1) Общее определение культуры: исторически определённый уровень развития общества и человека. выраженный в типах и формах организауии жизни и деятельности человека людей. а также в создаваемых ими

1) Общее определение культуры: исторически определённый уровень развития общества и человека. выраженный в типах и формах организауии жизни и деятельности человека людей. а также в создаваемых ими материальных и духовных ценностях.

2) Первобытная культура является рубежом, который отделяет мир людей от мира животных. Первоначальную культуру следует считать необходимым состоянием развития любой земной культуры.

Существует несколько периодизаций первобытного общества: общая (историческая), археологическая, антропологическая и др..

Общая (историческая) периодизация первобытной истории была впервые дана в 1870г. выдающимся американским этнографом Л. Морганом. Используя установленное в XVIII в. разделение исторического процесса на эпохи дикости, варварства и цивилизации, он разделил эпохи дикости на низкий, средний и высший степени. Ниже степень дикости начинается с появлением 3 млн. лет назад человека и членораздельной речи, средний - возникновением рыболовства и применением огня, выше - с изобретением лука и стрел. Переход к низшей ступени варварства связывается с распространением гончарства, с освоением земледелия и скотоводства начинается средний, а с использованием железа - высшая степень варварства. С изобретением алфавита наступает эпоха цивилизации.

Относительной хронологии является археологическая периодизация, в основу которой положен материал, из которого изготовлены орудия труда. Согласно ей история первобытного общества начинается с каменного века, которая делится на три эпохи: палеолит (от греч. - Старинный и камень), мезолит (от греч. - Средний и камень) и неолит (от греч. - Новый и камень). Каждая из этих дней распадается на нижнюю (раннюю) среднюю и верхнюю (поздний) части. Они характеризуются определенными типами археологических культур, т.е. группой источников, имеющих общие характерные черты и объединены одним временем и общей территорией.

Палеолит датируется примерно периодом 3 млн. - 10 тысяч лет назад. Это время появления человека и формирования его современного физического типа. По палеолита сложились основы первобытного общества. В начале верхнего палеолита (35-10 тыс. лет назад) появилась умный человек. В верхнем палеолите возникает родовой строй, закладываются основы расовых делений человечества, происходит расселение охотников из ранее обжитых мест в Северную Европу, Азию, Америку и Австралию.

Эпохи мезолита на различных территориях Европы и Ближнего Востока начинались не одновременно: в Средиземноморье и в странах Древнего Востока - в 11-10 тыс. до н. е., а в пределах Восточной и Центральной Европы - во второй половине 9 тыс. до н. е. Заканчивается она, в разных местах, также одновременно. На юге Восточной Европы переход от мезолита до неолита произошел в середине 6 тыс. до н. н.э. на северных территориях - в 5 и в начале 4 тыс. до н. е. На территории Украины мезолитические эпоха датируется концом 9-5 тыс. до н. е. Мржно считать, что мезолит - время возникновения племен, хотя известно другое утверждение: племенная организация общества сложилась позже. По подсчетам ученых, в мезолите на Земле было около 5 млн. человек.

3) Тотемизм — некогда почти универсальная и ныне ещё весьма распространённая религиозно-социальная система, в основании которой лежит своеобразный культ так называемого тотема. В научном смысле под тотемом подразумевается класс (обязательно класс, а не индивид) объектов или явлений природы, которому та или другая первобытная социальная группа, род, фратрия, племя, иногда даже каждый отдельный пол внутри группы (Австралия), а иногда и индивид (Сев. Америка) — оказывают специальное поклонение, с которым считают себя родственно связанным и по имени которого себя называют. Нет такого объекта, который не мог бы быть тотемом, однако наиболее распространёнными (и, по видимому, древними) тотемами были животные.

Фетишизм — религиозное поклонение материальным предметам — фетишам, которым приписываются сверхъестественные свойства. Фетишем мог стать любой предмет, почему-либо поразивший воображение человека: камень необычной формы, кусок дерева, части тела. Нередко фетишем оказывался случайно выбранный предмет. И если его владельцу сопутствовала удача, значит, фетиш обладает магической силой. В противном случае его заменяли другим. У некоторых народов существовал обычай благодарить, а иногда и наказывать фетиши. До наших дней дошло множество фетишей в форме амулетов-оберегов. Амулетом служит предмет, которому приписываются магические свойства отвращать от человека несчастья и приносить удачу. Амулет-оберег должен был обретать своего владельца. Фетиш мог быть просто рисунком и даже татуировкой на теле.

Анимизм — вера в существование души и духов, вера в одушевлённость всей природы. Впервые этот термин ввел немецкий учёный Г. Э. Шталь. В сочинении «Theoria medica» (1708) он назвал анимизмом своё учение о душе, как некоем безличном жизненном начале, лежащим в основе всех жизненных процессов.

4) КАНОН В ЕГИПЕТСКОМ ИСКУССТВЕ. Совокупность твердо установленных правил, определяющих нормы в изобразительном искусстве, называется каноном.

Канон был установлен в изображении стоящего, идущего, сидящего человека, а также для рисования цветка лотоса и священных животных.

Основные правила «канонического египетского стиля»

Единство изображений и иероглифических надписей.

Вертикальное расположение предметов и людей, менее значимое или то, что дальше, изображается на плоскости выше.

Построчное размещение сюжетных сцен горизонтальными поясами.

Разномасштабность фигур. Их величина зависит не от расположения в пространстве, а от значимости каждой из них.

Изображение фигуры человека как бы с различных точек зрения (фаснопрофильное) – принцип распластывания фигуры на плоскости, когда голова и ноги изображались в профиль, а торс и глаза – в фас.

Фигуры очерчивались резким контуром: мужские – черным, женские – красным.

