глубокое разочарование в воплощении идеалов Просвещения, переосмысление трагического опыта Великой французской революции, непринятие рационализма и механизма классицизма, отрицание бездушного буржуазного практицизма, пагубно влиявшего на развитие человеческой индивидуальности.Романтизм был очень многоликим, но единая основа все же была – неприятие окружающей действительности. Этот протест выражался в одном случае в пафосе революционной борьбы, в другом - в тихом уходе в мир грез и фантазий, глубины собственного подсознания. Двоемирие, т.е. сопоставление и противопоставление реального и воображаемого миров, - один из важнейших принципов романтизма В XVIII веке человечество исследовало пути разума, и характер человека должен был реализовываться в первую очередь в общественной деятельности. Теперь романтики утверждали, что внутренний мир гораздо важнее и богаче внешних проявлений и далеко не все в нем укладывается в жесткие рамки разума. Они провозгласили первенство чувства. Искусство романтизма целиком обратилось к душе человека, богатству его внутреннего мира.. В поисках идеалов романтики обращались либо в прошлое (как образец они воспринимали искусство античности и Средних веков, творчество Данте, У.Шекспира, М.Сервантеса, И.С.Баха, И.В.Гете, чрезмерно идеализируя средневековый образ жизни и рыцарскую культуру), либо в будущее, используя фантастику.Именно в это время формируется плеяда великих писателей-романистов. Это Дюма, написавший «Три мушкетера», Вальтер Скотт, создавший «Айвенго» и «Квентина Дорварда» и многие другие писатели. Делакруа пишет картины и эскизы по сюжетам знаменитых романов Скотта, по трагедиям Шекспира, по поэмам Байрона.

Романтики, так же как и просветители, задумывались об удивительном свойстве человека, которое делает его уникальным творением природы. Только теперь это был не разум, а безграничность фантазии. Воображение человека, его душа могут вместить целые миры, которые будут казаться даже более реальными, чем тусклая внешняя действительность.

В Испании появился художник удивительной глубины - Франсиско Гойя. Пройдя путь в своем творчестве от рококо, через Просвещение, он в конце жизни приходит к воспроизведению своих подсознательных видений, страхов, предчувствий. В офорте из серии «Капричос» художник изобразил себя спящим за столом или укрывающимся от страшного сонма чудовищ, обрушившихся на него. Совы, ведьмы, нетопыри, кажется, рождаются из самой тьмы. Гойя подписал эту работу: «Сон разума рождает чудовищ».

Произведения Эрнста Теодора Амадея Гофмана уводят в мир фантастических историй, где сказка чудесным образом переплетается с реальностью, а волшебные видения оказываются явью(«Золотой горшок», «Щелкунчик и мышиный король», «Крошка Цахес, по прозванию Циннобер»).

Романтизм повернул искусство к национальной истории и образам народного фольклора. Заметно сказался романтизм и в портретном жанре, где стали выявляться яркая индивидуальность, глубина и сила чувств, неповторимость персонажа. (Т.Жерико, Э.Делакруа, К.Брюллов, О.Кипренский). Картина Теодора Жерико «Плот «Медузы» (1819 г.) воспроизводи реальное событие, когда в результате непрофессионализма капитана-аристократа, назначенного по протекции на фрегат «Медуза», погибло больше сотни людей. Не знающий морского дела капитан посадил судно на мель. Привилегированные пассажиры были отправлены в шлюпках на берег, а для остальных 149 человек наскоро соорудили плот, который внезапно унесло в океан. Через четырнадцать суток бриг «Аргус» обнаружил остатки плота с 15 полубезумными истощенными людьми. Страшно представить участь остальных. В результате картина стала не просто документальным фактом эпохи, а образом величайшего накала человеческих страстей. Жерико выбирает для изображения кульминационное событие, когда вдалеке появляется парус брига «Аргус» - единственной надежды на спасение. С левой стороны плота - еще безысходность и смерть, но вот волной поднимается надежда людей и достигает вершины в фигуре негра, вскочившего на бочку и воодушевленно размахивающего платком.

