Французская скульптура начала XX века.

В 20 в. обновляются методы и материалы скульптуры, скульпторы (А.Майоль, А.Бурдель, Г.Мур) расширяют круг тем, жанров, изобразительных и выразительных возможностей скульптуры, находят возможности ее обновления (мемориальные ансамбли, музеи и комплексы скульптур на открытом воздухе и т.д.).

Бурдель, Эмиль Антуан (1861–1929), французский скульптор. Учился в Школах изящных искусств в Тулузе (1876–1884) и Париже (1884–1886). стал учеником и помощником Огюста Родена. Его первая работа – Памятник павшим в Монтобане. Наделенный огромной творческой энергией, Бурдель иногда в своих работах прибегал к казавшимся уже устаревшими формам и идеям (статуя Эльзасской Мадонны, 1922, выполнена им в псевдоготическом стиле) или к нарочитому искажению пропорций с целью усиления образного эффекта, как в Умирающем кентавре (1914). Художник увлекался искусством Древней Греции, особенно эпохи архаики и ранней классики. Образы древнегреческой пластики вдохновили его на создание таких произведений, как Геракл, стреляющий из лука (1909), Пенелопа (1909–1912), Сафо (1924–1925). Бурделю принадлежат памятники К.Альвеару в Буэнос-Айресе (1915–1923) и А.Мицкевичу в Париже (1909–1929); ему удалось с поразительной чуткостью уловить наиболее существенные черты личности каждого из них. Бурдель является также автором портретов О.Родена (1909), О.Пере (1910-е годы), А.Франса (1919).

Майоль Астрид (1861–1944), французский скульптор, мастер декоративного искусства. Родился. Учился в Школе изящных искусств и Школе декоративных искусств в Париже.

В 1899 ухудшение зрения заставило его обратиться к скульптуре. В созданных Майолем памятниках, в частности Бланки, Сезанну, Дебюсси и павшим в Баньюле, физическая красота аллегорических женских фигур воплощена с большим вниманием к объему и структуре, равновесию и гармонии.

Майоль часто обращался к женским образам. Его произведения всегда отличались высоким уровнем исполнения. Его работы противоположны эмоциональности и импрессионизму произведений Родена и его последователей.

43. Фовизм (франц. fauve – дикий), «дикие» – направление во французском искусстве начала 20 в. В группу фовистов входили А.Матисс, Ж.Брак, Ж.Руо, Р.Дюфи и А.Дерен, А.Марке, М.Вламинк, А.Фриез, Ж.Фландрен, Кис Ван Донген. Живопись фовистов отличает плоскостность форм, насыщенность чистых цветов и подчеркнуто энергичный контур, отказ от светотеневой моделировки и линейной перспективы, что придает этому смягченному варианту экспрессионизма особую декоративность.

Группа заявила о себе на выставках в Париже 1905, 1906, 1907. Название «дикие», она получила за невиданную еще экзальтацию и выразительность цвета. Вскоре объединение распалось, а творческие пути художников разошлись. Основа живописи – работы Сезанна, отчасти Ван Гога, цветовые поиски Сера.

Андре Дерен холодно-рациональный характер присущ творчеству Дерена. В ранних вещах он отталкивался от опыта пуантелистов и Ван-Гога. Интерес к общей декоративности целого и одновременно стремление к точному анализу цветовых впечатлений. Уже в 1906 году он почти полностью отказывается от раздельного мазка пуантилистов и создает построенные в основном на сочетании больших плоскостей зеленого, оранжевого, красного, желтого цветов. «Вестминстерский мост» Четкое и устойчивое сочетание объемов, рациональная ясность композиционного построения, материальная весомость форм. «Тропинки в лесу Фонтенбло» пример изучения опыта Сезанна. Выступает более холодное и формально схематизированное ощущение цветового богатства мира «Вид из окна» детальность в передаче взятых статически и изолировано друг от друга дальних предметов. В Натюрмортах Дерен приближается к кубизму, хотя никогда не приходит к полному разложению объемов и последовательной деформации предметов «Субботний день». Работа поражает натюрмортной застылостью, вытянутых по пропорциям женских фигур, расположенных вокруг стола Его много-численные «Обнаженные» при том что их отличает почти академическая реальность изображения, часто несут на себе печать большего формального безразличия к человеку, понятому лишь как предмет изображения, чем даже его полу кубистические произведения.