5) у египтян, даже не существовало каких-либо мало- мальских правил, которые бы описывали как необходимо изображать богов. Один и тот же бог периодически изображался то в виде животного, то в виде человека, обычного или со звериной головой. Множество богов называли по-разному в зависимости от местности, а некоторые меняли свое имя несколько раз в течении одного дня.

Да и вообще - любое природное явление представлялось одновременно во множестве различных представлений, которые непостижимым образом противоречили друг другу. Например, небо изображалось одновременно и рекой небесного Нила, и в виде небесной богини Нут, и в виде крыльев коршуна, и в виде коровы, и т.д. и т.д.

6) учёные считают основой культыру древнего египта заупокойный культ. потому что всё. что сохранилось от Египта - это храмы и мавзолеи (пирамиды, усыпальницы, мумии), а остальное исчезло.

В египетской религии большое место занимал заупокойный культ. Его основой было сформировавшееся у египтян понимание сущности природы и предназначения человека, которые и предопределяют его жизнь. Согласно этим представлениям, каждый человек есть синтез трех основных субстанций: его физического тела, его духовного двойника (египтяне обозначали его ^термином «ка») и его души («ба»). Только совместное существование этих трех субстанций может даровать бессмертие, т.е. посмертное существование. А раз так, то возникает проблема сохранения тела, предохранения его от физического уничтожения. Отсюда важнейшее значение приобрел обычай мумификации умерших и захоронения мумий в гробнице. Только в этом случае рядом с мумией может находиться «ка» и «ба» человека. Посмертное существование воспринималось как продолжение обычной жизни на земле: вельможа остается вельможей, ремесленник - ремесленником и т.д. Стены гробниц расписывались сценами земной жизни и быта, начиная от вспашки полей и кончая пиршествами, чтобы магически перенести все эти действия в загробный мир. Для выполнения необходимых работ в загробном мире в гробницу клали специально изготовленные фигурки людей - слуг, работников, которые назывались «ушебти».

