Художественное течение Романтизма в ИЗО и театральном иск-ве Зап. Европы. Романтизм – направление в искусстве, сформировавшееся в рамках общелитературного течения на рубеже 18–19 вв. в Германии. Получил распространение во всех странах Европы и Америки. Центр художественной системы романтизма – личность, а его главный конфликт – личности и общества. Решающей предпосылкой развития романтизма стали события Великой французской революции. Появление романтизма связано с антипросветительским движением. Романтизм стал первым художественным направлением, в котором со всей определённостью проявилось осознание творческой личности как субъекта художественной деятельности. Привлекательными для романтиков становятся фантастика, народные музыка, поэзия, сказания. Для романтизма свойственно утверждение свободы, суверенности личности, повышенное внимание к единичному, неповторимому в человеке, культ индивидуального. Мировоззрение романтизма: человеческое бытие богаче, романтизм уравнивает сословия. Отказ от реальной действительности:1) уход в себя (мир фантазий и грез);2) уход в прошлое (культ дамы сердца, рыцарские достижения);3) экзотика (то, что не похоже на реальность, то, что представлено сказкой);4) бегство в природу;5) вездесущность человеческого воображения (фантазия переносит в различные страны);6) самопостижение, самооткрытие и самопознание. Интерес к фольклору, переработка фольклорных произведений, создание собственных произведений на основе народного творчества. Развитие жанров исторического романа, фантастической повести, лиро-эпической поэмы, баллады – заслуга романтиков. Pромантизм в театре. Романтизм возник как протест против классицистской трагедии. Истоком романтизма в театре принято считать эстетическое движение «Бури и натиска», яркими представителями которого были Шиллер (Разбойники, Заговор Фиеско в Генуе, Коварство и любовь) и Гете. Романтизм оказал огромное влияние на развитие актерского искусства: впервые в истории основой создания роли стал психологизм. На смену рационально выверенной актерской манере классицизма пришла бурная эмоциональность, яркая драматическая экспрессия, многогранность и противоречивость психологической разработки характеров. Сопереживание вернулось в зрительные залы; кумирами публики стали крупнейшие драматические актеры-романтики: Кин; Девриент, Дорваль и Леметр; Ристори; Форрест и Кашмен; Мочалов. Романтизм обогатил и палитру постановочно-выразительных средств театра. Впервые принципы искусства художника, композитора, декоратора начали рассматриваться в контексте эмоционального воздействия на зрителя, выявления динамики действия. Романтизм в ИЗО. Были сильны традиции классицизма, поэтому позднее всего принялся. Романтическая живопись во Франции возникает как оппозиция классицистической школе Давида, академическому искусству, именуемому «школой» в целом.Французские художники реформируют живописно-выразительные средства: динамизируют композицию, объединяя формы бурным движением, используют яркий насыщенный колорит, основанный на контрастах света и тени, тёплых и холодных тонов, прибегают к сверкающей и лёгкой, нередко обобщённой манере письма. В творчестве основателя романтической школы Жерико, впервые во французском искусстве выражены протест против окружающей действительности и желание откликнуться на исключительные события современности, которые в его произведениях воплощают трагическую судьбу современной Франции. В 1820-х гг. признанным главой романтической школы стал Э. Делакруа. Ощущение сопричастности к великим историческим событиям, изменяющим лицо мира, обращение к кульминационным, драматически острым темам породили пафос и драматический накал его лучших произведений. Картина “Свобода на баррикадах” закрепила победу романтизма во французской живописи. В портрете главным для романтиков стало выявление ярких характеров, напряжения духовной жизни, мимолётного движения человеческих чувств; в пейзаже — восхищение мощью природы, одухотворённой стихией мироздания. Для графики французского романтизма показательно создание новых, массовых форм в литографии и книжной ксилографии. Ранний немецкий романтизм, которому свойственны пристальное внимание ко всему остроиндивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, мистико-пантеистического настроения, связан главным образом с поисками в области портрета и аллегорических композиций (Ф. О. Руте), а также пейзажа (К. Д. Фридрих, Й. А. Кох). Германия одна из первых стран, в изобразительном искусстве которой сложился романтизм. Портрет и пейзаж прежде всего откликаются на новые веяния в искусстве. Филипп Отто Рунге, живописец, график, теоретик искусства, в своих портретах монументализирует образы обыкновенных людей, одновременно стараясь проникнуть в тонкую душевную, внутреннюю жизнь своих моделей [автопортрет с невестой и братом, портреты жены, родителей, автопортреты]. В Великобритании в 1-й половине 19 в. некоторой близостью к французскому романтизму и вместе с тем самобытностью, ярко выраженной реалистических тенденцией отмечены пейзажи Дж. Констебла и Р. Бонингтона, романтической фантастикой и поисками свежих выразительных средств — пейзажи У. Тёрнера. Фантастический мир снов реализует в своих работах английский художник-романтик Уильям Блейк. Англия была классической страной романтической литературы. Основной чертой английской живописи всегда был интерес к человеческой личности, позволивший плодотворно развиваться жанру портрета.
Искусство как язык. Искусство — образное осмысление действительности; процесс или итог выражения внутреннего или внешнего мира творца в (художественном) образе. Искусство (наряду с наукой) — один из способов познания, как в естественнонаучной, так и в религиозной картине восприятия мира. Понятие искусства крайне широко — оно может проявляться как чрезвычайно развитое мастерство в какой-то определённой области. Долгое время искусством считался вид культурной деятельности, удовлетворяющий любовь человека к прекрасному. Вместе с эволюцией социальных эстетических норм и оценок искусством получила право называться любая деятельность, направленная на создание эстетически-выразительных форм. Термин искусство может употребляться в разных смыслах: процесс использования таланта, произведение одаренного мастера, потребление произведений искусства аудиторией, а также изучение искусства (искусствоведение). «Изящные искусства» — это набор дисциплин (искусств), продуцирующих произведения искусства (объекты), созданные одаренными мастерами (искусство как деятельность) и вызывающие отклик, настроение, передающие символику и иную информацию публике (искусство как потребление). Искусство стимулирует мысли, чувства, представления и идеи через ощущения. Оно выражает идеи, принимает самые разные формы и служит многим разным целям. Искусство — это умение, которое способно вызвать восхищение. Классификация. Искусства могут быть классифицированы по разным критериям. Неизобразительные искусства по типу выражения и восприятия делятся на музыкальные, танцевальные и литературные, также возможны смешанные виды. По динамике искусства можно разделить на пространственные и временные. Искусства можно делить по жанрам и стилям (драма, трагедия, комедия, фарс). Также есть: пространственное (ИЗО, архитектура, ДПИ, дизайн), временное (литература, музыка), пространственно-временное (танец, театр). Функции искусства в социуме: 1)эстетическая; 2)гедонистическая (как способность получать удовольствие от источника разнообразных эмоций); 3)рекреационная (восстановление сил); 4)коммуникативная (способность создавать пространство общения); 5)когнитивная (помогает в познании мира); 6)воспитательная; 7)развивающая; 8)реабилитационная; 9)прогностическая; 10)креативная. Композиция произведения. Композиция (от лат. - составление - связывание): 1) построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером, назначением и во многом определяющее его восприятие. Композиция - важнейший, организующий элемент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его компоненты друг другу и целому. В художественной литературе композиция - мотивированное расположение компонентов литературного произведения; компонентом (единицей композиции) считают "отрезок" произведения, в котором сохраняется один способ изображения (характеристика, диалог и т. д.) или единая точка зрения (автора, рассказчика, одного из героев) на изображаемое. Взаиморасположение и взаимодействие этих "отрезков" образуют композиционное единство произведения. Композицию часто отождествляют как с сюжетом, системой образов, так и со структурой художественного произведения (иногда синонимами понятий композиция и структура служат слова: архитектоника, построение, конструкция). 2)музыкальное, живописное, скульптурное или графическое произведение. 3) Произведение, включающее различные виды искусств (напр., литературно-музыкальная композиция) или составленное из различных произведений и отрывков. Под композицией произведения в широком смысле этого слова следует понимать совокупность приемов, использованных автором для «устроения» своего произведения, приемов, создающих общий рисунок этого последнего, распорядок отдельных его частей, переходов между ними и т. п. Сущность композиционных приемов сводится таким образом к созданию некоторого сложного единства, сложного целого и значение их определяется той ролью, которую они играют на фоне этого целого в соподчинении его частей. Из основных видов композиции, наравне с названным ораторским, можно назвать композицию повествовательную, описательную, изъяснительную. Композиция – организация объектов или предметов в 2-х или 3-х мерном пространстве. Виды: 1)по количеству предметов; 2)по динамическому признаку (статичная, динамичная); 3)по геометрическому признаку (диагональная, вертикальная, горизонтальная); 4)по центричности (центричная, центробежная). Художественное время и художественное пространство — важнейшие характеристики худож. образа, организующие композицию произв. и обеспечивающие его восприятие как целостной и самобытной художественной действительности. В иск-вах всех видов — как в динамических, так и в статических (или в «мусических» и «пластических», временны́х и пространственных) — худож. образ произв. в известном смысле наделен и временны́м, и пространств. бытием: взятый как сосредоточ. целое, схватываемое единым синтетич. актом восприятия. Тем не менее деление иск-в на пространственные и временные сохраняет принципиальное значение. В статич. иск-вах неподвижный образ целого предшествует его временно́й развертке в ходе восприятия. В динамич. иск-вах образ целого — итог мысленной интеграции всех необратимых моментов развертывания. В статич. иск-вах нет элементов ожидания, «незнания конца», «изготовки и разрешения» Ю. Н. Тынянов), зато в динамич. иск-вах нет движения в произвольных направлениях, возвращения вспять.