Ван Донген (1877–1968), французский художник, представитель фовизма, мастер типажных женских образов и портретист. В 1899 обосновался в Париже, примкнув позднее к кружку авангардистов, сформировавшемуся в студии «Bateau-Lavoir» («Лодка-прачечная»). Завоевал известность картинами, посвященными «современной женщине», погруженной в мир домашней неги, моды и развлечений. Наиболее значительны ранние полотна (Красная танцовщица, ок. 1907; Дама в черных перчатках, ок. 1908.), где обобщенные фигуры и лица натурщиц и дам полусвета намечены броскими цветовыми акцентами и ритмами, впечатляющими не столько «эпатажностью», сколько мощным живописным новаторством, имевшим большой резонанс в искусстве Европы, в том числе России. Часто обращался к мотивам мюзик-холла и цирка, писал также яркие и красочные портреты (Д.-А.Канвейлер, 1907) и пейзажи.

С 1910-х годов делил время между Парижем и Лазурным берегом. В межвоенный период стиль ван Донгена значительно изменился, превратившись в своего рода «авангардный салон» или усредненный вариант «ар деко», где доминировали большие заказные портреты или символические картины, полные великосветского, иной раз почти китчевого шика (Танго с архангелом, 1930). Не раз выступал как иллюстратор книг (в том числе эпопеи М.Пруста В поисках утраченного времени, 1947).

44. Анри Матисс гармония декоративных цветовых аккордов, оптимистичность достигалась путем отказа от анализа реального хода жизненной борьбы. Матисс получил достаточно серьезную реалистическую профессиональную подготовку, его ранние произведения 1890-х гг. такие как «Натюрморт с книгами» (1890), «Фрукты и кофейник» (1897-98) говорят о точной реалистической наблюдательности и крепком владении пластической формы. В начале 1900-х гг. Матисс переходит к более плоскостному, декоративно-условному восприятию мира. Оперировать сдержанно-звучными цветовыми плоскостями, хотя пространственная глубина отчасти и сохраняется. Все же явственно выступает стремление понять картину как проекцию объемов трехмерного мира на двухмерную плоскость холста. Окончательно художественная манера Матисса, определившая его своеобразное место в развитии западно-европейского искусства 20 в. сложилась к 1908-09 гг. Характерными работами этого периода являются 2 панно «Танец» и «Музыка» и эскиз к «Медитации» Эти большие панно построены на аккорде 3-х основных цветов: густо-синего неба, мягко-звучно зеленой земли и крановато-кирпичного цвета нагих человеческих тел. Матисс не порывает с реальными отношениями цветового мира. В отличие от Гогена никогда не напишет красного моря, в отличие от символистов он не будет стремиться навязывать цвету в картине некий символически-аллегорический смысл. «Танец» Передает ощущение самой стихии танца, его хороводный ритм и упругую энергию. «Музыка» В живописном построении аналогична «Танцу». Прямо стоящая в левой части фигура скрипача и разбросанные по плоскости холста сидящие фигуры поющих (очерченные черным и головы поставлены в фас) напоминает расположение ключа и нотных знаков на нотном листе. В искусстве зрелого Матисса при всей законченной декоративной устойчивости его композиций в них всегда чувствуется ровно текущее движение (своеобразная «пульсация» музыкального ритма). «Красная комната» (1908 Мягко волнистый ритм синего рисунка на красных обоях. «Танжер. Вид из окна» «Статуетка и ваза на восточном ковре»

Поздний период творчества Матисса связан с отходом от моментов программного экспериментаторства. Типичным примером, выявляющим эту сторону живописи явялется его «Красные рыбы» Отличаются лаконичной простотой цветового построения, рациональной наблюдательностью. Рыбки видны дважды: и сбоку - сквозь стекло аквариума, и сверху - через саму поверхность воды.

При всей условности и обощенности цвет у Матисса не примитивен. «Натюрморт с раковиной» (1940). В нем острое сопоставление розовых, желтых и черных красок, в сочетании с колючей остротой ритма всего этого вносит элемент скрытого напряжения. Его серия рисунков нагих фигур поражает точностью передачи движения и характера натуры, острой динамикой. Таковы его «Лежащая женская фигура», «Плоды и цветы».

Фовисты:

Ло:

Напряжённая манера, мазок вторит форме. Остаток рисунка академической школы. Характер восприятия цвета по отношению к форме.

Матисс:

- Дама в шляпе: связь предметов осуществляется не тонально, а мощной цветовой взаимосвязью. Нечто подобное – у Сезанна. Матисс освобождает экспрессивный язык красок.

Постепенно фовисты расходятся. Матисс испытывает влияние кубизма, разрабатывает свой декоративный плоскостной стиль, позволяет себе большую условность.

- Окно: под влиянием кубизма. Но больше свободы в интерпретации световых плоскостей. Плоскостное восприятие мира в сочетании с буржуазным любованием быта. Освоение объёма и формы.