7) Полис- город-государство, форма социально-экономической и политической организации общества и государства в Др. Греции и Др. Италии. В полис входили полноправные граждане (члены общины), каждый из которых имел право на земельную собственность и политические права. Часть населения не входила и не имела прав граждан (метеки, периэки, вольноотпущееные, лишенные всяких прав рабы). Государственная организация была разная (олигархия, демократия и пр).
8) Мифология была для древних греков содержанием и формой их мировоззрения, их мировосприятия, она была неотделима от жизни этого общества. Греческая мифология -это не только и не столько мир религиозных представлений, это мир греков вообще, это сложное и обширное целое, куда входят наряду с мифами также и исторические легенды, предания, сказочные сюжеты, литературные новеллы, свободные вариации на мифологические темы.
Мыслительно-чувственное обобщение действительности, которая именуется мифологическим, характерно для очень древнего периода социально-исторической жизни, а точнее говоря, локализуется в общинно-родовой, или первобытно-общинной, формации, которая для Греции ограничивалась первой третью первого тысячелетия до н.э., но истоки, которой уходили в бездны тысячелетий. Видя, как бушует море, как разливаются или высыхают реки, несутся водопады, пробиваются родники, бегут ручьи, древний человек обобщает все проявления водной стихии в одном слове – Посейдон, то есть владыка вод или супруг Земли, объемлющий ее водным простором. И так один за другим рождаются слова – мифы, разрастающиеся в рассказы о высших существах, таких же, как и человек, только мощных и бессмертных, живущих одной семьей и управляющих над миром. Древняя мифология – предмет неоспоримой реальности и веры в ее непреложность. Она возникла и развивается еще до религии, которая нуждается в теоретических обоснованиях. Среди главных источников для изучения всех периодов мифологического развития Греции в первую очередь назовем героические поэмы Гомера «Илиаду» и «Одиссею». Трагики V в. до н.э. Эсхил, Софокл, Еврипид использовали в своих сюжетах мифологию героизма во всей ее сложности и гибельной безысходности. У Гомера красота есть божественная субстанция и главные художники – боги, создающие мир по законам искусства. Недаром красота мира создается богами в страшной борьбе, когда олимпийцы уничтожают архаических чудовищ. Однако эта красота гибельна. Сирены привлекают моряков прекрасными голосами и умерщвляют их. Эти страшные полуптицы – полуженщины прекрасны своим искусством пения, но ужасны своей дикостью. Гомеровская мифология – это красота героических подвигов. В мире этой красоты мрачные силы заключены в Тартар или побеждены героями. Чудовища оказываются смертельными. Гибнут Медуза Горгона, Пифеи, Ехидна, Химера. Прекрасные олимпийские боги жестоко расправляются со всеми кто покушается нарушить гармонию установленной ими власти. Однако побежденные древние боги вмешиваются в эту новую жизнь. Да и сам героический мир становится настолько дерзким, что нуждается в обуздании. И боги посылают в этот мир красоту, воплощая ее в облике женщины, несущей с собой соблазны, смерти и самоуничтожение великих героев. Так появляется созданная богами прекрасная Пандора, в которую боги вкладывают лживую душу. Так рождается от Зевса и Немесиды, богини мести, Елена, из-за красоты которой убивают друг друга ахейские троянские герои. Прекрасные женщины – Даная, Селена или Алкмена,- соблазняют, как Каронида или Кассандра. Но еще важнее та внутренняя красота, которая наделяют олимпийские боги певцов и музыкантов. Это красота поэтического мудрого вдохновения.
9) Архитектура в Древней Греции развивалась быстро и многосторонне. В растущих греческих городах создаются каменные жилые здания, укрепления, портовые сооружения, но самое важное и новое появилось не в жилых зданиях и хозяйственных постройках, а в каменных общественных зданиях. Именно здесь, и, прежде всего в архитектуре храмов, сложились классические греческие архитектурные ордера.
Прямоугольное в плане, строгое и величественное сооружение, возвышающееся на трёх ступенях цоколя, обнесённое строгой колоннадой и покрытое двускатной кровлей, - вот что всплывает в памяти, как только мы произносим слова “архитектура Древней Греции”. Греческий храм возник из микенского мегарона.
Статуя божества помещалась в святилище – целле, архитектурно соответствующей залу царского мегарона, где стоял очаг. Свет проникал в целлу только через дверь, так что в ней царил полумрак. Построенный по правилам ордера греческий храм был самой значительной постройкой в городе по своему назначению, и по тому месту, какое занимала его архитектура во всём ансамбле города. Ордерный храм царил над городом; он господствовал над пейзажем в тех случаях, когда храмы сооружались в каких – либо других важных местностях, например, считавшихся у греков священными. Потому что ордерный храм был своего рода вершиной в греческой архитектуре, и потому что он оказал огромнейшее воздействие на последующую историю мировой архитектуры, мы обратились именно к особенностям ордерных построек, пожертвовав многими другими видами и направлениями архитектуры и строительства Древней Греции. Ордер в Древней Греции принадлежал не массовой архитектуре, а архитектуре, имеющей исключительное значение, обладающей важным идейным смыслом и связанной с духовной жизнью общества.
10) Первый, архаический период Древней Греции – это VIII – VI вв. до н.э. Скульптура этого периода представляла собой еще несовершенные формы: курносы – мраморные статуи юношей с широко раскрытыми глазами, опущенными руками, сжатыми в кулаки, называемые еще архаичными Аполлонами; коры – фигуры грациозных девушек в длинных одеждах и с красивыми локонами на голове. Таких статичных скульптур безымянных авторов до нас дошло всего несколько десятков.
Второй, классический период, в развитииДревней Греции – это V – IV вв. до н.э. Сохранились скульптуры и их римские копии ваятелей-новаторов этого времени. Пифагор Регийский преодолел статичность, его фигурам присуща раскрепощенность и фиксация двух движений – исходного и того, в котором они окажутся через мгновение. Его работы были жизненны и правдивы, и это восхищало современников. Его знаменитая скульптура «Мальчик, вынимающий занозу» (Палаццо в Риме) поражает реалистичностью и красотой пластики. О другом великом скульпторе Мироне мы можем судить только по очень поврежденной римской копии бронзового «Дискобола». А вот Поликлет вошел в историю искусства ваяния как великий новатор. Он долго и тщательно изучал человеческое тело и в тоге с математической точностью вычислил пропорции идеальной, гармонической его формы и написал большой трактат о своих исследованиях под названием «Канон». Согласно «Канону», длина ступни человека должна составлять шестую часть высоты ноги, высота головы – восьмую часть роста и т.д. Как ваятель Поликлет посвятил свое творчество проблеме изображения движения в миг покоя. Скульптуры копьеносца («Дорифор») и юноши с победной лентой («Диадумен») демонстрируют баланс энергии, созданный при помощи хаизма, еще одного открытия Поликлета. Хаизм – в греческом языке означает «крестообразное расположение». В скульптуре это стоящая человеческая фигура с перенесенной на одну ногу тяжестью тела, где поднятое бедро соответствует опущенному плечу, а опущенное бедро – поднятому плечу.
Древнегреческий скульптор Фидий прославился при жизни на века созданием 13-метровой статуи Зевса, сидящего на троне из кедра, и известного как одно из семи чудес света. Основным материалом послужила Фидию слоновая кость, из нее было сделано тело бога, плащ и обувь – из чистого золота, а глаза – из драгоценных самоцветов. Этот непревзойденный шедевр Фидия был уничтожен в пятом веке нашей эры католическими вандалами. Фидий одним из первых овладел искусством литья из бронзы, а также хризо-элефантинной техникой. Из бронзы он отлил тринадцать фигур для храма Аполлона Дельфийского, а двадцатиметровую Деву Афину в Парфеноне сделал из слоновой кости и золота (хризо-элефантичная техника ваяния). Третий, эллинистический период, охватывал IV-I вв. до н.э. В монархическом строе эллинистических государств возникло новое мировоззрение, а вслед за ним и новая тенденция в скульптуре – портретные и аллегорические статуи.
Центрами скульптурного искусства становятся Пергам, Родос, Александрия и Антиохия. Наиболее известна пергамская школа ваяния, для которой характерна патетика и подчеркнутый драматизм изображений. Например, в монументальном фризе Пергамского алтаря запечатлена битва богов с сынами Земли (гигантами). Фигуры гибнущих гигантов полны отчаяния и страдания, а фигуры олимпийцев, наоборот, выражают спокойствие и воодушевление. Знаменитая статуя «Ники Самофракийской» была установлена у моря на утесе острова Самофракия как символ победы флота Родоса в битве 306 года до н.э. Классические традиции скульптурного творчества воплотились в статуе Агесандра «Афродита Милосская». Ему удалось избежать жеманности и чувственности в изображении богини любви и показать в образе высокую нравственную силу. Остров Родос прославила скульптура «Лаокоон», авторами которой были Агесандр, Афинадор и Полидор. Скульптурная группа в их произведении изображает патетическую сцену одного из мифов Троянского цикла. Одним из семи чудес света называют и 32-метровую статую бога Гелиоса из позолоченной бронзы, стоявшую когда-то при входе в гавань Родоса и получившую название «Колосс Родосский». Двенадцать лет потрачено на создание этого чуда учеником Лисиппа Харесом. Лисипп, кстати, один из скульпторов той эпохи, который очень точно умел схватывать мгновение в действии человека. До нас дошли и стали известны его работы: «Апоксимен» (юноша, убирающий со своего тела грязь после соревнований) и скульптурный портрет (бюст) Александра Македонского. В «Апоксимене» автор показал физическую гармонию и внутреннюю утонченность, а в портретной характеристике Александра Македонского – величие и мужество.