Художники- романтики обращаются к крайним проявлениям эмоций, таким как тоска, смятение, экстаз, триумф. На первый план выходят чувства, а не разум, и эти чувства выплескиваются на картину с неистовой и безудержной силой. Эжен Делакруа считал, что картину нельзя писать долго, тщательно выписывая детали. Так пропадает вся страсть и убедительность. Картину надо писать на одном вдохновении, как бы совершая прыжок. Если прыжок не удался, нужно начинать заново. В картинах Делакруа нет «приглаженных» мазков, его кисть отчетливо передает бурный темперамент художника. В 1823 г. Турки вырезали население небольшого греческого острова Хиос. Делакруа пишет картину, в которой ужас происшедшего обостряется правдивостью изображения. Именно эта правдивость шокировала публику. Обширное пространство до горизонта заполнено дымом пожарищ, разрушение и смерть царят повсюду. На переднем плане жертвы и палачи. Вот турок с ружьем наперевес идет разлучать влюбленных, старуха смотрит обезумевшим от горя взглядом, ребенок тянется к груди уже мертвой матери. На вздыбленном коне победоносно выезжает турок, к его седлу прикована прекрасная гречанка. Юноша бросился её спасти, но враг хладнокровно рассек ему голову мечом. Фигуры выполнены в человеческий рост, зритель становится свидетелем подлинных событий. Вершиной творчества Делакруа стала картина «Свобода, ведущая народ». В ней воплотился пафос революционной борьбы романтической эпохи. На вершину баррикад восходит женщина, подобная античной богине, олицетворяющая Свободу. Из последних сил к ней тянется раненый солдат, а вслед идет народ. Вдали в дымке растворяются очертания собора Парижской Богоматери, ставшего символом народного освобождения. На переднем плане убитый солдат и кирасир - в борьбе за свободу жертвы неизбежны. Композиция картины напоминает «Плот «Медузы» Т.Жерико. Здесь то же противопоставление мира мертвых и мира живых. Только в соприкосновении со смертью начинаешь понимать истинную цену жизни.

В архитектуре, преимущественно в садово-парковом искусстве и архитектуре малых форм (гроты, беседки, павильоны), романтизм способствовал возникновению многих национальных школ – барбизонцев во Франции, дюссельдорфской школы и бидермайера в Германии, прерафаэлитов в Англии.

Романтизм в музыке сложился в 20-е годы XIX в. под влиянием литературного романтизма и развивался в тесной связи с ним (опера, песня, инструментальная миниатюра, музыкальная программность). Романтики тяготели к сказочным сюжетам, народным преданиям, часто обращались к образам природы. Национальные корни ищут в музыкальном фольклоре. Классическая музыка Шуберта, Листа, Вагнера, Мусоргского и длр композиторов обогащается народными мотивами и интонациями. Жизнь человеческой души, лирико-нежная и проникновенная, бурная и мятежная – вот что стало основным содержанием романтической музыки.

Романтическая картина мира была пронизана божественным началом, идеей о том, что природа есть «одеяние божества». Дух пронизывал камни и растения, объединяя их с человеком в одно целое. Отношения с человека с Богом – знаменательная тема для романтиков. По их мнению, человек не только способен раствориться в религиозном чувстве, но может сравняться с Богом или стать богоотступником, богоборцем. Романтический герой, подобно герою барокко, вступает в отношения не только с Богом, но и с дьяволом. Но если в барокко дьявол прежде всего наказывает за грехи, то в романтическом мире он может становиться идеалом человека. Демонизм – одна из важнейших черт романтического героя. Широкое использование метафор и символов объясняется тем, что стилистика романтизма проистекала из потребности адекватно его выразить. Создавая собственную картину мира, романтики опирались на интуитивное постижение действительности. При этом они особо доверяли непосредственному человеческому чувству и противопоставляли его разуму. Только во внутреннем мире своей души человек находил убежище от враждебного ему реального мира, только в нем он ощущал себя поистине свободным. Художественное творчество приобретало для романтиков важное значение, ибо оно выражало собой способность человеческого сознания созидать из самого себя мир, отличный от действительности и подчиненный собственной воле и фантазии художника. Новое значение приобрела идея синтеза искусств. Романтики считали, что в глубоком и органичном слиянии музыки с поэзией, театром, живописью для искусства открылись новые возможности. Историческая судьба романтизма была сложной и неоднозначной, а его влияние на разные области художественной культуры сохранялось вплоть до середины XX в. Сложный аллегоризм (иносказание), элементы мистики и фантастики, присущие романтизму, нашли продолжение в символизме, отчасти - в искусстве постимпрессионизма и стиля модерн, а смелость романтических экспериментов в области формы привлекала к себе внимание представителей самого радикального литературно-художественного авангардизма.