Советское искусствоведение: основная тематика исследований и ведущие представители. Бори́с Аса́фьев (И́горь Гле́бов; — русский советский композитор, музыковед, музыкальный критик, один из основоположников советского музыковедения. С 1921 педагог по истории и теории музыки. Асафьев был одним из основателей в 1926 г. Ленинградского отделения Ассоциации современной музыки, продвигавшей новейшие сочинения мировых и советских композиторов. В рамках концертов, организованных отделением, звучали произведения композиторов Новой Венской школы, «Шестёрки», а также Прокофьева и Стравинского. Активно изучая творчество последнего, Асафьев в 1929 г. написал первую в истории книгу об этом композиторе на русском языке. Он также оказал значительное влияние на обновление репертуара ленинградских оперных театров. В 1924—1928 были поставлены «Саломея» Штрауса, «Воццек» Берга, «Прыжок через тень» Кшенека и другие новейшие оперы. С 1914 г. статьи Асафьева регулярно появлялись в ведущих музыкальных изданиях того времени — «Музыка», «Музыкальный современник», «Жизнь искусства», «Красная газета». Наиболее продуктивным оказался период 1919—1928 гг., когда Асафьев определил основную сферу своих музыковедческих интересов: русское классическое наследие и музыка современных авторов. В 30-е г. Асафьев переключается на композицию и создаёт свои самые известные сочинения — балеты «Пламя Парижа», «Бахчисарайский фонтан» и «Утраченные иллюзии, а также симфонические сочинения. В начале 40-х он возвращается к исследовательской работе, продолжает трудиться во время ленинградской блокады. Композиторское творчество Асафьева включает 28 балетов, 11 опер, 4 симфонии, большое количество романсов и камерных инстр. произв., музыку ко мн. драматич. спектаклям. Им была завершена инструментовка по авторским рукописям опера Мусоргского «Хованщина», сделана новая редакция оперы Серова «Вражья сила». Ива́н Соллерти́нский — российский советский музыковед, театральный и музыкальный критик. Выступал как лектор и критик-публицист по различным вопросам искусства, эстэтики, психологии. Автор статей ро западно-европейской музыкальной классике, хореографии, театральному искусству, литературе, а также по советский и современной зарубежной музыке. Обращался к проблемам классического музыкального наследства (западно-европейского и русского), уделял внимание вопросам симфонизма, оперной и балетной драматургии, откликался на события советской музыкальной культуры. Активно участвовал в становлении сов. оперы и балета. Сыграл важную роль в музыкальной жизни Ленинграда 20-30-х гг. Одной из основных сфер интересов Соллертинского был балет, этому искусству посвящено большое количество его работ в 30-е г. Соллертинский одним из первых в СССР детально исследовал творчество Малера и Шёнберга, написал ряд монографий о советских и зарубежных композиторах, многочисленные статьи в советских газетах и журналах. Тамара Ливанова – сов. музыковед, доктор искусствоведения. Автор многих исследований, охватывающих широкий круг научной проблематики: от истории древне-русской музыкальной культуры, рус. классической музыки и зап.-европ. муз. искусства до творчества сов. композиторов, вопросов муз. критики и библиографии, связей музыки с литературой, театром и бытом. Ей принадлежат мн. статьи в сов. и заруб. Научн. Сб-ках, журналах, а также вступит. Статьи, комментарии. Редактор мн. книг и сборников. Константин Станиславский -русский театральный режиссёр, актёр и педагог, реформатор театра. Создатель знаменитой актёрской системы. В 1888 г. стал одним из основателей Московского общества искусства и литературы. В 1898 г. вместе с Немировичем-Данченко основал Московский Художественный театр. Деятельность Станиславского оказала значительное влияние на русский и мировой театр 20в. Впервые утвердил на русской сцене принципы режиссерского театра (единство художественного замысла, подчиняющего себе все элементы спектакля; целостность актерского ансамбля; психологическую обусловленность мизансцен). Добивался создания поэтической атмосферы спектакля, передачи «настроенния» каждого эпизода, жизненной достоверности образов, подлинности актерского переживания. Поставил пьесы: Чехова, где сыграл роли: Тригорин («Чайка»), Вершинин («Три сестры»), Гаев («Вишневый сад»); Горького – Сатин («На дне»); Тургенева – Ракитин («Месяц в деревне»). Фантазия Станиславского ярко проявилась в постановках: «Синяя птица» Метерлинка, «Хозяйка гостиницы» Гольдони, «Горячее сердце» Островского. Разработал методологию актерского творчества, технику органичного перевоплощения в образ («система Станиславского»). Играл во многих спектаклях театра. Работал и в области музыкального театра. С 1918 возглавлял Оперную студию Большого театра. Анато́лий Э́фрос — советский режиссёр театра и кино, педагог. Первой самостоятельной постановкой стал спектакль «Прага остаётся моей» в Центральном доме культуры железнодорожников в 1951 г. На профессиональной сцене дебютировал в том же году спектаклем «Приезжайте в Звонковое» по пьесе Корнейчука в Московском областном драматическом театре им. Островского. С 1954 режиссер Центрального детского театра, с 1963 главный режиссер Московского театра им. Ленинского комсомола, с 1967 режиссер Московского драматического театра на Малой Бронной, с 1984 главный режиссер Московского театра на Таганке. Благодаря точному режиссерскому расчету в спектаклях Эфроса складывалась особая система «психофизического взаимодействия» актеров. Постановки: «В добрый час!» Розова, «Три сестры» Чехова, «Дон Жуан» Мольера, «Женитьба» Гоголя, «На дне» Горького, «Мизантроп» Мольера. Автор книг о театре. Работал в кино («Двое в степи», «В четверг и больше никогда»), на радио и ТВ («Всего несколько слов в честь господина Мольера», «Страницы журнала Печорина»).