Круглая скульптура, вид скульптуры, произведения которой (в отличие от рельефа) представляют собой самостоятельные трёхмерные объёмы, не связанные с плоскостью фона. Главные типы круглой скульптуры: статуя, бюст, скульптурная группа. Произведения круглой скульптуры могут быть рассчитаны как на одну, определённую, так и на несколько точек зрения, а также на круговой обзор, при котором содержание произведения раскрывается в различных, дополняющих друг друга аспектах.
11) Великолепный памятник античной культуры — поэмы Гомера "Илиада" и "Одиссея" (VI в. до н. э.). Афинская молодежь заучивала их наизусть, что являлось частью образования. Поэмы Гомера имели не только большое значения, как произведения искусства, им предавалось также важное государственное, социальное и нравственное значение. Эти поэмы о человеческих отношениях, о добре и зле, о чести и бесчестии, о свободе и судьбе. Во все времена они читались, как глубоко современные.
Античная культура — это также культура Сократа, философа, поставившего знание превыше всех авторитетов и мнений. Этому принципу учил он и своих учеников. Сократ не писал книг, считал, что в них мысль мертвеет, становится правилом, а это уже не есть знание. Самая большая мудрость по Сократу, состоит в том, чтобы не обольщаться своим знанием, не абсолютизировать его ("Я знаю, что ничего не знаю"). Самое позорное невежество — "воображать, что знаешь то, чего не знаешь". Сократ был постоянно добродушен и радостен, чем раздражал, вызывал нападки, его били. Ученики возмущались и спрашивали, почему учитель не отвечает тем же. Сократ отвечал: "Разве я потащу в суд осла, если он меня лягнул?".
Особенностью античной культуры было стремление сделать культуру способом жизни. Это относилось не только к философам, но и к искусству, поэзии. Основными символами греческой культуры были два бога: Аполлон и Дионис, породившие, как считали древние греки, два противоположных мироощущения и две культуры. Бог Аполлон – бог пластического искусства, умеренности, гармонии, красоты и покоя. Бог Дионис – бог раскованности и свободы, стихии природы и инстинктов, бог вина и виноделия, непокоя и чрезмерности.
Почитание Аполлона привело к господству пластического искусства, искусства Гомера, эпохи Ренессанса, христианской религии; почитание Диониса — к рождению греческой трагедии с ее (часто нелицеприятной) правдой жизни, к философскому пессимизму и нигилизму.
Греки считали, что в культуре, как и в самой жизни, должно сочетаться аполлоновское ее качество и дионисийское, в противном случае возможна гибель культуры. Господство аполлоновского в культуре приведет, в конце концов, к стагнации, застою. А возобладание дионисийского к разрушению, протесту ради протеста.
IV в до н. э. ознаменовался в Древней Греции, как век создания различных школ, хотя обучение стоило очень дорого. Например, обучение риторике, у виднейшего, наряду с Демосфеном, греческого оратора той эпохи, Исократа, стоило едва ли не дороже, чем обучение у софистов, и было доступно только состоятельной верхушке горожан. Все более многочисленные философские школы ориентировались также лишь на социальную элиту. Интенсивная интеллектуальная, творческая жизнь все больше сосредоточивалась на одном из полюсов общества. Характерно, что обращенное к широким массам искусство театра, получившее столь явное развитие в Афинах V в. до н. э., уже не играло в следующем столетии прежней социально-воспитательной роли. Трагедия переживала упадок, комедия претерпела существенные изменения. Но если поэзия спустилась с высот, достигнутых ею в Греции эпохи Перикла, то проза, напротив, поднялась на небывало высокий уровень. Ораторское искусство IV в. до н. э. вплоть до последних веков античности оставалось непревзойденным образцом литературного мастерства, правильности, чистоты и красоты стиля. Еще большее влияние оказала на последующие поколения, и не только в древности, философия IV в. до н. э., представленная именами Платона и Аристотеля. Изобразительное искусство, особенно скульптуру, прославили в то время шедевры Праксителя и Скопаса, не уступавшие великим творениям Фидия, Поликлета и Мирона.
Особое место в жизни греков занимал театр. Он во многом не был похож на современный театр. В Афинах театральные представления происходили первоначально раз в год (затем – дважды) во время праздника бога Диониса (Великие Дионисии - праздник начала весны, знаменовавший вместе с тем открытие навигации после зимних ветров), когда в течение трех дней с утра до вечера шли спектакли, о которых затем говорили в течение всего года. Театр в отличие от хоровой лирики обращен ко всему демосу, он более демократичен, он служит трибуной, с которой обращаются к демосу те, кто стремится убедить его в правильности собственных идей и мыслей. Не случайно своего наивысшего расцвета театр достиг в Vв. в Афинах, наиболее демократическом из полисов Эллады. Театр стал подлинным воспитателем народа, он формировал взгляды и убеждения свободных граждан. Театр был общественным институтом, включенным в систему полисных праздников. Театральное зрелище было массовым, зрителями являлась большая часть граждан, организация представлений – одна из самых важных и почетных литургий. Со времени Перикла государство давало беднейшим гражданам деньги для оплаты билетов. Театральные представления носили состязательный характер, ставились пьесы нескольких авторов, и жюри, избранное из граждан, определяло победителя.
12) Греческие ордера многообразны. В жизни древних греков доминировала религия, поэтому неудивительно, что храмы в древней Греции считались самыми большими и красивыми. Они также имели политическое значение, так как их часто строили, чтобы отметить гражданскую силу и гордость, или возблагодарить бога-покровителя города за успех в войне.Древние греки разработали три архитектурные системы, названные ордерами, каждый из которых обладает собственными отличительными пропорциями и деталями. Ордера архитектуры древней Греции именуются дорический, ионический и коринфский.Для дорического греческого ордера характерна прочность и ровная вершина (капитель). Этот стиль широко использовался в континентальной Греции и в колониях в южной Италии и на Сицилии.Для ионического греческого ордера характерна тонкость и элегантность. Капитель украшалась волютой (деталью, имеющей форму трех витков спирали с "глазком" в центре). Этот стиль был найден в восточной Греции и на островах.Коринфский греческий ордер встречается в греческом мире довольно редко, однако его можно часто видеть на римский храмах. Капитель, выполненная в коринфском стиле, отлично продуманна и украшена листьями аканта.
Дорический ордер архитектуры древней Греции: К нему относится Парфенон – храм Афины Парфенос, греческой богини мудрости, на Акрополе в Афинах. Парфенон был постороен в пятом столетии до нашей эры и несмотря на огромный ущерб, он выстоял на протяжении веков и до сих пор несет в себе идеалы порядка и гармонии, которыми славится греческая архитектура.
Ионический ордер: Эрехтейон – храм среднего классического периода греческого искусства и архитектуры, построенный на Акрополе в Афинах между 421 и 405 гг до нашей эры.В Эрехтейоне находились святилища Афины Полиас, Посейдона и Эрехтея. В результате соблюдения определенных строительных требований того времени и расположения на склоне, храм имеет довольно необычный план. От корпуса здания крытые галереи отбрасывают тени на восток, север и юг. Восточная галерея, постороенная в ионическом греческом ордере, давала доступ к святилищу Афины, которое отделялось стеной от западной целлы. Северная галерея, ионического тетрастиля, распологается на низком уровне и от туда можно попасть в западную целлу, пройдя через небольшую дверь. Южная галерея, известная как Портик кариатид, состоящий из шести женских скульптур, поддерживающих антаблемент, является самой интересной достопремечательностью храма; она формирует трибуну. Западная часть здания с окнами и частично встроенными в стену колоннами является модификацией оригинала, построенного римлянами в период реставрации здания. Одна из восточных колонн и одна из кариатид были перевезены в Лондон лордом Элгином, на их место были поставлены их точные копии.Храм Аполлона в Дидиме был построен греками в Турции (примерно в 300 г до нашей эры). Дизайн храма был известен как диптеральный, что означает наличие двух рядов колонн, окружающих внутреннюю часть храма. Эти колонны окружали небольшой зал, в котором находилась статуя Аполлона. По этим развалинам, окруженным ионическими колоннами, достигающими 19.5 метров (64 фута) в высоту, можно лишь отдаленно судить об ушедшей красоте древнего храма.
Коринфский ордер: Коринфский греческий ордер является самым нарядным и богатым из всех классических ордеров архитектуры. Он также является самым поздним, достигшим своего расцвета лишь к середине четвертого века до нашей эры. Однако самый древний образец этого ордена был найден в храме Аполлна в Бассае (420 г до нашей эры). Греки не часто использовали этот ордер; главным его образцом служит круглое сооружение в Афинах, известное как памятник Лисикрата (335 г до нашей эры). Храм Зевса в Афинах (начатый во втором веке до нашей эры и завершенный императором Хадрианом во втором веке нашей эры) был вероятно самым примечательным из Коринфских храмов.