45. Кубизм ( фр. cubismе, cube – куб), направление во французском искусстве 1900–1910-х, начало которому положило совместное творчество Пабло Пикассо и Жоржа Брака в десятилетие, предшествовавшее Первой мировой войне. Наивысшего расцвета достиг в 1911–1918. Для произведений художников этого направления характерно преобладание прямых линий, острых граней и кубоподобных форм. Термин «кубизм» впервые применил критик Леон Восель в 1908, описывая работы Брака, отвергнутые Осенним салоном этого года. сложное художественное явление, объединившее живописцев и скульпторов, музыкантов и поэтов.

Сезанновский кубизм. Так обычно называется первая фаза кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов. настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире. Роль художника, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей. Непосредственное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты с формой в живописи Поля Сезанна. Пикассо написал картину Авиньонские девицы, которая считается первым шагом на пути к кубизму. В ней, вероятно, воплотился интерес художника к примитивной иберийской и негритянской скульптуре. Осенью 1907 произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо. Кубисты стремились выявить простейшие геометрические формы, лежащие в основе предметов. Повышенный интерес к проблемам формы привел к разграничению в использовании цветов: теплые – для выступающих элементов, холодные – для удаленных.

Аналитический кубизм характеризуется исчезновением образов предметов и постепенным стиранием различий между формой и пространством. В картинах этого периода появляются переливчатых цветов полупрозрачные пересекающиеся плоскости, положение которых четко не определено. возникает визуальное взаимодействие формы и пространства. Элементы аналитического кубизма появились в работах Брака уже в 1909, а в произведениях Пикассо – в 1910.

Синтетический кубизм отметил радикальное изменение в художественном восприятии движения. Впервые это проявилось в произведениях Хуана Гриса, который стал активным приверженцем кубизма с 1911. Синтетический кубизм стремился обогатить реальность созданием новых эстетических объектов, которые обладают реальностью сами по себе, а не являются лишь изображением видимого мира. Для этой фазы стиля характерно отрицание значимости третьего измерения в живописи и акцентирование живописной поверхности. Если в аналитическом и герметическом кубизме все художественные средства должны были служить созданию изображения формы, то в синтетическом кубизме цвет, фактура поверхности, узор и линия используются для конструирования (синтезирования) нового объекта. Первые признаки этого направления наметились уже в 1912, но наиболее полное воплощение оно получило в коллажах 1913. Художники утверждали, что поверхность картины представляет собой не иллюзорное воспроизведение реальности, а самодостаточный объект.

Кубисты. До них подход к человеку оставался всё тем же. Кубисты меняют эту позицию. Они берут идею Сезанна о приведении всех природных элементов к простым геометрическим телам. Поиск способов для изменения натуры. Термин оформляется в 1912 году, в это же время появляются теоретические обоснования. Пикассо и Брак.

Пикассо:

- Авиньонские девушки, 1907: Пикассо ищет путь, но пока не знает, куда двигаться. Разделительная линия в искусстве. Это ещё протокубизм. Сюжет – публичный дом. Трактовка обнажённых тел в фиксированном формате. Лишает натуру натуроподобия. Он сечёт, уплощает тела, уходит от анатомии и светотеневой моделировки. Взрывной эффект для своего времени. Резкий контраст по сравнению с розовым и голубым периодами. Поиск последовательной геометризации натуры. Если фовист видит цвет, то кубист видит новые формообразования. Постепенно приходит к очищению своих художественных средств. Аналитический, затем синтетический периоды кубизма.

- Скрипка: разбита по осям, прорезь – акцент. Обозрение предмета с разных точек зрения. Условная компоновка внутри вывернутых плоскостей. Хаотичное движение, дробление на осколки. Это уже иной предмет. Импульс натуры преображается в акт творения иного рода.

Хуан Крис?…

- Портрет Пикассо: иное живописное построение.

Жан Мезанже:

- На велотреке:

Делоне:

Создаёт авторскую версию кубизма – орфизм. Свет преобразует форму, смещает плоскости, продлевает композиционный мотив, рождает сложную игру.

Марсель Дюшам:

- Спускающаяся по лестнице: композиция тяготеет к абстракции, но ведёт диалог с кубизмом.

Диего Ривера:

- … Пейзаж: узнаваемые детали + кубистический метод. Горы и листва отчётливо читаются. Широта границ, доступных при введении кубизма. Преображение реальности по кубистическим законам, но есть узнаваемые элементы реальности.

Мондриан:

Формирование нового абстрактного языка. Согласованное взаимодействие геометрических фрагментов. Самоценные формы в диалоге. Решение пластических задач. Преодоление натуры как таковой.

Вламник:

Романтичный кубизм, где пейзажные мотивы приобретают новую ценность.

Дата добавления: 2015-11-28