Киноискусство Испании 2-й пол.XXв.(2). (впервые представляется политическая аллегория). В полнометражном кино дебютировал лентой «Бродяги», которая проложила в испанский кинематограф дорогу неореализму. Саура нашёл свой жанр — жанр притчи. Творчество Сауры – это поиск архетипа испанской души. Поэтому герои его лент олицетворяют не индивидуальный, а национальный характер и темперамент. У Сауры было стремление к символизму «Анна и волки» (мать-образ Испании, сыновья-милитаризм, религиозность, несвобода). 70-80-е пробует работать в других жанрах => настоящим явлением в мировом кинематографе стала «балетная кинотрилогия», поставленная вместе с уникальным Гадесом: «Кровавая свадьба», «Кармен», «Колдовская любовь». В середине 80-х гг. новое поколение испанских режиссёров –"дети Movida" – приняли эстафету в испанском кино. Их сообщество сложилось под влиянием поп-культуры и выдвинуло нового лидера: Альмодовара. Но испанское кино в центре своей галактики по-прежнему сохраняет имя Бунюэля. Бунюэль -испанский режиссёр, один из известнейших представителей сюрреализма в кинематографе. Его кинематографическая карьера началась в 20-е г. В 1925 приехал в Париж, где совместно с Дали снял фильм «Андалузский пес» и «Золотой век». С этими картинами в его творчестве утвердился образный мир сюрреалистических снов. Далее «Урды. Земля без хлеба», одновременно эта документальная картина стала рубежом, перешагнув который Бунюэль "замолчал" на пятнадцать лет. С 1947 мексиканский период – «Большое казино». Теперь его фильмы, утратив дух юношеского бунтарства, были направлены на разоблачение "злобной и безобразной человеческой фальши". С 1964 французский период – «Дневник горничной», «Дневная красавица», «Скромное обаяние буржуазии», «Призрак свободы», «Этот смутный объект желания». Лицемерие человеческих отношений – главная тема режиссера. Излюбленные мотивы: социальные (армия, терроризм), психологические (тайное желание, ощущение смерти, сны, таинственное содержание объемных предметов). Его книга «Мой последний вздох». Киноискусство Польши 2-й пол.XXв. В Польше кино считалось низким искусством вплоть до 1939 г., хотя собственное кинопроизводство в стране сформировалось в начале XX в. Первые фильмы вышли на экран в 1948 г.: "Последний этап" (Якубовска), "Непокоренный город" (Зажицки), "Пограничная улица" (Форд). В них отразилась судьба народа, пережившего ужасы гитлеризма. Художественная природа этих произведений формировалась на принципах документализма: сюжеты основывались на реальных событиях, хроника определяла изобразительную стилистику. 1-й игровой фильм в послевоенный период: «Запрещенные песенки» (Бычковский). Период расцвета польского кино 2-я половина 50-60-х. В 1955 г. дебютировали выпускники киношколы в Лодзи. Первым фильмом нового направления стала лента Вайды "Поколение". Вайда -польский режиссёр театра и кино. Окончив в 1954 году киношколу, дебютировал картиной «Поколение», которая положила начало Польской школе кинематографа. В годы учебы Вайда снял 3 короткометражных фильма - "Злой мальчик" по рассказу Чехова, "Когда ты спишь" и "Ильжецкая керамика". Мировую славу Вайде принёс фильм «Канал». Немалое место в творчестве режиссёра занимают экранизации литературной классики, как польской, так и мировой — «Свадьба», «Сибирская леди Макбет», «Бесы». Заметный общественный резонанс вызвало творчество Вайды в конце 70-х — начале 80-х, когда он снял такие фильмы, как «Человек из мрамора», «Без анестезии», «Человек из железа», «Дантон»( новое явление - «кино расчета» - фильмы в которых выраз. недовольство политическим строем в стране ). Вайда стал одним из первых жёстких критиков сталинизма из числа кинематографистов социалистических стран. Вайда - признанный классик мирового кино. Кроме того, Вайда занимался теорией кино. Его статьи «Композиция образа в звуковых фильмах Эйзенштейна», «Об использовании традиций живописи в киноискусстве» открыли новые пути развития польского кинематографа.Другим лидером "школы польского фильма" в 50-е гг. был Мунк, работавший в стиле провокационного гротеска. В начале 60-х гг. в в "школе польского фильма" наступает период "новой волны". На экранах появляются фильмы молодых режиссеров, которые не были связаны с войной личной памятью, но также искали правду о себе, анализируя моральные проблемы "реального социализма" на основе текущей жизни. Однако в стране наступало политическое "похолодание", в кинематографе усиливалась цензура, "неправильные" с идеологической точки зрения фильмы отправлялись на полку. В 1967 г. Сколимовски снял картину "Руки вверх!", которая открыла новое направление - "кино расчета". Следующий фильм такого рода появился лишь в 1976 г. Это была лента Вайды "Человек из мрамора". "Кино расчета" - это реакция на интеллектуальный, духовный и моральный кризис эпохи сталинизма. Режиссеры в своих фильмах рассчитываются с прошлым, обращаясь к замалчиваемым фактам и событиям близкой истории 40-50-х г. Для кинематографа расчета характерна формула политического фильма. На рубеже 60-70-х г. очередное молодое поколение польских режиссеров снова обратилось к кардинальным социально-политическим проблемам, обогатив их психологической и философской проблематикой. Новая фаза эволюции польского кино характеризовалась появлением нового течения - "кино морального неспокоя", которое сигнализировало о нарастании противоречий и даже несовместимости жизни отдельного человека и общества: "Шанс" (Фальк), "Провинциальные актеры" (Холланд), "Структура кристалла" (Занусси), "Кинолюбитель" (Кесьлевски).70-е г. были периодом дальнейшего развития производства телевизионных фильмов и сериалов, в частности были выпущены: историко-приключенческий цикл «Чёрные тучи», социальная комедия с элементами драмы «Карьера Никодима Дызмы», сериал «Земля обетованная». В настоящее время кинопроизводство в Польше организовано так же, как в большинстве западноевропейских стран. Кесьлевский -польский режиссёр и кинодраматург. В своих ранних документальных фильмах Кесьлёвский сосредоточился на повседневной жизни горожан, рабочих и солдат. Заметный переход творчества режиссера к синтезу парадокументальной поэтики и более метафорической драматургии начинается в картине «Кинолюбитель», сделавшей его имя известным и за пределами Польши. Советское киноискусство 1-й пал.XX века. (2). Индивидуализированного персонажа. В своей экранной трилогии-«Мать», «Конец Санкт-Петербурга», «Потомок Чингис-хана»-он рассматривает одну и ту же тему: как революция трансформирует жизнь человека. Его теоретическая статья «Время в кинематографе» о взаимоотношениях между кино и музыкой. Поиском «абсолютно новой» формы были одержимы молодые ленинградские режиссеры, объединившиеся в группу ФЭКС (Фабрика Эксцентричного Актера). В 1992 они обнародовали свой манифест «Эксцентризм», где изложили 5 основных принципов, базировавшихся, соответственно на 5 отрицаниях: отрицание прошлого, старого, неподвижного; отрицание высокой («буржуазной») культуры и всяческих авторитетов. Т.