19. Человека в эпоху средневековья представлял мир некой сценой, на которой выступали две основные силы: силы Бога и противоборствующие им силы дьявола, шла война между ангелами и бесами, между язычеством и христианством, война между злом и добром в душе человека.

Все ключевые события, которые произошли в эпоху средневековья, тесно связаны с христианством. Многие войны, крестовые походы - все это было сделано для свержения язычников и «во славу Господа». Христине считали, что их вера является истинной среди остальных.

В истории известны случаи, когда короли готовы были отдать целые города за святыни христианства. Многие люди погибли, сражаясь за веру. Также среди монахов был распространен культ самоистязания «во славу Христову». Известно множество крестьянских восстаний, целью которых было восстановление «царства Божьего на Земле». Многие знатные люди старались помогать бедным, ухаживали за ними, давали пожертвования больницам и церквям. Конечно, многие заповеди нарушались, однако их ценность от этого не уменьшалась. В христианстве эпохи средневековья можно выделить три основных субкультуры:

Высокое христианство. Относилось к церкви, так как именно она определяла облик всего христианства, диктовала его основные ценности, например культ святых, «слепая» вера, спасение души как цель всей жизни.

Христианство для рыцарей. Война за веру, готовность отдать свою жизнь для христианства и против язычников - все это поддерживалось церковью. На основе синтеза церковных и рыцарских идеалов во времена крестовых походов возникли военно-монашеские ордена. Также поклонение рыцаря «прекрасной даме», связано с христианством, это считалось неким обрядом поклонения Деве Марии.

Христианство в народе. Оно представлено смешением церковного учения, предрассудков и язычества. Несмотря на принятие христианства, многие языческие обычаи не были искоренены. Многие праздники язычников просто превратились в христианские, также новые обычаи христианства воспринимались народом, как магия варваров. Например, считалось, что человек во время богослужения не стареет, так как время останавливается.

На главных событиях в жизни человека также лежал отпечаток христианства: брак, рождение, смерть, к каждому из этих событий были привязаны различные обязательные обряды. Христианство было основой «осью» эпохи средневековья.

Таким образом, христианство сильно повлияло на общество, оно привнесло новые ценности, новые убеждения. Для человека в эпоху средневековья, человека растерянного, бесправного, обездоленного, христианство стало спасением, оно дало надежду, появилась вера в бессмертие души, в справедливость, в несколько раз увеличилось доверие к Богу, который послал своего Сына на Землю, чтобы искупить грехи человечества. Люди стали связаны между собой, не зависимо от национальности, языка, социального положения.