Тема 12. РЕАЛИЗМ (лат.- вещественный, действительный) - в широком смысле слова – это стремление к более полному, глубокому и всестороннему отражению реальности во всех её проявлениях. В художественной культуре – объективное отражение действительности специфическими средствами, присущими тому или иному виду художественного творчества. Реализм выступает как метод и стиль в литературе, изобразительных и выразительных видах искусства, на основе которых характеры и обстоятельства в художественном произведении объясняются социально-исторически, а их закономерная причинная связь (социальный детерминизм) раскрывается в качественном и самоценном развитии (историзм) посредством типизации фактов действительности, т.е. соответственно первичной реальности. Термин «реализм» закрепился в художественной культуре благодаря французскому литературному критику Ж.Шанфлери, использовавшему его в качестве названия сборника статей, опубликованного в 1857 г. В России термин «реализм» впервые применил критик П.В.Анненков по отношению к литературе. Если рассматривать реализм в широком смысле слова, то очень сложно определить его хронологические границы. Тенденция реалистичности художественного мышления проявляется в разные исторические эпохи (начиная с первобытной), в разных видах искусства (литература, живопись, графика, скульптура, музыка, театр, кино), течениях и стилях, причем в различной степени. Реалистичным можно считать натурализм и буквализм произведений первобытных людей, стремления древних египтян соблюдать пропорции и симметрию изображаемых фигур, а также обеспечивать их точное портретное сходство с оригиналом; попытки мастеров Возрождения создать художественный образ гармоничной, всесторонне развитой личности; просветительскую трактовку индивида как существа разумного, общественного, стремящегося к достижению свободы, равенства и справедливости; творчество представителей критического реализма XIX в ., в котором художественное постижение характера связано с историческим временем, с отражением его социальных проблем. Рассматривая реализм как творческий метод, одни теоретики распространяют это понятие на искусство Возрождения, XVII в. и Просвещения, а другие связывают его появление с критическим реализмом XIX в. Термин «критический реализм» был предложен М.Горьким для того, чтобы подчеркнуть обличительный пафос демократического искусства по отношению к существующей действительности. Эстетический идеал в критическом реализме утверждается через отрицание. Он сложно опосредован через целую систему образов, выражающих отношение художника к изображаемому. Это суд над обществом. Задачей искусства становится воспроизведение действительности и вынесение ей приговора. (Н.Г.Чернышевский «Что делать?»). Искусство критического реализма мучительно ищет пути развития человека и человечества, отстаивает гуманистические идеалы, утверждает человека как высшую ценность. Оно вносит много нового в познание смысла человеческой жизни, сложности человека с природой, утверждает ответственность личности перед историей. Критический реализм развивался в Европе, начиная с 20-х годов XIX в. В каждой из стран он имел свои особенности. Во Франции почти на протяжении всего XIX в. работают и романтики (В.Гюго, Ж.Санд), и реалисты (О.де Бальзак, Стендаль, П.Мериме, Г.Флобер). Влияние романтизма сказалось на художественном мире писателей Франции. Стендаль делает героем произведений людей с яркими характерами, показывая их в исключительных по силе ситуациях («Красное и черное», «Пармская обитель», «Ванина Ванини»). П.Мериме ставит во главу угла культ экзотики (сборник «Гюзла» - баллады; новеллы «Этрусская ваза», «Венера Ильская»; повести - «Кармен», «Арсена Гийо»). В творчестве О.де Бальзака важную роль играет фантастика («Шагреневая кожа», «Гобсек», «Евгения Гранде», «Отец Горио»). На английскую реалистическую литературу оказал влияние просветительский реализм. Счастливые финалы произведений Ч.Диккенса связаны с просветительским представлением о возможностях воспитания человека («Крошка Доррит», «Домби и сын»). В своих поздних романах («Большие надежды») Диккенс не только обличает пороки персонажей – тщеславие, высокомерие, тунеядство, снобизм, но и открывает тайну и силу внутреннего мира человека. Он показывает, что надежды, зиждущиеся на несправедливости и деньгах, не могут принести счастья, а гордость и слепая самовлюбленность – настоящей любви.

Гюстав Курбе являлся ведущим представителем реализма. Его картины взбудоражили публику. Они были столь необычны, что никого не могли оставить равнодушным. В 1853 г. Новый император Франции Наполеон III в гневе полоснул по одной из его картин хлыстом. Что же в его картинах так возмущало публику? На картине 1849 г. Изображены «Дробильщики камней». Пермонажи и сюжет не были выдуманы художником – он перенес на полотно увиденное. Однообразными, изматывающими тело и душу движениями старик бьет молотком по камням. Юноша, согнувшись под тяжестью корзины, тащит щебень. Картина лишена какого бы то ни было романтического ореола, в ней только правда, жесткая и беспощадная. Фигуры изображены в натуральную величину, взят очень низкий ракурс, так что за ними видна только серая земля и в углу холста лишь маленький кусочек неба, который они практически не видят. «Бедняги! В углу этого холста я хотел передать суть их жизни…»- писал Курбе. «Увы! В этом состоянии вот так начинают жизнь и вот так её кончают». Теперь реализм становился как бы политическим рупором общественных проблем. Тема нищеты, бесправия, тяжелого труда рабочего класса и крестьянства придавала ему критическую направленность. Критический реализм становится передовым творческим методом французских художников Курбе, Милле, Домье.