о., в ФЭКС провозгласили главными эстетическими принципами кино, клоунаду, спонтанность, карнавализацию (в 1924 1-й фильм «Похождение Октябрины»). Козинцев -русский советский режиссёр, сценарист, педагог. В августе 1927 Козинцев начинает преподавать в Ленинградском институте сценических искусств, в который влилась киномастерская ФЭКС. Перед самой войной Козинцев выпускает в Большом драматическом театре имени Горького «Короля Лира», а в 1944 в Пушкинском — «Отелло». В начале 50-х г Козинцев перестал быть кинематографическим служащим и стал театральным «договорником». Он автор монографии «Глубокий экран». Тра́уберг — советский кинорежиссёр и сценарист. В декабре 1921 г. совместно с Козинцевым и Крыжицким написал «Манифест эксцентричного театра». В 1922 г. Козинцев и Трауберг организовали Театральную мастерскую «Фабрика эксцентрического актёра», и в том же году поставили в ней эксцентрическую переработку «Женитьбы» Гоголя. За два года они поставили ещё 3 спектакля по собственным пьесам, а в 1924 г перенесли свои эксперименты в области эксцентрической комедии в кино, преобразовав театральную мастерскую в Киномастерскую «ФЭКС». Первый полнометражный фильм Козинцева и Трауберга — романтическая мелодрама «Чёртово колесо». Юткевич – Советский режиссер театра и кино, художник, педагог, теоретик кино. В 1922 вместе с Козинцевым, Траубергом и Крыжицким выпустил манифест «Эксцентризм», ставший теоретической платформой Фабрики эксцентрического актера (ФЭКС). С 1926 он становится руководителем собственного Экспериментального киноколлектива (ЭККЮ), одновременно работая художником как в театре, так и в кино. В 1928 году С. Юткевич возглавил Первую киномастерскую на «Ленфильме» и руководил ею в течение десяти лет. В 1938 г., поставив картину «Человек с ружьём», режиссёр обратился к теме «ленинианы», ставшей ведущей в его творчестве — впоследствии им были сняты «Рассказы о Ленине», «Ленин в Польше», «Ленин в Париже». Значительным событием в мировом кинематографе стала его экранизация трагедии Шекспир «Отелло». В 1938—1944 гг. Юткевич был художественным руководителем студии «Союздетфильм», но помимо административной и режиссёрской деятельности занимался и преподаванием, и научно-искусствоведческой работой. Юткевич в эти и последующие годы как художник и режиссёр поставил около тридцати спектаклей на московских и ленинградских сценах. Наиболее заметные театральные работы Юткевича: «Баня», «Клоп», «Карьера Артуро Уи». Киноискусство Швеции. Основные худ. течения и ведущие представители. Становление шведской киношколы приходится на период с 1916 по 1924 г. и связано прежде всего с творчеством двух режиссеров — Шёстрёма и Штиллера. Шёстрём — шведский режиссёр и актёр, основатель классической шведской школы кинематографа, позволившей шведской кинематографии занять одно из лидирующих положений в мире в 1910-x-1920-х гг. Применил ряд нововведений в кинопроизводстве. Одним из первых шведских кинематографистов начал осваивать звук. Он искал худ. ресурсы кино в драматургии, сюжетосложении, заострении конфликта. Поэтому, естественно, он обратился к литературе Ибсена, Стриндберга. Однако режиссер не ограничивался заимствованием той или иной фабулы, а стремился найти экранное воплощение целостной образности первоисточника, воссоздать его специфическую атмосферу. Первым удачным опытом подобного рода стал фильм «Терье Виген». Следующая картина «Горный Эйвинд и его жена». Значительным художественным достижением стал фильм «Возница». Характерной стилистической особенностью режиссуры Шёстрёма является углубленный психологизм. Через длинные статичные планы он обнажал внутренний мир персонажей, открывал их немую драму. Творчество Шёстрёма оказало значительное влияние на последующие поколения шведских кинематографистов, в том числе Бергмана. Стиллер – шведский актер, сценарист и режиссер немого кино. В 1912 г Стиллер начал работу в быстро развивающейся индустрии немого кино в Швеции, одновременно как сценарист, режиссёр (дебютировал фильмом «Мать и дочь») и актер короткометражных фильмов. Он активно оперировал монтажом, добиваясь напряженной динамики кадров. Будучи сторонником визуального фильма, он более свободно обращался с повествованием и сосредоточивался на изобразительно-пластическом языке. Экспрессивная мощь кинолент Штиллера («Песнь о багрово-красном цветке»; «Деньги господина Арне»; «Йоханн») отличалась от более строгих уравновешенных композиций Шёстрёма. Однако и в том и в другом случае фильмы полны национального своеобразия и картин скупой северной природы. Натура и декорация в шведских фильмах превратилась из пассивного фона в активный художественный элемент целостного экранного образа. Появилось течение фюртиотализма – течение протеста. Это проявилось как в литературе, так и в кино. Выступали против внутренней неустроенности. Но шведы не призывали ни к каким радикальным изменениям. Бергман – шведский реж. театра и кино, сценарист, писатель. вышел из фюртиотализма. Театральная стилистика довлеет на кинематографическую. С 1946 начал снимать и собственные фильмы. Мировое признание принесли его режиссёрские работы 50—60-х гг. — «Земляничная поляна», «Седьмая печать», «Улыбки летней ночи», «Причастие», «Молчание», «Персона». Фюртиоталистический период – чувство пессимизма и бунтарский дух («Тюрьма», «Лето с Моникой»). Активно Телевидение как вид экранного искусства (2). время — это субъективная протяженность фильма, которая отражает степень увлеченности зрителя просмотром и не может быть измерена; 3)художественное время — наиболее весомое и сложносоставное по своей природе, является феноменом эстетическим. ТВ создает исключительно цикловые передачи, рассчитанные на ту или иную регулярность появления в эфире. ТВ «реанимирует» текучесть времени, синхронизируя поток аудиовизуальной информации с календарным временем зрителя. ТВ оперирует реальным временем. Программность, цикличность, репортажность как базовые принципы экранного образа в телевидении. Импрессионизм во французском музыкальном искусстве кон. XIX-нач.XX в. В конце 80-х — 90-х г 19 в. во Франции возникло новое течение, получившее распространение в нач. 20 в., — импрессионизм. Музыкальный импрессионизм возродил определенные национальные традиции — стремление к конкретности, программности, изысканности стиля, прозрачности фактуры. Импрессионизм нашел наиболее полное выражение в музыке Дебюсси, сказался на творчестве Равеля, Дюка. Импрессионизм внес новшества и в область музыкальных жанров. В творчестве Дебюсси симфонические циклы уступают место симфоническим зарисовкам; в фортепианной музыке преобладают программные миниатюры. Морис Равель также испытал влияние эстетики импрессионизма. В его творчестве переплелись различные эстетико-стилистические тенденции — романтические, импрессионистические, а в поздних произведениях — тенденции неоклассцизма. Наряду с импрессионистическими тенденциями во французской музыке на рубеже 19-20 вв. продолжали развиваться традиции Сен-Санса, а также Франка, творчество которого характеризуется сочетанием классической ясности стиля с яркой романтической образностью. Музыкальный импрессионизм – направление, аналогичное импрессионизму в живописи и параллельное символизму в литературе, сложившееся во Франции в последнюю четверть XIX в – нач. XX в., прежде всего в творчестве Сати, Дебюсси и Равеля. Импрессионизм в музыке проявился прежде всего в стремлении передавать мимолетные впечатления, полутона, полутени. Эти устремления приводят к тому, что на первый план выдвигается звуковая красочность, большое внимание уделяется колориту, поискам необычайных оркестровых звучаний и гармоний. Свою музыку импрессионисты строят на игре музыкальных светотеней, на неуловимом «звуковом ощущении». Отказываясь от классической завершенности форм, композиторы-импрессионисты вместе с тем охотно обращаются к жанрам программной музыки, к народным танцевальным и песенным образам, в них они ищут пути обновления музыкального языка. Импрессионисты создавали произведения искусства утонченные и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. При этом сильно изменилась и трактовка музыкальных жанров. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало. Сильное влияние на творчество Дебюсси и Равеля оказало также и творчество самых ярких из представителей «Могучей кучки»: Мусоргского (в части музыкального языка и выразительных средств), а также Бородина и Римского-Корсакова (как в плане гармонических, так и оркестровых изысков). В особенности это касалось экзотических и ориентальных произведений. «Половецкие пляски» Бородина и «Шехеразада» Римского-Корсакова. Другая сфера музыкального импрессионизма – фантастика. Композиторы обращаются к образам античной мифологии, к средневековым легендам («Шесть античных эпиграфов», «Флейта Пана» для флейты соло Дебюсси). Они обратились к миру грез, к сверкающим звуковым пейзажам, открывая новые возможности поэтической звукописи, новые средства музыкальной выразительности. Основоположник музыкального импрессионизма — французский композитор, пианист и дирижёр Дебюсси. В его творчестве на первый план вышла гармония (а не мелодия), важная роль отводилась красочности звучания оркестра. Главными стали нюансы звучания, которые, как и в живописи, отражали оттенки настроений, чувств и впечатлений. Яркими образцами импрессионизма стали симфонические произведения Дебюсси — прелюдия «Послеполуденный отдых фавна», «Ноктюрны», «Море». Дебюсси много экспериментировал со звучанием различных инструментов и их сочетаниями. Недаром его называют мастером полутонов, на которых запечатлены пейзажи, движения облаков, переливы воды, сам воздух Франции. Единственная законченная опера Дебюсси — «Пеллеас и Мелизанда». Творчество французского композитора Равеля связано с импрессионизмом. Некоторые критики даже считали его подражателем Дебюсси, основоположника направления. Однако у Равеля импрессионизм получил самостоятельную трактовку. В период учёбы Равеля в Парижской консерватории сформировались его вкусы и взгляды. Большое влияние на композитора оказало творчество Ференца Листа, русских мастеров (Римского-Корсакова, Бородина), Дебюсси. Первые серьёзные произведения (пьесы для фортепиано, романсы) он написал, ещё будучи студентом. Большое место в творческом наследии Мориса Равеля принадлежит фортепианным произведениям. Одна из ранних пьес — «Игра воды» воссоздаёт излюбленный образ импрессионизма. Следующими важными работами в фортепианной музыке стали два цикла — «Отражения» и «Ночной Гаспар». Количество симфонических сочинений Равеля невелико («Испанская рапсодия», «Болеро»). Равель сочинял и для сцены («Дафнис и Хлоя»). Равель сделал переложение для оркестра фортепианного цикла Мусоргского «Картинки с выставки». Эта работа стала одним из высших достижений композитора.
Древнерусская музыкальная культура. Развивалась она, прежде всего, как вокальная музыка. Истоки ее в народной русской песне. В народной песне отражалась вся жизнь народа (труд, быт, вера). Из самых древних песен известны колыбельные, календарные песни (языческие песни, связанные со временем года – весенние песни). 9-12 в. – время Киевской Руси. В 988 г. Русь приняла христианство. Оно пришло из Византии. Зарождение профессиональной музыки тесно связано с Киевской Русью. Впервые появилась духовная музыка. Древнерусский церковный канон был заимствован прямиком из Византии. Церковная древнерусская музыка была монодична, т.е. основу ее составляли одноголосые распевы. Распевы подчинялись системе осмогласия («византийский столп»). Создателем системы осмогласия считают Иоанна Домаскина. Записей звуковысотного обозначения гласов в то время не существовало. Мелодию записывали с помощью системы особых знаков, которые указывали лишь направление мелодии. С византийским музыкальным каноном связана и особая эстетика-«ангельское пение». Поэтому яркой отличительной чертой музыки Др. Руси явился принцип акопелло. Однако не только церковная и народная древнерусская музыка получила широкое распространение, но также и светская древнерусская музыка, которая была распространена при дворе киевских князей. После ослабления Киева возвышается Владимиро-Суздальское княжество, перенявшее «эстафету» дальнейшего развития древнерусского певческого искусства. Образовалось 3 основных очага музыкальной культуры: 1) Народная песня. В народной песне есть связь с язычеством. Из народа выделялись талантливые люди – скоморохи. Они веселил народ, исполняя не только музыкальные номера, но и цирковые. Они подвергались гонению со стороны церкви. Церковь не одобряла инструментальную музыку. Она признавала только вокально-духовную музыку. 2) Княжеский двор. Здесь центральной фигурой был певец-сказитель, который сочинял и пел нараспев песни и былины о ратных подвигах князя и его дружины. Аккомпанировал он себе на гуслях. 3) Церковь. Это – самый важный очаг. Развивалась письменность, иконопись. Появился «знаменный распев» (11-17 вв.). Это – молитвы-песнопения, которые исполнял мужской хор унисон. По характеру – суровые напевы, имеющие плавную мелодию и узкий диапазон. Записывались эти распевы знаменами (знаками), некоторые из которых – крюки. Они не означали точной высоты, а только направление мелодии (вверх или вниз). Эти распевы сочиняли монахи-распевщики. Самые известные из них – Федор Крестьянин (одно из наиболее известных произведений – «Стихира»), Савва Рогов. Тексты сначала переводились с византийского. В 16 в. знаменные распевы писал сам Иван IV (грозный). В дальнейшем знаменный распев стал одним из источников русской музыкальной классики (Рахманинов, Мусоргский). В 12-15 вв. выделялось Новгородское княжество. Здесь музыкальное искусство несколько отличалось. Расцветало скоморошество (здесь оно не подвергалось гонению церкви). Слагались былины, но в них прославляли не подвиги князя, а ловкость, смекалку. Конец 14-го – 16 вв. – время Московской Руси. В это время правили Иван Калита, Дмитрий Донской, Иван Грозный (16 в.), который объединил Русь и взял у татар Казань. О взятии Казани складывали песни и былины. При дворе Ивана IV музыка получила большое развитие. Из-за границы он привез орган, клавикорды, создал «Хор государственных певчих дьяк». Это – время расцвета знаменного пения. Богослужения отличались пышностью. В это же время появилось первое русское многоголосие (знаменный распев – одноголосие). Стало появляться строчное пение – основной голос и голоса ниже и выше от основного голоса. Дьяк Иван Шайдуров ввел новую запись – «киноварные пометы», в которых уже фиксировалась высота звука. Запись стала более совершенной. В 17 в. знаменный распев исчез. 1613 г. – начало династии Романовых (Михаил). Складывается русская нация. Возникают народные бунты. Вся эта жизнь отразилась и в народных песнях – песни-вольницы, сатирические песни. Возник новый жанр – лирическая народная песня (лирическая протяжная). Это, прежде всего, песни о тяжелой женской доле (медленные, выразительные, страдальческие). Один из ярких примеров этого жанра – песня «Лучинушка». Развивалось русское многоголосие. Во многом это связано с тем, что к России присоединилась Украина, в которой сказывалось влияние польской католической музыки (хоральное пение). Развивалось «партесное пение» – пение по партиям. Высший жанр партесного пения – духовный хоровой концерт. Это – грандиозное хоровое произведение для многих голосов (аккордовое мышление). Обязательно должны были отсутствовать инструменты. Партесные концерты писал Василий Титов, Николай Бавыкин. В 17 в. возникли и новые светские жанры – канты и псалмы (отличие состояло только в тексте). В кантах – светский текст, а в псалмах – духовный текст. Канты были сильно распространены в 18 веке – в эпоху Петра I. Тогда появились панегирические канты (хвалебные) в честь побед Петра I. Они имели кварто-квинтовые интонации и были энергичные. Форма в них куплетная. Музыка Др. Руси – уникальное явление в истории музыки. Исполнителями древнерусской музыки были созданы оригинальные жанры (колокольный звон, былины, исторические, лирические песни), был расширен и обогащен византийский музыкальный канон, впитавший в себя своеобразие нац-го хар-ра. Церковная музыка стала прообразом профессиональной академической музыки и явилась необходимой для развития культуры Др. Руси в целом.