С появлением христианства естественнонаучному познанию мира отводится второстепенная роль, любое открытие, научные теории - все это поддавалось цензуре библии. Теории, противоречащие библейским концепциям, отвергались обществом и церковью. Познание мира в средневековом мировоззрении стало носить созерцательный характер. Это предзнаменовало регресс науки, по сравнению с античной наукой средневековая сделала большой шаг назад. Таким образом, наука стала носить чисто служебный характер, наука могла лишь подтверждать истины священного писания, но дать представления об окружающем мире она не могла. Успешно развивались лишь такие области науки как алхимия, магия, ятрохимия, в современном мире они считаются паранауками.

Наука требовала развития и нового взгляда на мир, чего не позволяло средневековое мировоззрение, и только в эпоху Возрождения началась глобальная научная революция.

20.Наступившая относительная стабильность обеспечила возможность быстрого подъема городов и экономики. Жизнь стала меняться к лучшему, в городах расцветала своя культура и духовная жизнь. Большую роль в этом играла та же церковь, которая тоже развивалась, совершенствовала свое учение и организацию.

В этот период быстро развивается так называемая «городская литература», для которой было характерно реалистическое изображение городского повседневного быта различных слоев городского населения, а также появление сатирических произведений. Представителями городской литературы в Италии были Чекко Анджольери, Гвидо Орланди (конец XIII века).

Развитие городской литературы свидетельствовало о новом явлении в культурной жизни западноевропейского общества - городской культуре, сыгравшей очень большую роль в становлении западной цивилизации в целом. Суть городской культуры сводилась к постоянному усилению светских элементов во всех сферах человеческого бытия.

Городская культура зародилась во Франции в XI-XII вв. В этот период она была представлена, в частности, творчеством «жонглеров», которые выступали на городских площадях как актеры, акробаты, дрессировщики, музыканты и певцы. Они выступали на ярмарках, народных праздниках, свадьбах, крестинах и т.п. и пользовались большой популярностью в народе.

Примерно с середины XII века театральные действия перемещаются из-под церковных сводов на площади и действия разыгрываются уже не на латыни, а на французском языке. В роли же актеров выступают уже не священнослужителя, а горожане, сюжеты пьес становятся все более светскими, пока не превращаются в сценки из обыденной городской жизни, часто сдобренными доброй порцией сатиры. В это же время развивается театральное искусство и в Англии.

Новым и чрезвычайно важным явлением, свидетельствующим об углублении процесса развития городской культуры, было создание в городах не церковных школ - это были частные школы, материально от церкви не зависящие. Преподаватели этих школ жили за свет платы, взимаемой с учащихся и обучать в них своих детей могли все, кто мог позволить себе заплатить за обучение. С этого времени идет быстрое распространение грамотности в среде городского населения.

Вся культурная жизнь европейского общества этого периода в значительной степени определялась христианством.

Во времена классического Средневековья возникает городская культура как новое явление культурной народной жизни, сыгравшая очень большую роль в становлении западной цивилизации в целом. Суть городской культуры сводилась к постоянному усилению светских элементов во всех сферах человеческого бытия.

21. 1. РОМАНСКИЙ СТИЛЬ

В 11 в. в Европе начинается экономический подъем, с которым совпали два столетия романской архитектуры. Тогда еще не существовало национальных государств в сегодняшнем понимании этого понятия, однако феодальная раздробленность и развал системы римских дорог способствовали самостоятельному развитию территорий.

Романская архитектура сложилась в результате совмещения исконных местных и византийских форм. Она являлась самым ранним этаном развития западноевропейской архитектуры. Определились новые типы сооружений - феодальный замок, городские укрепления, большие городские церкви, соборы. Возник и новый тип городского жилого дома.

Романский стиль совершенно отверг пропорциональные каноны и формы античной архитектуры, свойственный ей арсенал орнаментально-декоративных средств. То немногое, что сохранилось от архитектурных деталей античного происхождения, было чрезвычайно сильно преобразовано и огрублено.

Основным строительным материалом романского зодчества был камень. Сложнейшим процессом была выработка рациональной и соответствующей ритмике плановых решений массивной каменной конструкции культовых сооружений. Эволюционировала система сводов и поддерживающих их каменных опор. Процесс протекал неодинаково в различных архитектурных школах Франции, Германии, Италии и других стран.

Несмотря на наличие ряда общих черт, и конструктивного сходства, принято различать романский стиль Бургундии и Испании, Прованса и Оверни, Сицилии и Ломбардии.2. ГОТИЧЕСКИЙ СТИЛЬ

К середине 12 в. во Франции зарождается новый стиль – готический, который затем распространился по всей Европе; Италия попала в орбиту готического стиля в 30-е годы 14 в., другие страны – с 15 в. Термин «готика» возник от названия германского племени готов и не имеет отношения к сути обозначаемого им явления. В эпоху Возрождения все Средневековье было объявлено варварским, а архитектура стрельчатой арки стала для критиков символом варварства.

В эпоху господства готического стиля, и особенно в ранний его период, церковь оставалась ведущей силой в обществе. Поэтому именно в церковной архитектуре время выразило себя наиболее ярко. Готический собор высоко вздымается над крышами города, являясь его архитектурным и духовным центром. В эту эпоху на арене истории появилась новая сила, способная оспорить первенство церковной власти. Феодализм слабел, королевская власть постепенно крепла; города росли и процветали, получая привилегии от королей и герцогов в обмен на обещанную поддержку в борьбе с другими правителями и знатью.

24.Гуманистическое мировосприятие, свойственное Джотто, стало идейной основой искусства Флорентийской школы Раннего Возрождения. Джотто фактически стал родоначальником Флорентийской школы живописи, его творчество которого Флоренцию в авангард искусства Проторенессанса. Он писал много и в разных городах Италии, оставляя повсюду учеников и возбуждая художественную деятельность. Новаторское значение искусства Джотто осознали уже его современники, оно привлекало к себе большое внимание и в последующие века.

Искусство Джотто во Флоренции было еще более новым, чем в Риме и в Ассизи. Здесь во второй половине XIII в. единственным средством выражения плоскостных видов искусства был византийский стиль, «maniera greca». Достаточно вспомнить мозаичное украшение купола Баптистерия: картину «Страшный суд» работы Коппо ди Марковальдо и Мельоре ди Якопо, а также цикл ветхозаветных сцен и сцены из жизни Иисуса и Иоанна Крестителя, в выполнении которых участвовал Чимабуэ. Эти мозаики были первыми значительными художественными впечатлениями юного Джотто. Новый мир Джотто можно ощутить еще более непосредственно, если войти в капеллу Барди базилики Санта Кроче и сначала взглянуть на алтарную картину XIII века, представляющую Св. Франциска и его житие, а затем обратиться к фрескам Джотто. Если мы продолжим это исследование сопоставлением распятий, написанных Коппо, Чимабуэ и Джотто, или изображений Мадонны на троне, выполненных этими художниками, то поймем, что возвышенные похвалы, расточаемые Джотто со времен Данте до наших дней, нисколько не преувеличены.

Джотто оказал колоссальное влияние на развитие итальянской живописи XIV века, на формирование ее ведущих школ. Творчество Джотто оказало сильное влияние на современников не только к югу от Тосканы, но и к северу от нее, в Ломбардии, на художников Римини, Болоньи, Венеции. Как принято считать, Джотто в пожилом возрасте, в 1335 г., по приглашению Аццоне Висконти прибыл вместе со своими учениками в Милан.

Если пластика треченто представляет до известной степени периферию европейской скульптуры XIV века, то итальянскую живопись можно отнести к самым выдающимся явлениям в истории западноевропейского искусства этого времени.

Решающее воздействие на ее формирование оказали завоевания предшествующего периода и прежде всего — искусство Джотто. Все крупнейшие художественные школы XIV века, за исключением связанной с византийскими традициями венецианской, в той или иной мере усваивают принципы, разработанные Джотто и его современниками. Более того — речь идет о дальнейшем развитии этих принципов, чему немало способствовало появление новой тематики, более широкое и прямое обращение к реальной жизни, воспринятой сквозь призму гражданских идеалов, морализирующих и религиозно-дидактических понятий. Отсюда более пристальное внимание к конкретному облику действительности, ее характерным деталям. Отсюда и появление тезиса «подражание природе», осуществляющегося еще эмпирически, так как появление натурной штудии относится к самому концу века. Это «подражание природе» оставалось недифференцированным, представление о структуре и пропорциях форм, в особенности о строении человеческого тела, было еще приблизительным, что открывало простор для стилизации, использования повторяемых приемов и мотивов. В то же время стремление к конкретизации повышает роль подготовительного рисунка в творческом процессе. О высокой культуре рисунка свидетельствуют так называемые «синопии», в большом количестве обнаруженные в наши дни при реставрационных работах — монументальные рисунки красной краской (rosso sinopia), сделанные при росписях стен на первом слое штукатурки и по мере написания фрески закрывавшиеся по частям вторым, влажным слоем, на который наносились краски.

В Джотто видят предтечу великих мастеров Возрождения. Микеланджело с большим подъемом копировал картины капеллы Перуцци. Его восхищение отражает биография Джотто, написанная Джорджо Вазари, и, начиная с этого времени, Джотто на протяжении веков считают самым значительным из мастеров треченто.

23. Рафаэль

Творчество Рафаэля Санти принадлежит к числу тех явлений евпропейской культуры, которые не только овеяны мировой славой, но и обрели особое значение - высших ориентиров в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков его искусство воспринимается как один из образцов эстетического совершенства.

Гений Рафаэля раскрылся в живописи, графике, архитектуре. Произведения Рафаэля являют собой самое полное, яркое выражение классической линии, классического начала в искусстве Высокого Возрождения. Рафаэлем был создан «универсальный образ» прекрасного человека, совершенного физически и духовно, воплощено представление о гармонической красоте бытия.

Рафаэль (точнее, Рафаэлло Санти) родился 6 апреля 1483 года в городе Урбино. Первые уроки живописи он получил у отца, Джованни Санти. Когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни Санти умер и мальчик остался сиротой (маль он потерял за 3 года до кончины отца). По-видимому, в течение последующих 5-6 лет он обучался живописи у Эванджелиста ди Пьяндимелето и Тимотео Вити, второстепенных провинциальных мастеров.

Духовная среда, с детства окружавшая Рафаэля, была чрезвычайно благотворной. Отец Рафаэля был придворным художником и поэтом герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро. Мастер скромного дарования, но человек образованный, он привил сыну любовь к искусству.

Первые известные нам произведения Рафаэля исполнены около 1500 - 1502 годов, когда ему было 17-19 лет. Это миниатюрные по размерам композиции «Три грации», «Сон рыцаря». Эти простодушные, еще ученически робкие вещи отмечены тонкой поэтичностью и искренностью чувства. С первых же шагов творчества дарования Рафаэля раскрывается во всем своеобразии, намечается его собственная художественная тема.

К лучшим работам раннего периода принадлежит «Мадонна Конестабиле». Лирическому таланту Рафаэля тема мадонны особенно близка, и не случайно она станет одной из главных в его искусстве. Композиции, изображающие мадонну с младенцем, принесли Рафаэлю широкую известность и популярность. На смену хрупким, кротким, мечтательным мадоннам умбрийского периода пришли образы более земные, полнокровные, их внутренний мир стал более сложным, богатым по эмоциональным оттенкам. Рафаэль создал новый тип изображения мадонны с младенцем - монументальный, строгий и лиричный одновременно, придал этой теме невиданную значительность.

Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509-1517), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величества архитектурных фонов. Много изображения богоматери («Сикстинская мадонна», 1515-19), художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514-18) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками). В портретах создает идеальный образ человека Возрождения («Бальдассаре Кастильоне»,1515). Проектировал собор св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-20) в Риме.

Живопись Рафаэля, ее стиль, ее эстетические принципы отрадажали мировозрение эпохи. К третьему десятелетию 16 века культурная и духовная ситуация в Италии изменилась. Историческая действительность разрушала иллюзии ранессансного гуманизма. Возрождение подходило к концу.

Жизнь Рафаэля оборвалась неожиданно в возрасте 37 лет 6 апреля 1520 года. Великому художнику были оказаны высшие почести: прах его был погребен в Пантеоне. Гордостью Италии Рафаэль был для современников и остался ею для потомков.

Микеланджело Буонарроти

Среди полубогов и титанов Высокого Возрождения Микеланджело занимает Особое место. Как творец нового искусства, он заслуживает названия Прометея 16 века

Тайно изучая анатомию в монастыре Сан Спирито, художник похитил у природы священный огонь правдивого творчества. Его страдания — страдания скованного Прометея. Его характер, его неистовое творчество и вдохновение, его протест против рабства тела и духа, его стремление к свободе напоминают библейских пророков. Подобно им он был бескорыстен, независим в отношениях с сильными мира сего, добр и снисходителен к слабым. Непримиримый и гордый, мрачный и суровый, он воплотил в себе все муки возрожденного человека—его борьбу, страдание, протест, неудовлетворенные стремления, разлад идеала и действительности.Микеланджело был художником иного склада. Нежели его великие современники—Леонардо и Рафаэль. Его скульптуры и архитектурные творения строги, можно сказать, суровы, как и его духовный мир, и только пронизывающие его произведения, захватывающие дыхание величие и монументальность заставляют забыть об этой суровости. Душевный мир Микеланджело был омрачен не только грустным одиночеством его личной жизни, но и разыгравшейся на его глазах трагедией, постигшей его город, его родину. Ему пришлось выстрадать до конца то, до чего не дожили Леонардо, Рафаэль, Макиавелли: увидеть, как Флоренция из свободной республики превратилась в герцогство Медичи. Когда Микеланджело создавал бюст тираноубийцы Брута, то убийцу Цезаря он наделил некоторыми своими чертами, как бы отождествляя себя с древним борцом за свободу. Он ненавидел Медичи, а ему, как и одинаково с ним мыслящему Макиавелли, пришлось служить кистью и резцом двум папам из рода Медичи. Однако в ранней юности он испытал сильнейшее влияние атмосферы двора Лоренцо Великолепного. Вместе с другом своим Граначчи он ходил в сады знаменитой виллы Кареджи изучать и копировать античные статуи.

Леонардо Да Винчи

В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И, тем не менее, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает будоражить умы людей.

Леонардо Да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи: недалеко от Флоренции; он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастерскую Андреа Верроккьо. В картине учителя «Крещение Христа» фигура одухотворенного белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо.

Среди его ранних работ картина «Мадонна с цветком» (1472 г.). В отличие от мастеров XY в. Леонардо отказывался от повествовательности, использования деталей, которые отвлекают внимание зрителя, насыщенного изображениями фона. Картина воспринимается как простая, безыскусная сцена радостного материнства юной Марии.

Леонардо много экспериментировал в поисках различных составов красок, он одним из первых в Италии перешел от темперы к живописи маслом. «Мадонна с цветком» исполнена именно в этой, тогда еще редкой, технике.

Работая во Флоренции, Леонардо не находил применения своим силам ни как ученый-инженер: ни как живописец: изысканная утонченность культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи остались ему глубоко чуждыми.

Около 1482 г. Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро. Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротехнических работ и только потом как живописца и скульптора. Однако первый миланский период творчества Леонардо (1482-1499 гг.) оказался наиболее плодотворным. Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине.

Не все грандиозные замыслы, в том числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить. Выполнение конной статуи Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро: продолжалось более десяти лет, но она так и не была отлита в бронзе. Глиняная модель монумента в натуральную величину, установленная в одном из дворов герцогского замка, была уничтожена французскими войсками, захватившими Милан.

Это единственное крупное скульптурное произведение Леонардо да Винчи получило высокую оценку современников.

До нашего времени дошли живописные картины Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала «Мадонна в гроте» (1483-1494 г.г.). Живописец отошел от традиций XY столетия: в религиозных картинах которого преобладало торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: женственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопрекосновенный ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди темных базальтовых скал с просветом в глубине - типичный для Леонардо пейзаж в целом фантастически таинственный. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Деонардо называли сфумато.

22. Возрожде́ние, или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века.Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета: например, Каролингское Возрождение IX века.Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма — общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканьи и др.), но где оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.Раннее ВозрождениеПериод так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия, не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.Высокое ВозрождениеВторой период Возрождения — время самого пышного развития его стиля — принято называть «Высоким Возрождением», оно простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 год. В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II, человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших артистов Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках, Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём создаётся множество монументальных зданий, исполняются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся перлами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства.Позднее ВозрождениеТретий период Возрождения, так называемый период «позднего Ренессанса», отличается каким-то страстным, беспокойным стремлением художников совсем произвольно, без разумной последовательности, разрабатывать и комбинировать античные мотивы, добиваться мнимой живописности утрировкой и вычурностью форм. Признаки этого стремления, породившего стиль барокко, а затем, в XVIII столетии, стиль рококо, выказывались ещё в предшествовавшем периоде в значительной степени по невольной вине великого Микеланджело, своим гениальным, но слишком субъективным творчеством давшего опасный пример крайне свободного отношения к принципам и формам античного искусства; но теперь направление это делается всеобщим.

Дата добавления: 2015-08-29