Оноре Домье утверждал, что «нужно идти в ногу со временем». Героями его картин и литографий становятся прачки, нищие, пролетарии, буржуа. Он высмеивал лицемерие и продажность политиков, но в то же время сочувствовал обездоленному люду.

Франсуа Милле, будучи прекрасным живописцем, мог хорошо зарабатывать на портретах, но предпочел писать совершенно непопулярные сюжеты о буднях крестьян. Художник разоблачает нищенские, рабские условия их существования, а ведь крестьяне составляли в то время около 75 % населения страны. Образ труда в его картинах порой приобретает возвышенный, эпический характер («Сборщицы колосьев»).

Конфликт многих произведений XIX в. связан с противопоставлением человечности и бесчеловечности. В рамках отдельных национальных школ реализма этическая оценка жизни дается по-разному. У англичан осуждение зла почти обязательно сопровождалось жизненным крахом персонажа, воплощающего зло. Французские мастера фиксировали несовпадение социальной и нравственной судьбы своих героев (описание успеха в обществе - форма морального осуждения и наоборот). В произведениях русских художников приговор действительности выносят сами герои в муках совести, в процессе напряженного самопознания.

К числу наиболее ярких мастеров реализма XIX в. следует отнести Ч.Диккенса, О.Бальзака, Стендаля, Г.Флобера, А.Франса, А.С.Пушкина, Л.Н.Толстого, Н.В.Гоголя, Ф.М.Достоевского, Б.Шоу, Гарди, М.Твена, Дж.Лондона; художников Г.Курбе, О.Домье, Ж.Ф.Милле, И.Н Крамского, К.Е.Маковского, А.И.Корзухина, Г.Г.Мясоедова, Н.Н.Ге, И.Е.Репина, И.И.Левитана, В.Г.Перова; композиторов М.П.Мусоргского, П.И.Чайковского, Дж.Верди и др.

В ХХ в. появляется новая форма реализма, тесно связанная с распространением идей социализма, - т.н. «социалистический реализм». Впервые это понятие было сформулировано в статье «За работу!», опубликованной в «Литературной газете» 29 мая 1932 г. В Уставе Союза советских писателей (I съезд в 1934 г.) социалистический реализм определялся как основной метод советской литературы, который «требует от художника правдивого, исторически-конкретного изображения действительности в её революционном развитии», в сочетании с «задачей идейной переделки и воспитания трудящихся в духе социализма». Социалистический реализм – творческий метод литературы и искусства. Это эстетическое выражение концепции мира и человека, изображение жизни в свете социалистических идеалов. Главные эстетические принципы соц.реализма – правдивость, народность, партийность.

Дорогу социалистической литературе проложили поэты Парижской Коммуны и прежде всего Эжен Потье. Героем творчества коммунаров стал революционный пролетарий. В 1905-1909 гг. в Дании Мартин Андерсен-Нексе создает эпопею «Пеле – завоеватель». В годы Первой мировой войны возник роман Анри Барбюса «Огонь», положивший начало литературе соц.реализма во Франции. В послеоктябоьский период (1917) появились писатели, связавшие свою жизнь с революционным рабочим классом. В 20-30-е гг. соц.реализм становится широким интернациональным направлением искусства: И.Р.Бехер, Анна Зегерс, Бертольд Брехт, Вили Бредель – в Германии; Луи Арагон – во Франции; Дж.Рид- в США; Назым Хикмет - в Турции; Юлиус Фучик – в Чехословакии; Жорж Амаду – в Бразилии. Они создавали произведения, проникнутые активным протестом социальной несправедливости

Основателем в нашей стране считают М.Горького. Наше искусство прошло в своем развитии 3 этапа: 1) на первом этапе (1917-1931 гг.), характеризующимся эстетическим плюрализмом и множественностью методов, происходило становление соц.реализма и художественное открытие им активной личности, участвующей в творении истории. Как высшие достоинства человека воспеваются героизм, самоотверженность, самопожертвование, самоотдача (В.Маяковский, Д.Фурманов, А.Серафимович; художник Петров-Водкин; режиссер С.Эйзенштейн). 2) на втором этапе (1932-1956 гг.) эстетический плюрализм административно пресекается, углубляется идея активной личности, но эта личность не всегда имеет ориентацию на подлинно-гуманистические идеи. 3) на третьем этапе (после 1956г.) наше искусство, утверждая исторически активную личность, стало акцентировать её самоценное значение.

Неотъемлемым качеством соц.реализма являлась партийность, строгое следование которой влекло за собой отступление от художественной правды, т.е. необъективное отражение существенных черт жизни и ложность эстетической оценки. В результате термином «социалистический реализм» стали обозначать произведения, по сути своей не реалистические, а парадно-культовые, лакировочные, нормативные.

Дата добавления: 2015-09-29