Реализм в белорусском ИЗО (2). представлены в творчестве Пэна. Его полотна «Часовщик», «Старый портной» выполнены в реалистической манере и отражают быт и традиции еврейского народа. Самым известным учеником Пэна был Шагал (1887—1985). Большое место в творчестве Шагала занимал родной Витебск с его еврейским местечковым бытом, который художник изображал в символическо-мистическом духе.
| Стиль Классицизма в ИЗО и театральном иск-ве Зап. Европы. Классицизм - художественный стиль европейского искусства XVII-XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу и опора на традиции высокого Возрождения. Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма. Художественным формам классицизма свойственны строгая организованность, уравновешенность, ясность и гармоничность образов. Для архитектуры классицизма характерны навеянные античными образцами ордерная система, четкость и геометрическая правильность объемов и планировки, выделяющиеся на глади стен портики, колонны, статуи, рельефы. Выдающимся шедевром архитектуры, соединившим классицизм и барокко в единый торжественный стиль, был дворцово-парковый ансамбль в Версале. В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Пуссен, Лоррен). Четкая разграниченность планов в пейзажах выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричневым, средний - зеленым, а дальний - голубым. Во второй половине XVIII в. живопись обращается к республиканским идеям античности, к образам мужественных борцов против тирании (Давид). Классицизм – стиль противопоставлений. Классицизм 17 в. проявил себя в основном во Франции и утверждался в противоборстве с барокко. Со второй пол. 17 в. французский классицизм вбирает в себя всё больше элементов барокко (Версаль, Ардуэн-Мансар, планировка парка – Ленотр). Самые выдающиеся классицистические живописцы – Пуссен и Лоррен связали свою жизнь и творчество с Римом. Пуссен интерпретирует античную историю как собрание героических подвигов; в поздний период в его картинах возросла роль эпически величественного пейзажа. Соотечественник Лоррен создавал идеальные пейзажи, в которых оживала мечта о золотом веке – эпохе счастливой гармонии человека и природы. Наиболее чистое выражение классицизм нашёл в произведениях Мартоса, создавшего высокие образцы классицизма в жанре надгробия. В XIX веке живопись классицизма вступает в полосу кризиса и становится силой, сдерживающей развитие искусства, причём не только во Франции, но и в других странах. На фоне активной общественной жизни получает мощные импульсы развитие культуры и искусства. Литература XVII в. прославлена именами Корнеля, Лафонтена, Расина, Перро, Мольера. В драматургии утверждается принцип единства места и времени действия. Наряду с итальянскими театральными труппами, гастролирующими по всей Европе, создаются национальные театры и складываются национальные театральные традиции во Франции, в Испании, в Англии. Рождение театра «Комеди Франсез» является одним из значительных событий XVII в. Театр французского классицизма ко второй половине XVII в. занял главенствующее место в мировом развитии европейского театрального искусства. Утверждение этого стиля связано с созданием классицистской трагедии Корнеля и Расина и высокой комедии Мольера. Жан Бати́ст Раси́н — французский драматург, один из трёх выдающихся драматургов Франции XVII в., наряду с Корнелем и Мольером, автор трагедий «Андромаха», «Британик», «Ифигения», «Федра». Главные требования стиля Классицизм в театральном искусстве. Единство места. Это требование предусматривает общее пространство для всех событий пьесы, то есть, смена декораций не допускалась; Единство времени. Все события в пьесе должны разворачиваться в примерно одинаковом временном промежутке. Произведение не должно выходить за рамки суток; Единство действия. Самое сложное и серьезное требование. В спектакле должна была присутствовать лишь одна сюжетная линия без побочных эпизодов. Она должна разыгрываться максимально последовательно – от завязки до развязки. К актерам было особое отношение. Классицистический артист на сцене действовал, играл, переживал, но не перевоплощался – он оставался самим собой во всех ролях. Поэтому актеров подбирали под отдельного героя спектакля, опираясь на физические и психические данные персонажей. Свое наиболее полное эстетическое обоснование классицизм получил в теоретической поэме Буало «Поэтическое искусство». Никола́ Буало́-Депрео́ — французский поэт, критик, теоретик классицизма. В поэме «Поэтическое искусство» сформулировал ряд догм и законов поэзии. Самое знаменитое сочинение Буало — поэма-трактат в четырёх песнях «Поэтическое искусство»— представляет собой подведение итогов эстетики классицизма. Буало исходит из убеждения, что в поэзии, как и в других сферах жизни, выше всего должен быть поставлен bon sens, разум или здравый смысл, которому должны подчиниться фантазия и чувство. Как по форме, так и по содержанию поэзия должна быть общепонятна, но лёгкость и доступность не должны переходить в пошлость и вульгарность, стиль должен быть изящен, высок, но в то же время прост и свободен от вычурности и трескучих выражений. Стиль Барокко в иск-ве Зап. Европы. Один из главенствующих стилей в европейской архитектуре и искусстве кон. 16—сер. 18 в. Барокко -от итальянского - жемчужина неправильной формы; У истоков традиции Б. в живописи стоят два великих итальянских художника - Караваджо и Карраччи, создавшие самые значительные работы в последнее десятилетие 16 в. - первое десятилетие 17 в. В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. В живописи большое значение приобретают эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, часто непринуждённая свобода мазка, в скульптуре — живописная текучесть формы. Для итальянской живописи конца 16 в. характерны неестественность и стилевая неопределённость. Караваджо и Карраччи своим искусством вернули ей цельность и выразительность. Б. способствовало созданию театральных эффектов, достигавшихся освещением, ложной перспективой и эффектными сценическими декорациями. Тяга Барокко искусства к масштабности. Характерно: нагруженность формы, орнаментальная декорировка пространства, нарастание массы к центральной части, заполнение ниш статуями. Усиление религиозной тематики, особенно тем, связанных с мученичеством, чудесами, видениями; Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини. Скульптура напоминает живопись, живопись - скульптуру. Характерен выбор сюжетов, связанных с Сюжет, персонаж и характер в художественном произведении. Сюжет — в литературе, драматургии, театре, кино и играх — ряд событий (последовательность сцен, актов), происходящих в художественном произведении (на сцене театра) и выстроенных для читателя (зрителя, игрока) по определённым правилам демонстрации. Сюжет — основа формы произведения. В предельно общем виде сюжет — это своего рода базовая схема произведения, в которую входит последовательность происходящих в произведении действий и совокупность существующих в нём отношений персонажей. Обычно сюжет включает в себя следующие элементы: экспозицию, завязку, развитие действия, кульминацию, развязку, пролог и эпилог. Элементы сюжета: Экспозиция — время, место действия, состав и взаимоотношения персонажей. Предзнаменование — намеки, которые предвещают дальнейшее развитие сюжета. Завязка — событие, которое провоцирует развитие конфликта. Конфликт — противостояние героев чему- или кому-либо. Нарастающее действие — череда событий, которая берет начало от конфликта. Кризис — конфликт достигает пика. Кульминация является результатом кризиса. Зачастую это самый интересный и значительный момент в произведении. Нисходящее действие — череда событий или действий героев, ведущая к развязке. Развязка — конфликт разрешается. Персона́ж — действующее лицо спектакля, кинофильма, книги, игры. Персонажем является любое лицо, персона, личность, или сущность, которые существуют в произведении искусства. Процесс подачи информации о персонажах в художественной литературе называется характеристикой. Персонажи могут быть полностью вымышленными или основанными на реальной, исторической основе. Персонажами могут быть люди, животные, сверхъестественное, мифическое, божественное или персонификации от абстракции. По степени индивидуализации и полноты изображения среди персонажей выделяют художественные характеры и типы. Хара́ктер худо́жественный - персонаж, в образе которого полно и многопланово представлена человеческая индивидуальность или её одушевлённое подобие. Персонаж-характер отличается своеобразием психологического облика. Художественный характер - образ человека в художественном произведении, представленный с достаточной полнотой, в единстве общего и индивидуального, объективного и субъективного. Характер: классицизм (в характере героя доминирует какая-либо одна черта), романтизм (исключительный характер, яркий, необычный), реализм (характер героя обусловлен социальной средой, окружающими обстоятельствами). Иконопись Беларуси XIV-XVIII вв. X–XII в. — под влиянием искусства Византии с приходом христианства развивается фресковая живопись, книжная миниатюра, мелкая пластика. Примером древне–белорусского искусства XII в. стал крест, сделанный Богшей для Полоцкой. К концу XVI в. сформировалась самобытная белорусская школа иконописи. В результате многочисленных войн и социально–политических потрясений большая часть белорусских икон утрачена. Сохранилось лишь несколько икон XV–XVI в.: "Богоматерь Одигитрия", "Богоматерь Одигитрия Смоленская", "Богоматерь Одигитрия Иерусалимская", "Параскева" и "Христос Вседержитель". Белорусские иконы отличаются своеобразным переосмыслением византийской иконографической стилистики, древнерусских и балканских, ренессансных и барочных идей. Для них характерно отражение естественных человеческих настроений (плач, радость, печаль), житейских ситуаций (рождение ребенка, похороны), местных пейзажей, архитектуры, интерьера, одежды, типажей крестьян, дворян, князей. По иконам можно изучать этнографические приметы сельского и городского уклада жизни. Искусству Беларуси XIV – XVI в. свойственен интерес к показу внутреннего мира личности, ее морального облика. В живописи этого времени наблюдается стремление к экспрессии, динамике, показу драматических ситуаций. Именно в XIV – XVI в. начинается формирование светских форм искусства. Кроме того художники обращались к скульптуре, писали иконы. Фресковыми росписями были украшены княжеские дворцы в Вильни, Троках, Киеве, Полоцке, церкви и костёлы. Эта живопись не сохранилась до наших дней, поэтому большую художественную и историческую ценность имеют росписи, выполненные белорусскими художниками на территории Польши. Среди них наиболее древними являются фрески часовни св. Троицы в Люблинском замке, кафедрального собора в Сандомире, капелл св. Креста и св. Троицы в Вавельском замке, созданные в кон. XIV в., в них изображены сюжеты Старого и Нового Завета Библии, показаны образы святых, пророков, мучеников. Значительным памятником монументальной живописи XV в. являются росписи часовни в Люблинском замке. Стены расписаны сюжетами Нового Завета: «Радуйся, царь Иудейский», «Бичевание», «Евхаристия», «Тайная вечера», «Моление о чаше». Все они создают выразительный рассказ о жизни Христа, Матери Божьей, апостолов. Фрески часовни отличаются характерной чертой: наличием портретных изображений. В XIV – XVI вв. Белорусская иконопись рассматриваемого периода находилась под сильным влиянием византийских, древнерусских традиций. Для белорусских икон XIV – XVI в. отличительной чертой является использование декоративно-пластических средств – резьбы и лепки по левкасу, раскраска фона, различных накладных элементов, покрытие живописной поверхности защитным лаком из яичного белка или смолы. Указанные особенности выделяют одно из первых известных сейчас произведений – икону «Матерь Божья Умиление» из Малориты.. Неизвестный художник, руководствуясь каноном изображения Матери Божьей и Христа, известной как «Умиление», смог придать образам убедительную жизненность. Начиная с XVI в. в иконописи возрастает суровость эмоционального строя с соответствующим пластическим решением. Изображения становятся более графическими, орнамент, фон, одежда приобретают чеканную форму. Цвет изображений приобретает подчеркнуто декоративный характер. Эти особенности характерны таким иконам, как «Матерь Божья Одигитрия Смоленская» из дубинца Столинского района, «Знамение», «Матерь Божья Одигитрия Смоленская» из десны Витебской области. С XVI в. в белорусской иконописи наблюдаются определенные сдвиги, связанные с воздействием идей Возрождения и маньеризма. Тэхніка напісання вобразаў беларускімі майстрамі мае свае адметныя рысы, якія фармаваліся паступова. У якасці асновы выкарыстоўваліся дошкі, часта хваёвыя, ліпавыя або дубовыя. Ад старажытнарускіх часоў ідзе традыцыя аздабляць абразы багата ўпрыгожанымі акладамі, асаблівага росквіту яна дасягнула ў XV—XVIII стагоддзях. Адметнай асаблівасцю беларускіх вобразаў 14-16 ст. з'яўляецца шырокае ўжыванне ва ўпрыгожванні дэкаратыўна-пластычных сродкаў і прыёмаў разьбы і нават лепкі па ляўкаснаму грунту, Советское искусствоведение: основная тематика исследований и ведущие представители (2). Всеволод Пудовкин – советский кинорежиссер, актер и теоретик кино, сценарист, художник, педагог. Один из основоположников советской кинематографии. Создал в 20-е гг. этапные для отечественного кино фильмы: «Мать», «Конец Санкт-Петербурга», «Потомок Чингисхана», в которых метафорическая поэтика сочеталась с реалистическим и психологическим исследованием характеров. Сеял также фильмы: «Минин и Пожарский», «Суворов», «Адмирал Нахимов», «Возвращение Василия Бортникова». Теоретические труды: «Кинорежиссер и киноматериал»; «Актер в фильме». Сергей Эйзенштейн – советский кинорежиссер, теоретик кино, педагог. Учился у Мейерхольда. В театральных постановках «Мудрец», «Слышишь, Москва» и «Противогазы» разработал новые принципы организации драматического действия, сближавшие сценическое искусство с цирком и эстрадой. Поиски современного кинематографического языка-открытие новых возможностей монтажа, ритма, крупного плана, ракурса – были осуществлены в снятой на «Мосфильме» серии картин: «Стачка», «Броненосец «Потемкин»», «Октябрь». Эйзенштейн добивался синтеза действия и изображения, слова и музыки. Для стиля Эйзенштейна характерны метафоричность, экспрессия, тяга к символической образности. В 30-х гг. работы его неоднократно подвегрались официальной идеологической критике; фильм «Бежин луг» был снят с производства. После патриотической картины «Александр Невский» поставил фильм «Иван Грозный». Творческое наследие Эйзенштейна, а также теоретические статьи, лекции, мемуары оказали воздействие на развитие мирового кинематографа. Экранное искусство в эпоху постмодернизма. ПОСТМОДЕРНИЗМ - это после-современность, состояния культуры общества 2-й пол. ХХ в., характеризующегося отрицание существования истины как чего-то непреложного и переоценкой ценностей. Многообразные видовые, жанровые, стилистические, семантические переплетения отличают поэтику постмодернистского кино. На смену распространенной в60—80-е гг. «авторскому кино» пришел термин «артхауз». Постановщики пытаются найти такие худ-ные приемы, такое «двуязычие», чтобы по средством своих фильмов наладить одновременную коммуникацию как с так называемым неискушенным зрителем, так и с «высоколобым» интеллектуалом. Среди режиссеров, которые избарали основой своей эстетики травестирование (обыгрывание) шаблонов массового кинематографа, следует назвать американцев Линча и Тарантино, а также испанца Альмодовара. Более интересен в своих лучших картинах («Женщины на грани нервного срыва», «Матадор», «Кика», «Все о моей матери») Альмодовар. В его фильмах сталкиваются, накладываются, взаимопроникают живописная форма и банальное содержание, пастиширование рекламы, моды, шоу-бизнеса, средств массовой информации и утонченное стилистическое цитирование классиков мирового киноискусства – Эйзенштейна, Бунюэля, Антониони. Альмодовар—мастер экранных коктелей, дешевые сюжеты в духе бульварной литературы он интерпретирует параллельно в нескольких жанрах,шокирующие аттракционные эпизоды наполняет сентиментальностью,а сюрреалистические эпизоды преподносит в духе испанской художественной традиции. Его фильмы об универсальных чувствах. Фильмы двукодовые, т.е. для массы и для элиты. Любит сверхкрупные планы. Любит пользоваться приемом травенстирования (переодевания). Герои Вонг Кар-Вая—«маленькие лбди», рядовые обыветели, блуждающие по лабиринту Мегаполиса. Гонконгский режиссер в своих кинолентах аккумулирует характерные интонации так называемого «экстаза коммуникации», когда не существует технических преград для виртуального соединений людей: близкие голоса, однако далекие жизни. Притягательность его кинолент в том, что все заканчивается, практически не начавшись. Фильмы в художественно полноценной форме воплощают «эстетику поверхности»-базовую концепцию искусства постмодерна («Когда текут слезы», «Дикие дни», «Чунгхинский экспресс», «Падшие ангелы», «Счастливы вместе»). Ларс фон Триер – датский режиссер, сценарист, актер и продюсер. В экранных произведениях фон Триера отчетливо слышны «отголоски» итальянского неореализма, «новой французской волны». Он применяет такие новаторские методы съемок, как имитация телерепортажа и эксперименты с цветной палитрой фильма. В 1995 выходит «Догма 95» - манифест, который диктует новые правила, по которым нужно снимать кино. Манифест «Догмы-95» опирается на базовый эстетический принцип ограничение художественных и технических ресурсов при создании фильма. Отсюда в лентах «догматов» феномен «любительской камеры», отсутствие спецэффектов, искусственного освещения и закадровой музыки («Идиоты»). В своих фильмах Триер предлагает всевозможные модели столкновения персонажа с незнакомым ему пространством («Самый главный босс», «Меланхолия», «Антихрист», «Пять препятствий», «Нимфоманка»). Экспрессионизм в музыкальном искусстве. На руб. XIX—XX ст. в европейской культуре сложилось новое художественное направление — экспрессионизм. Его представители отражали в своих произведениях трагическое мироощущение человека эпохи Первой мировой войны — отчаяние, боль, страх одиночества. Музыкальный экспрессионизм сложился в Австрии, точнее, в её столице, Вене. Его создатели — Шёнберг, Берг и Веберн. Творческое содружество композиторов вошло в историю музыки под названием новая венская (нововенская) школа. Каждый из мастеров прошёл в искусстве собственный путь, но в их произведениях есть и немало общего. Прежде всего — трагический дух музыки, стремление к острым переживаниям и глубоким потрясениям. Затем — напряжённый духовный поиск, желание, во что бы то ни стало обрести религиозные и нравственные идеалы, утраченные большинством современных людей. Наконец, все три композитора разрабатывали единый метод сочинения музыки — додекафонную систему, резко изменившую традиционные представления о ладовом и гармоническом устройстве произведения. Глава новой венской школы — Шёнберг. Формирование творческой личности Шёнберга происходило в Вене. Здесь он брал частные уроки композиции, встретился с Бергом и Веберном, написал первые произведения. В 1925—1933 гг. композитор жил в Берлине, преподавал в Прусской академии искусств. В этот период он создал законченную теорию додекафонной техники (опубликована только в 1941 г. в статье «Сочинение при помощи двенадцати звуков»). С приходом к власти нацистов музыка Шёнберга была причислена к «дегенеративному искусству», и композитор эмигрировал в США. Творчество Шёнберга решает одну главную задачу — выражает средствами музыки человеческие страдания. Тяжёлые, томительные Киноискусство Польши 2-й пол.XXв. (2). Зану́сси – польский кинорежиссер, сценарист, преподаватель. С 1958 г. снимал любительские фильмы. Снял 11 любительских фильмов, среди которых "Трамвай до неба", "Самолет из Будапешта", "Студенты". Автор ряда документальных и телевизионных фильмов, в том числе «Лицом к лицу» и «Зачет». Дебютировал фильмом "Структура кристалла", в котором впервые поднял "стыдливую" тему профессиональной карьеры при социализме. Уже с первых шагов в профессиональном кинематографе ярко проявилась режиссерская индивидуальность Занусси, его преданность философскому, проблемному кинематографу. Кино для него - "способ поделиться своим жизненным опытом, размышлениями и тем самым помочь другим, да и самому понять мир". Самая характерная черта творчества режиссера - умение вовлечь зрителя в дискуссию. Он предоставляет зрителю шанс самому найти ответ на поставленные вопросы, самому выбирать, решать, размышлять. Фильмы Занусси тяготеют к жанру психологической драмы, где автор исследует диалектику рационального и духовного в человеке. Автор нескольких сборников теле-киносценариев, книг «Беседы о любительском кино» и «Пора умирать». Наряду с работой в кино и на телевидении, поставил ряд театральных и оперных спектаклей в Польше, Германии, Италии, Франции, Швейцарии и России. Киноискусство Великобритании 2-й пол.XXв. Британское кино одно из самых старейших (называли "дремлющее", "нерешительное").1897 – 1-е игровые фильмы: «Флирт солдата», «Новая служанка», «Последний день Помпеи». В этот же день была основа 1-я американская киностудия. Именно англичанин Смит в своих фильмах 1900 г. ("Бабушкина лупа", "Что видно в телескоп") ввёл, по-сути впервые, серию крупных планов. Однако существенного значения своему открытию не придал. В ряды ведущих кинематографических держав Англия вошла только в 30-е г. Но, несмотря на рост кинопроизводства, эстетический уровень фильмов оставался посредственным. Режиссёрские приёмы представляли собой сумму заимствований из американских, французских и немецких картин. 1908-кризис, 1930- попытки преодоления кризиса связаны с деятельностью режиссера Корды. Он прививает новый жанр – хроники частной жизни ("Частная жизнь Генриха VII", "Частная жизнь Дон-Жуана", "Рембрандт"). Наиболее значимой фигурой этого времени в английском кино являлся Хичкок. Он дебютировал ещё в 1926 г. картиной "Жилец", а к середине 30-х уже стал признанным мастером экранного д Дата добавления: 2015-08-29; просмотров: 41 | Нарушение авторских прав
|